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Irantzu Lekue desarrolla un nuevo mural en Montgat

LA ARTISTA GASTEIZTARRA PRESENTA UN NUEVO MURAL PARTICIPATIVO.

La creación marca el camino, al igual que lo hacen las temáticas sociales, el compromiso artístico y la acción colectiva. Esta vez en Cataluña, mas concretamente en Montgat sumando colaboraciones con instituciones públicas y personas individuales.

Desde este ayuntamiento catalán se ha impulsado la realización de un mural participativo con la idea de dar visibilidad a la lucha para la eliminación de la violencia hacia las mujeres en un espacio urbano bien visible. El trabajo ya está concluido, la inauguración tiene lugar en un acto que, además, se podrá ver por internet.

AZTARNA / HUELLA

La instalación artística “Aztarna/ Huella” que se desarrolla en el Parque de los sentidos de Noain, está compuesta de cientos de piedras intervenidas con mensajes, que formarán una gran huella dactilar.

La piedra, símbolo de lo perdurable, lo imperecedero es en muchas culturas símbolo de poder divino y representa todavía el símbolo del ser en algunas culturas.

Su dureza y duración, impresionaron al ser humano. Hay quienes vieron en la piedra lo contrario a lo biológico, a lo sometido a las leyes del cambio; la decrepitud, la muerte, pero también lo contrario; al polvo, la arena y las piedrecillas, aspecto de la degradación. La piedra entera simbolizó así, durante mucho tiempo, la unidad y la fuerza.

Algunos simbolistas han comparado el significado de las piedras con el de los árboles. Hay quienes han llegado a la conclusión de que mientras estos simbolizan la denominada “vida dinámica”, estas simbolizan la “vida estática”, cuya principal característica consistiría en haber sido el soporte adecuado para que los antepasados grabaran sus mensajes con el propósito de que perduraran por los siglos de los siglos. A las piedras se les atribuía la virtud de almacenar las fuerzas de la tierra y transmitirlas por contacto a las personas. A veces un montón de piedras puede tomarse como testigo eficaz de una determinada promesa o juramento. De la cultura judía a la maya. De la vasca a la india.

Es por ello que el material principal de la instalación es la piedra, primeramente intervenida por el ser humano mediante reflexiones en torno al cambio climático, testigos así de los mensajes ecológicos que se deseen transmitir. Con estas piedras se creará una gran huella dactilar formada por los mensajes impresos en las piedras.

La toma de conciencia será así gradual. De la primera reflexión a la intervención sobre la piedra. Este proceso concluye con un compromiso público y comunitario con el cuidado de la tierra y del medio ambiente.

La intervención se situa en el exterior del recinto del Parque de los sentidos y podrá ser modificada por los/las usuarias con el fin de transmitir los mensajes.La instalación es dinámica, formando nuevos caminos hacia nuevas simbologías y diálogos.

Ainara Gebara

(Casi) todo dePENDE de ti

Teknologia gizakia libre egiteko, ez morroi bilakatzeko. Guk hura erabil dezagun, ez berak erabil gaitzan 

Gakoetako bat hezkuntza da, irensten dugulako, digeritu gabe ordea. 

Mundu digital batean bizi gara, bertan guztiontzako lekua egon beharko litzateke. Pertsona asko ordea, kanpoan geratzen dira, teknologia hori ez bait da neutroa, interes ekonomikoetara dago lotuta eta baten boterea bestearen gainean dagoela nabarmentzen da, erlazionatzeko modu bat adierazten digu, lanean ordezkatzen gaitu, pentsamenduak digitalizatzen ditu. Baina egin ezin duena gure sentimenduak digitalizatea da, beraz, ¡ Ia dena zure esku dago! Makinek ezin gaituzte gainditu, magia hutsa dira baina Ez gaitzatela desagertarazi! 

IZENBURUA: (Casi) todo dePENDE de ti

TEKNIKA: Errotuladorea paper birziklatuan marraztua eta margotua

TAMAINA: 21x30cm

PREZIOA: 34,32 €

(Casi) todo dePENDE de ti

Tecnología para liberar al ser humano, no para hacerle esclavo; usarla, no que nos use.
Una de los claves es la Educación, porque tragamos, tragamos sin digerir.
Vivimos en un mundo digital en el que habría cabida para todas las personas, pero a muchos se les excluye porque la tecnología no es neutra, sino que va ligada a intereses económicos que no hacen más que remarcar el dominio de un grupo sobre otro, nos marca una forma de relacionarnos, nos reemplaza en el trabajo, digitaliza pensamientos; pero lo que no puede es digitalizar lo que sentimos, así que…¡(Casi) todo dePENDE de ti!…Las máquinas no pueden
dominarnos, son pura magia pero, ¡Que no nos hagan desaparecer!….

TÍTULO: (Casi) todo dePENDE de ti

TÉCNICA: Rotulador sobre papel reciclado

TAMAÑO: 21x30cm

PRECIO: 34,32 €

Itxi begiak

Itxi begiak! Zer ikusten duzu?

Ziurgabetasuna….horrek nire oreka apurtzen du 

– Suntsiketarako aurrerabidea 

Bizitzaren inguruan ikuspuntu mekanizizta bat izatea eginarazten gaituzte, baina ez gara makinak, gizakiak baizik! 

Entropiaren aurka borroka dezagun! ?? 

IZENBURUA: ITXI BEGIAK

TEKNIKA: Fotomuntaia

TAMAINA: 15x20cm

PREZIOA: 24,31 €

 

Cierra los ojos

¡Cierra los ojos!… qué ves?

Incertidumbre…rompe mi equilibrio 

– Progreso para la destrucción

Nos hacen tener una visión mecanicista de la vida, pero….¡No somos máquinas, somos humanos! 

¡Luchemos contra la entropía!

TÍTULO: Cierra los ojos

TÉCNICA: Fotomontaje

TAMAÑO: 15x21cm

PRECIO: 24,31 €

 

BIOGRAFIA ETA IBILBIDEA 

Ilustrazioaren bidez, bizi eta imajinatzen dudan guztia ikusteko eta sentitzeko dudan modua adieraz dezaket 

Buruan ez dago mugarik, eta egongo balira, bihotza litzateke neure eragilea horiek apurtu ahal izateko. 

Betidanik marraztu izan dut, baina duela gutxi izan zen pauso bat haratago joan izan nahi nuela, egiten eta atsegin dudana partekatzeko. 

Kalean saltzen hasi nintzen (Zarautz, Edimburgo) eta bertan izan zen hau egin NAHI dudalaz jabetu nintzenean. Horregatik «erakunde» ezberdinetatik mugitzen hasi nintzen. 

– BIZIZ: Espedizio dokumentala pedalen gainean. Donostiaren hiriburu kulturalaren barneko komunikazio proiektu baten parte izan zen. 2016. 

– Erakusketa eta salmenta kalean. Zarautz. Edimburgo 2019. 

– Erakusketa. Elkar denda, Gasteiz. 2019ko urria 

– Urroz herriko (Nafarroa) Erdi Aroko merkatuan parte hartzailea. 2019ko azaroa. 

– «Super Local Market»-en parte-hartzailea (The Garage-Gasteiz)2019ko abendua

AGIFESeko lehiaketan finalista. 2019 

– «Super Local Market II»-n parte-hartzailea. The Garage, Gasteiz. 2020ko martxoa 

– ARTgia Sorgune&Aretoak antolatutako deialdi publikoan hautatua, Artdemia erakusketa birtual kolektiboan parte hartzeko. 2020ko apirila. 

Artearen merkatu koopeartiboan parte hartzailea. 2020ko maiatza. 

Nire lanak ikusteko, honako hauek bisita ditzakezu: 

Email: unarbolsinraiz@gmail.com

Web: www.donca.es/thegaragesupermarket

Instagram: @ainara_gebara

BIOGRAFÍA Y TRAYECTORIA

A través de la ilustración puedo expresar mi manera de ver y sentir todo aquello que vivo e imagino. 

En la cabeza no hay límites y el corazón, es mi motor para romperlos si los hubiera. 

Siempre he dibujado, pero desde hace poco tiempo quise dar un paso más y compartir lo que hago y me apasiona. 

Empecé a vender en la calle (Zarautz, Edimburgo…) y ahí sentí que QUIERO HACER esto, y empecé a moverme un poco por las “instituciones”. 

– BIZIZ: Expedición documental a pedales. Un proyecto de comunicación que formó parte de la capitalidad europea de la cultura de Donostia. 2016 

– Exposición y venta en la calle. Zarautz. Edimburgo 2019. 

– Exposición en Elkar/Gasteiz. Octubre 2019 

– Participante en el Mercado Medieval de Urroz Villa (Navarra). Noviembre 2019 

– Participante en el “SUPER LOCAL MARKET” en The Garage, Gasteiz. Diciembre 2019. 

– Finalista en el concurso de ilustración de Agiles 2019 

– Participante en el Super Local Market II en The Garage, Gasteiz. Marzo

– Seleccionada en la convocatoria pública Artdemia Exposición colectiva virtual 

organizada por ARTgia Sorgune&Aretoa. Abril 2020. 

– Participante en el Mercado Cooperativo de Arte. Mayo 2020. 

Puedes encontrarme en: 

Email: unarbolsinraiz@gmail.com

Web: www.donca.es/thegaragesupermarket

Instagram: @ainara_gebara

AH

Etorkizunari begira

Lehioaren ondoan eserita gosaltzeko prest nengoen, begiak altxatu nituenean eta irudi honekin topatu nintzenean. Zerbait oso sakona transmititzen zuen, bai kalean, bai etxean. Horregatik hartu nuen argazkia. Argazki bakarra. Bat batean, zerbait agertu eta gertatu zen. konfinamenduaren isiltasuna eta egunerokotasuna apurtu zen.

Paisaia honetan hiru leiho-gai agertzen dira: gaztaroa (panpina), natura (zuhaitza) eta maitasuna (bihotza). Lehenengo biak, koloredunak, gure begiradaren aurrean daude. Ez dugu ezer egin edo bilatu behar haiekin topatzeko.

Hirugarrena, ordea… nabaritzen duzue? Badago sarreratxo bat berarekin atzemateko. haiek dira lotuta dauden hiru gakoak etorkizunerako.

Baina, hemen, hirian egoten diren moduan, ezin dira hurbildutzen euren helburura edota patura, preso bezala agertzen direlako. Zementuaren preso, hiri politikoen preso.

Badaukagu behar duguna etorkizun osasuntsua eraikitzeko, bakarrik norabide egokia begiratu eta hartu behar da, dugu.


Etorkizunari begira

40 x 30

2020/04/15

Prezioa : 71,50 €

AH (1984, Akitania Berria) Bilbon bizi da eta irakastuntzan lan egiten du. Filologia hispanikoa ikasi zuen. Bere formazio akademikoa osatzeko, Frantsesa Atzerritar Hezkuntza eta Nazioarteko Ikasketak Masterra egin zituen.

Nahiz eta ikasketa artistikoa ez izan, Berak sormena du ezaugarri. hitzak, irudiak eta soinuak dira betetzen dituzten bere konposizioak. Mezua edertsasuna baino izaten da gehien lantzen duena.

Tailer bat etxean duenez gero, beste proiektu batzuetan ekin da. Berri bukatu duena da: Au nom de la /mɛr/ non itsas

hondakinek zeramika piezekin lagunduta publikoari mezu poe-litiko bat bidaltzen diote. Hau da : ingurumenaren babesa beharra.

Mezu hori #ResiliART argazkian ere aurki dezakegu. Lortzen badugu ingurumena babestea, horrek esan nahi gure artean, pertsonen artean, pauso bat emango dugula. Eta ematen ari gara.

AH (1984, Nueva Aquitania) reside en Bilbao y trabaja en la enseñanza. Estudió filología hispánica. Completó su formación académica con el Máster en Educación Extranjera Francesa y Estudios Internacionales.

A pesar de no ser un estudio artístico, su trabajo se caracteriza por su creatividad. Palabras, imágenes y sonidos son sus composiciones. Lo que más trabaja es el mensaje que la belleza.

Como tiene un taller en casa, ha podido trabajar en diferentes proyectos durante la cuarentena. El último que ha terminado es: Au nom de la /mɛr/, donde los escombros marinos acompañados de piezas de cerámica envían al público un mensaje poe-lítico. Es decir, la necesidad de protección del medio ambiente.

Este mensaje también se puede encontrar en la foto #ResiliART. Si conseguimos proteger el medio ambiente, eso significa dar un paso entre nosotros, entre las personas. Y lo estamos dando.

Clara Maya Bidegaín

Mecha

Descripción: “Mecha” es una ilustración a color realizada con procreate.

Un skater toma riesgos al caer por una cuesta y no abandona si se cae. Eso es lo que representa la mecha, la fuerza por seguir adelante aunque a veces sea difícil.


Técnica: digital

Dimensiones: A4 ( 21 x 29,7 cm)

Precio: 21,45 €

Eres el mejor

Descripción: “Eres el mejor” es una ilustración a color realizada con procreate. La paleta de colores tierra representa el pasado.

La ilustración refleja la historia de un gato y su recuerdo en nuestra casa. Era el mejor gato del mundo. Era tan bueno que, al final de su vida, se fue a morir solo. Nos quería tanto, que no quiso que sufriéramos al verlo irse.

Aún podemos verlo encima de la mesa, junto a la cafetera y las flores que le compramos.


Técnica: digital

Dimensiones: A4 ( 21 x 29,7 cm)

Precio: 21,45 €

Clara dut izena, eta freelance ilustratzailea eta marrazketa irakaslea naiz. Betidanik nire prestakuntza akademikoa hainbat arlo artistikori lotuta egon da. Ikus-entzunezko Komunikazioa ikasi nuen, eta nire lanen barruan eszenak, planoak edo istorioak sartzen ditut beti.

Email: clarmaybide@gmail.com

Instagram: @clalacol

Me llamo Clara y trabajo como ilustradora freelance y profesora de dibujo y pintura. Desde siempre mi formación académica ha estado ligada a diferentes ámbitos artísticos. Estudié la carrera de Comunicación Audiovisual y dentro de mis obras siempre incorporo escenas, planos o historias.

Email: clarmaybide@gmail.com

Instagram: @clalacol

Edurne Maya Bidegaín

Encerrados

Es una ilustración en blanco y negro. Se trata de dos escorpiones encerrados en una botella de tequila.

La ilustración refleja el sentimiento de impotencia que todas las personas hemos tenido, tenemos y tendremos a lo largo de la vida.


Técnica: digital

Dimensiones: A4 ( 21 x 29,7 cm)

Precio: 21,45 €

y los vencejos volando

Es una ilustración a color. La obra se basa mayormente en la utilización del azul y el rosa creando un universo imaginario con personas y vencejos volando.

Esta ilustración la realicé en abril durante el confinamiento. Creo que indirectamente reflejé mis deseos de estar en otra parte, en otro momento.


Técnica: digital

Dimensiones: A4 ( 21 x 29,7 cm)

Precio: 21,45 €

Edurne Maya naiz eta Sorkuntza eta Diseinuan graduatuta nago, Ilustrazioan espezializatuta Euskal Herriko Unibertsitatean. Betidanik izan ditut sormenezko kezkak, eta nire prestakuntza beti egon da esparru artistikoari lotuta. Gaur egun, ilustratzaile freelance eta irakasle gisa egiten dut lan.

Soy Edurne Maya y estoy graduada en Creación y Diseño con especialidad en Ilustración por la Universidad del País Vasco. Desde siempre he tenido inquietudes creativas y mi formación ha estado ligada siempre al ámbito artístico. En la actualidad, trabajo como ilustradora freelance y docente.

Eider Iturriaga

Bilbao – Barcelona – Berlín

Forma parte de una serie compuesta por siete fotografías tomadas durante el proceso de transformación vital de la propia artista, en el transcurso de dos años. Un viaje hacia la superación de la violencia de género, el reencuentro consigo misma y el aprendizaje resiliente.

Recorriendo estas fotografías, acompañamos a la autora en su metamorfosis, representada a través del movimiento, los caminos y la mirada al frente. Cada una de ellas se corresponde a un instante congelado en el tiempo de una realidad cambiante, la perdurabilidad de la esencia, la emoción y las vivencias, más allá del escenario fotografiado.

Bilbao – Barcelona – Berlín son capturadas en un momento de consciencia de cambio donde se entrecruzan pasado, presente y futuro.

Bilbao 08.18

Fotografía tomada momentos antes de su primera visita a una psicóloga especializada en violencia de género. La escalera simboliza la progresión, el conocimiento y el trayecto hacia el redescubrimiento de sí misma tras la ruptura con el maltrato el 25 de agosto de 2018.

El despertar a la resiliencia

Barcelona 10.18

Fotografía tomada durante su primer viaje en solitario tras cuatro años. Superados los miedos iniciales experimenta una sensación de empoderamiento personal y profesional que le devuelve la confianza en sí misma, su poder y fortaleza. Recordar la anterior vez que estuvo allí y establecer ciertos paralelismos le hace llorar, por primera vez, de alegría.

La recuperación de la confianza

Berlín 12.19

Fotografía tomada en su primer viaje a Berlín, destino tantas veces soñado como abandonado ante

la certeza de convertirse, de nuevo, en escenario de violencia. Han pasado 493 días desde aquella

primera fotografía en la estación. Un año, cuatro meses y seis días de comienzos, conexiones,

ascensos, relaciones, retos, aprendizaje y superación. La vida acelera ylos cambios se suceden de

manera vertiginosa con el cielo de Berlín como testigo.

La tranquilidad es la nueva felicidad


Eskulan Abacá 220

Fibras de tradición asiática de Abacá 100%.
La Abacá es una platanera de origen filipino y sus fibras son largas y de gran calidad para la elaboración de este precioso papel.

Con reserva alcalina, tratamiento bactericida-fungicida y encolado neutro.

Argazki bakoitza, 135,45

Bermeon jaio nintzen 1983ko urriaren 28an.

Oso ume behatzailea izan nintzen beti, oso gaztetatik etxean zeuden kamerea analogikoekin jolasteko aukera izan nuen. Nire ikaskuntza prozesu autodidakta bat izan zen. Izugarri gustatzen zitzaidan pertsona anonimoak, paisaiak eta interesgarriak iruditzen zitzaizkidan xehetasun txikiak erretratatzea. Argazkigintza nire bizitzako une askotan izan dut lagun, intentsitate desberdinarekin.

2012an nire bi pasioak lotzeko aukera izan nuen: musika eta argazkilaritza. Gaur egun profesionalki zuzeneko argazkigintzan aritzen naiz. 2019an Berri Txarrak taldearekin izan nintzenbere azken biran eta hortik sortu genuen «Berba eta Irudia» argazki liburua. Liburu honetan ez dira zuzeneko argazkiak soilik jasotzen, bertan, narrazio lengoaia batekin istorio bat kontatu nahi da, biran, agertokiaren goiko eta behealdean gertatutako guztia.

Azken urteotan, zuzeneko argazkiekin batera, hainbat proiektu pertsonal egin ditut, pertsonalagoak. Baina bakar batek ikusi du argi: «Kate begiz» erakusketak (2016) animalien tratu txarrak salatu nahi izan zituen, kateatutako txakurren argazkien bitartez bataz beste.

Aurkezten dudan proiektu honetan, 2018 eta 2019 urteen artean egindako argazki oso pertsonalak erakusten ditut, «B».

Email:  iturriaga.ei@gmail.com

Facebook: Eider Iturrigaga – Izarbe Photo

Instagram: @eideriturriaga

Nací en Bermeo el 28 de octubre de 1983. 

Siempre fui una niña muy observadora, desde muy joven tuve la oportunidad de trastear con cámaras analógicas, que había en mí casa. Mi aprendizaje fue un proceso autodidacta. Me encantaba retratar personas anónimas, paisajes y pequeños detalles que me parecían interesantes. La fotografía me ha acompañado en muchos momentos de mi vida con diferente intensidad. 

En el 2012 de una manera natural se entrelazaron mis dos pasiones, la música y la fotografía y hasta el día de hoy me dedico profesionalmente a la fotografía de directo. En el 2019 acompañe al grupo Berri Txarrak en su última gira y de ahí nació el foto libro «Berba eta Irudia». En este libro no simplemente se recogen fotos de directo, en él, con un lenguaje narrativo se intenta contar una historia, todo lo sucedido en la gira, abajo y encima del escenario. 

Durante los últimos años paralelamente a las fotos de directo, he realizado varios proyectos personales, más íntimos. Pero solo uno vio la luz en 2016, «Kate begiz» Una exposición que mediante diferentes fotografías quise denunciar el maltrato animal, en especial el de los perros encadenados. 

Ahora presento una serie de fotografías muy personales realizadas entre los años 2018 y 2019, “B”. 

Email:  iturriaga.ei@gmail.com

Facebook: Eider Iturrigaga – Izarbe Photo

Instagram: @eideriturriaga

Dani Urraca

Ilustración de la entrada de la calle Cuchillería en Vitoria-Gasteiz

VENDIDA

Ilustración de una Romería Vasca

VENDIDA

Dani Urraca Gasteizen jaio zen duela 28 urte. Arte Ederrak ikasi zituen EHUn, eta beranduago, CETIC- en  diseinu grafikoan espezializatu zen. Hainbat diseinu agentzietan lan egin du bai eta publizitate lokaletan ere, Moonekin amaitu arte.

Ilustrazioek eta koloreek garrantzia handia hartzen dute bere lanetan eta gaur egun animazioaren munduan murgiltzen ari da poliki- poliki. Teknika digitalak erabili ohi ditu bere Ilustrazio gehienak egiteko horri esker, marra bektorialak eta kolore lauak nabarmentzen dituzten irudiak lortzen ditu.

Ez dauka oso argi zentzuk izan daitezkeen bere erreferente nagusiak, mundu anitz honetan zaila baita jakitea inspirazioa nondik etorriko ote den. Danik, 80ko hamarkadako disken portadak gogoko ditu, euskal arte kostunbristarekin eta Jorge Oteizak idatzitako obrarekin batera.

Email:  dani.ffu@gmail.com

Facebook: Dani Urraca

Instagram: @dani_urraca

Dani Urraca nació en Vitoria-Gasteiz hace 28 años. Estudió en la facultad de Bellas Artes de la UPV-EHU y más tarde se especializó en Diseño Gráfico en el CETIC de Gasteiz. Ha trabajado en varias agencias de diseño y publicidad locales hasta acabar en Mooneki

La Ilustración y el color tienen mucha presencia en su trabajo y actualmente está dando sus primeros pasos en el mundo de la animación. Utiliza técnicas digitales para la mayor parte de sus ilustraciones, logrando imágenes en las que las líneas vectoriales y los colores planos tienen gran protagonismo.

No tiene claro cuáles son sus referentes, pues en un mundo tan globalizado uno nunca sabe de dónde le viene la inspiración. Lo que Dani sí sabe, es que le apasionan las portadas de discos de los 80, el arte costumbrista vasco y la obra escrita de Jorge Oteiza.

 

Email:  dani.ffu@gmail.com

Facebook: Dani Urraca

Instagram: @dani_urraca

David Tavares

Ziklope ezkerraren maskara

Maskara hau prozesu berriaren hasiera da. Helburua bolumena eta marrazketaren arteko harremana lantzea da. Materia eta prozedura estu lotuta daude. Ezabatzerik ez duen marrazketa, lerroak suak paperari egindako zauriak dira. Jardunbideak berak sinbologia boteretsua du. 

Maskara izanda, pieza hau kutsu primitiboa du. Humoretik mitologia aipatzen du Ziklope ezkerraren maskara honek. Indar magikorik izango aldu?


Paper erreta (Harri-kartoia pirograbagailuz marraztuta)

Prezioa: 143,00 €

Ziklope

Pieza hau prozesu berriaren hasiera da. Helburua bolumena eta marrazketaren arteko harremana lantzea da. Materia eta prozedura estu lotuta daude. Ezabatzerik ez duen marrazketa, lerroak suak paperari egindako zauriak dira. Jardunbideak berak sinbologia boteretsua du. 

Irudi antropomorfikoa dugu, mitologiari begiratzen duena. Ziklope hau bere izaera primitiboa azpimarratzen du, erritu galduaren jainko txiki bat izango balitz bezala. 


Paper erreta (Harri-kartoia pirograbagailuz marraztuta), egurrezko oinarria.

Prezioa: 214,50 €

Diseinu grafikoa dut lanbide baina astia dudanean arte popularra lantzen dut Burugabe izenpeko folklore eta pop-kultura nahaste borrastean. Gehienbat harri-kartoizko buruhandi, maskara eta eskulturatxoak gauzatzen ditut. 

Aldi berean musika eta marrazketa harremanatzen duen The Zuzenders izeneko proiektuaren partaidea nauzue.

Laburbilduz, ganoragabeko jarduerak.

Email: tavaresalava@gmail.com

Web: www.burugabe.eus/

Instagram: @burugabe

Soy diseñador gráfico, pero cuando tengo tiempo me dedico al arte popular en una mezcla de folclore y pop-cultura bajo el nombre de Burugabe. Sobre todo hago cabezudos, máscaras y esculturas de cartón piedra.

Soy parte de The Zuzenders, un proyecto que relaciona música y dibujo.

En resumen, actuaciones insustanciales.

Email: tavaresalava@gmail.com

Web: www.burugabe.eus/

Instagram: @burugabe

Iban Galan – DESEGIN

AUTOERRETRATU KONFINATUA

ARTELANA

Bi hilabetez etxean konfinatuta egotearen emaitza da. Denboraldi honetan, kultura eta arteak gizartearengan izan duen garrantziaren izladapena.

Autoerretratu itxurako eguneroko bat izango balitz bezala sortua, koadroaren ilustrazio bakoitza sentzu kontzeptual bat dauka. Norberaren balkoitik kultura eta arte disziplina ezberdinekin izandako bizipenak errepresetatuz; izan ere, arteak asko lagundu gaitu konfinamendua hobeto eramaten.

Teknika mistoekin egindako artelan hau, kontzeptuz beteriko ilustrazioekin errepresentatua dago eta gobernuaren aldetik artea eta kulturaren sektorearekin izan duen jarrerari uko egiten dion erreflexio kritikosozial bat egitearen luzapenera garamatza.

 

FITXA TEKNIKOA

• Izenburua:

AUTOERRETRATU KONFINATUA

• Teknika:

TEKNIKA MIXTOA

350g-ko CANSON paper erreziklatuan

• Neurriak:

43 x 54 zm

• Prezioa:

429,00 €

AUTORRETRATO CONFINADO

OBRA

Es el resultado de dos meses de confinamiento en casa. La importancia que la cultura y el arte ha adquirido en la sociedad en esta última temporada.

Desarrollado como un diario en forma de autorretrato, cada ilustración del cuadro tiene un sentido conceptual. Representando las vivencias culturales que cada persona desde sus balcones ha podido tener.

Esta obra, realizada con técnicas mixtas, está compuesta por ilustraciones cargadas de conceptos y nos lleva a la prolongación de una reflexión críticasocial que rechaza la actitud del gobierno hacia el sector del arte y la cultura.

 

FICHA TÉCNICA

• Título:

AUTORRETRATO CONFINADO

• Técnica:

Técnica mixta

sobre papel reciclado CANSON de 350g

• Dimensiones:

43 x 54 cm

• Precio:

429,00 €

Iban Galan (Arrasate, 1985) “Desegin” sinapearen atzean dagoen ilustratzailea da. Batxilergo artistikoa Eibarren ikasi eta gero, ilustrazioko goi- mailako zikloa Gasteizko “ADGE” zentroan egin  eta diseinu grafikoa Bartzelonako ESDA “LLOTJA” eskolan ikasi ondoren, 2010ean arte bisualen arloan mugitzen den “Desegin” marka edo sinadura sortzea erabakitzen du. 2011an bere lehenego bakarkako erakusketa sortzen du, hainbat hirietan erakusteko aukera izanez. Horien artean 2012an

Bartzelonako “DESIGN WEEK ́12” Festibalean eta BEC-en (Bilboko Bilbao Exhibition Center). Azken urte hauetan ere Euskal Herriko hiri askotan eta Bartzelona aldean bere obrak ikusgai izan dira.

Gaur egun Arrasate, Gasteiz eta Bartzelona hirien artean dihardu eta ilustrazio lanak eta diseinu bisualak konbinatuz bizi da. Estilo freskoak edo eguneratuak islatzen dira bere lanetan, material eta teknika ezberdinak erabiltzen eta ikuslegoari interpretaziorako tartea emanez.

Email: desegin.arrte@gmail.com

Web: www.desegin.com

Facebook: Desegin

Instagram: @ilustrador_desegin

Iban Galan (Arrasate, 1985) es el nombre que recibe el ilustrador tras la firma “Desegin”. Después de cursar bachiller Artístico en Eibar (Gipuzkoa), un ciclo superior de ilustración en la I•D Arte de Vitoria-Gasteiz y Diseño Gráfico en la ESDA “LLOTJA” de Barcelona, en 2010 decide crear la marca “Desegin”, orientada a la ilustración y las artes plásticas y visuales.

En 2011 crea su primera exposición individual presentándola en diversas ciudades, incluido en el festival “DESIGN WEEK´12” de Barcelona en 2012 y en el BEC (Bilbao Exhibition Center). En los últimos años sus obras también se han podido exhibir en varios puntos de Euskal Herria y Barcelona.

Actualmente residiendo entre Arrasate, Vitoria- Gasteiz y Barcelona, dedica su tiempo combinando la ilustración y las artes visuales. Estilos frescos y actuales se ven reflejados en sus obras, donde genera espacios que invitan a una reflexión íntima alejada de lo habitual.

Email: desegin.arrte@gmail.com

Web: www.desegin.com

Facebook: Desegin

Instagram: @ilustrador_desegin

ines gonzalez de zarate

En un magma

En un magma, uno blanco y otro negro.

Blanco vísceras, nacimiento, útero. Grandes esperanzas en tu vida, en la vida, creaciones desde las tripas, mujeres creando… ARTE … con entusiasmo, superando obstáculos. Parece que nunca terminan… los obstáculos.

Negro cueva, penumbra.  Este es el resultado final?  No sirve lo realizado?    papeles leídos o no, arrugados, arrojados a la cueva, olvidados en la penumbra.

Parece que nunca terminan… los obstáculos.

Erraiak

Jaiotza

Umetokia

Azalpena

Gres blanco

Porcelana

Esmalte negro

1260ºC

120×120 mm.

257,40 €

Haitzulua

ILUNDURA

Gres negro

Porcelana

Esmalte negro

1260ºC

120×120 mm.

257,40 €

Oso hiztegi pertsonala duen lan eskultorikoa egiten dut.

Nire adierazpide nagusia zeramika garaikidea da, eta nire material gogokoenak gres zuri-beltza eta portzelana dira, horiekin tonu murritzak eta baita zorrotzak ere lortzen baititut, funtsezkoaren aldeko joera kulturala antzeman daitekeen obra bat sortzeko.

Realizo un trabajo escultórico con un vocabulario muy personal.

Mi principal medio de expresión es la cerámica contemporánea y mis materiales preferidos son el gres blanco y negro y la porcelana, con los que consigo tonos reducidos e incluso austeros, para crear una obra en la que se pueda apreciar una tendencia cultural hacia lo esencial.

Irantzu Lekue

DESCRIPCIÓN DE LAS OBRAS:

“Cuando patinamos sobre hielo quebradizo, nuestra seguridad depende de nuestra velocidad”

RALPH WALDO EMERSON, “On Prudence”

Partiendo de la acción de construir y de-construir, de hacer y deshacer, de la transformación de formas y colores, oscuridad y luz durante el proceso creativo, estas obras surgidas en pleno momento de cambio y transformación, reflexionan sobre el movimiento, el ritmo, el fluir de la vida líquida, la luz y la oscuridad, la parte y el todo y la búsqueda del sentimiento de libertad.

ILUNTASUNEAN

“Es durante la noche cuando resulta hermoso creer en la luz.”

EDMOND ROSTAND

Cuando pienso en velocidad me viene a la mente las propiedades de la luz, su ritmo, fugacidad y su capacidad de alumbrar la oscuridad.


Técnica: Acrílico sobre lienzo

Medidas: 77 x 31 x 5cm

Precio: 250,00 €

JALGI

“Hay dos maneras de difundir la luz. Ser la lámpara que la emite, o el espejo que la refleja”

YUTANG LIN

“Jalgi” invita a reflexionar sobre la resiliencia, la superación activa, la voluntad de transformar desde dentro, hacia fuera.


Técnica: Acrílico sobre lienzo

Medidas: 70 x 50 x 2cm

Precio: 280,00 €

Irantzu Lekue

Vitoria – Gasteiz, 1987

Diziplina anitzeko artista eta kultur aktibista. EHUren Arte Ederretako fakultatean eta beste hainbat unibertsitatetan ikasi zuen: Granadan, Tenerifen, Perugian, Madrilen eta Essexen.

Haren lanak gizartearen kontzientziazioa bilatzen du. Hainbat teknika eta estilo landuz, memoria, arrazismoa, gizarte alorreko bidegabekeriak, aldaketa klimatikoa, nortasunaren krisia edota emakumearen egoera jorratu ditu, betiere existentziari buruzko gogoeta baten ikuspegitik. Sorkuntza-ekoizpenari begira, pintura abstraktua eta figuratiboa beste hainbat teknikarekin uztartzen ditu: argazkigintza, eskultura kontzeptuala, instalazio artistikoak, bideoartea eta muralismoa.

Hainbat sari jaso ditu eta Euskal Herrian zein Espainian hainbat erakusketatan eta interbentziotan parte hartu du.

Lekuek, bere instalazioetan, eguneroko objektuak behin eta berriro erabiliz lortzen du haiei esanahi berria ematea, elkarreraginerako eta gogoeta kritikorako gonbidapen bihurtzen baititu. “Aztarnak” izeneko instalazioaren bidez, gasteiztarrak amaiera eman zion Donostia 2016 Europako Kultura Hiriburuaren Energia Olatuak programari: beirazko 10.000 botila erabiliz, hatz-marka erraldoi bat osatu zuen eta parte hartu nahi izan zuten pertsonen kulturaren eta artearen aldeko mezu bat sartu zuten botila bakoitzean. Dimentsio handiko muralak ere egin izan ditu gune publikoetan.

Tamaina handiko muralak egin ditu eta horrek Argentina, Italia, Suitza, Ingalaterra, Grezia edo Frantzia bezalako herrialdeetara eraman du. Artista garaikide honen azken obra handia Bartzelonako  (Katalunia) La Ciba eraikuntzan garatutakoa da. Temps de Dones gizarte-eraldaketarako horma-irudi parte-hartzailea da. La Ciba, 6.000 metro koadro baino gehiagoko eraikin enblematikoa, Europan erreferente bihurtuko da, genero-politikak, berrikuntza eta ekonomia feminista garatzeko ekipamendurik puntakoena baitu. Horma-irudiaren izenburuak ‘Les temps de cerises’ abestiari eta Parisko komunari egiten die erreferentzia, eta bata bestea askatzen duten emakumeen belaunaldi ezberdinak irudikatzen ditu; nabarmenena, etorkizuna eta belaunaldien arteko erreleboa sinbolizatzen duen neskatila bat da.

Beste obra aipagarri bat Usurbilen (Gipuzkoa) egindakoa da. Jose Luis Zumeta euskal artista ospetsuaren txoriekin partekatzen duen ‘Loreen abstrakzioa’. Irantzuren lana artistak bere eskultura instalazioa sortzeko erabili zituen kolore eta formetatik abiatzen da. Artistak loreen barrualdea berrinterpretatzearen aldeko apustua egin zuen. «Zumetako hegaztiek testuinguru baten espaziora ematen dute, eta nik obra lurraren sakonetan loreen bidez barneratzearen aldeko apustua egin dut». Horrela, Irantzu Lekuek Usurbilen egindako hitzaldia, Jose Luis Zumeta, Remigio Mendiburu, Alejandro Tapia, Iñaki Olazabal eta Judas Arrieta artisten parte-hartzera gehitu zen. Errekaleorren, bere horma-irudiak, adibidez, Italiako «Blu» street art-er ezagunaren beste mural bat erakusten du.

Argentinan, Neuquengo Arte Bienalean parte hartzera gonbidatu zuten, eta Patagoniako hiriko ‘Pasaje al arte’ -n beste obra handi bat egin zuen.

Email: iralekue@gmail.com

Web: www.iralekue.com

Facebook: Irantzu Lekue

Instagram: @iralekue

Irantzu Lekue

Vitoria – Gasteiz, 1987

Artista multidisciplinar y activista cultural. Formación académica en la facultad de Bellas Artes de la UPV-EHU y universidades de Granada, Tenerife, Perugia (Italia), Madrid y Essex.

Su obra tiene un fuerte contenido de concienciación social. A través de diferentes técnicas y estilos, ha abordado cuestiones como la memoria, el racismo, las injusticias sociales, el cambio climático, la crisis de identidad o la condición de la mujer, atravesadas siempre por una reflexión sobre la existencia. En su producción creadora compagina la pintura abstracta y figurativa con la fotografía, la escultura conceptual, las instalaciones artísticas, el videoarte y el muralismo.

Además de su participación en numerosas exposiciones e intervenciones a nivel nacional e internacional, destaca la obtención galardones y menciones en diferentes disciplinas artísticas. De ahí, su consideración como artista multidisciplinar.

Sus instalaciones, caracterizadas por la reiteración de objetos cotidianos para alcanzar su resignificación, son una invitación a la interacción y la reflexión crítica. Clausuró el programa Olas de Energía de la Capitalidad Cultural Europea de Donostia 2016 con la instalación ‘Aztarnak’, conformada por 10.000 botellas de vidrio que componían una enorme huella dactilar. Cada una de las botellas contenía un mensaje para la cultura y el arte, escrito por todas aquellas personas que desearon participar. Ha realizado numerosos murales de grandes dimensiones en espacios públicos.

Ha realizado murales de grandes dimensiones y eso le ha llevado a países como Argentina, Italia, Suiza, Inglaterra, Grecia o Francia. La última gran obra de esta artista contemporánea es la desarrollada en Barcelona (Catalunya). Se trata del mural participativo para la transformación social Temps de Dones, en La CIBA, un edificio emblemático, de más de 6.000 metros cuadrados que se convertirá en referente en Europa al estar dotado con el equipamiento más puntero para desarrollar políticas de género, innovación y economía feminista. El título del mural hace referencia a la canción ‘Les temps de cerises’ y a la Comuna de París, y representa diferentes generaciones de mujeres que se liberan unas a otras, la más destacada es una niña que simboliza el futuro y el relevo generacional.

Otra obra destacable es la realizada en Usurbil (Gipuzkoa). ‘Loreen abstrakzioa’ que comparte con los pájaros del prestigioso artista vasco Jose Luis Zumeta parte de los colores y formas que el artista utilizó para la creación de su instalación escultórica. La artista apostó por reinterpretar el interior de las flores. “Las aves de Zumeta dotan al espacio de un contexto y yo he apostado por adentrar la obra en las profundidades de la tierra a través de las flores”. La intervención de Irantzu Lekue se unía así a las realizadas en la localidad de Usurbil por otros grandes artistas vascos como Jose Luis Zumeta,

Remigio Mendiburu, Alejandro Tapia, Iñaki Olazabal o Judas Arrieta. En Errekaleor su mural luce, por ejemplo, junto a otro del reconocido street art-er italiano “Blu”.

En Argentina, fue invitada a participar en la Bienal de Arte de Neuquén y realizó otra gran obra en el ‘Pasaje al arte’ de la ciudad patagona.

Email: iralekue@gmail.com

Web: www.iralekue.com

Facebook: Irantzu Lekue

Instagram: @iralekue

Javier de Reparaz

Heidegger decía que existe una opinión ‘generalizada’ según la cual nosotros utilizamos el lenguaje para expresarnos. Es decir, que nosotros primero tenemos un pensamiento, una idea, un deseo y que luego usamos un lenguaje para sacar de nuestra mente esa idea o ese pensamiento. Sin embargo, para Heidegger, las cosas funcionaban al revés. Para poder pensar, para poder desear algo, para soñar algo es necesario un lenguaje donde elaborar ese pensamiento. Por lo tanto, primero sería el lenguaje y segundo los pensamientos. Para Heidegger el lenguaje no es neutral, el lenguaje nos constituye y da forma a nuestra manera de relacionarnos con el mundo. En palabras de Wittgenstein: “Los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo”. 

En segundo lugar, estamos asistiendo a la creación y desarrollo de un montón de nuevas formas de comunicación, de nuevos espacios digitales de conversación, redes sociales, internet, blogs,… Pero a menudo se nos olvida que para que todo esto funcione se han creado una serie de lenguajes informáticos que hacen que todo esto esté en marcha, que los humanos nos comuniquemos con las máquinas o que las máquinas se comuniquen con otras máquinas. Todos estos lenguajes de programación permanecen ocultos y son ignorados por la mayoría de los usuarios. Sin embargo, lo mismo que el lenguaje humano configura lo que podemos hacer, nosotros, los lenguajes de las máquinas conforman ese nuevo espacio que se está creando y los usos que les podemos dar. Y les dedicamos muy poca atención. 

Con estas dos premisas, pensé en crear un nuevo lenguaje para ver qué tipo de imágenes salían de su interior. 

Decidí crear un lenguaje 3bits que tiene estas características: 

  • Compuesto por ocho morfemas (8 letras): Como soy fotógrafo y trabajo con el espectro visible de la radiación electromagnética, elegí ocho colores. 
  • Reglas gramaticales de formación de unidades de significado: una única regla de composición: dos cuadrados arriba y dos cuadrados abajo. 
  • De momento no existe un diccionario de traducción al lenguaje humano. 

Con estas reglas básicas he compuesto varias palabras y un libro ‘fundacional’ de la comunidad de hablantes de dicho idioma. 

Para finalizar, mi parte creativa empezó a jugar con buscar nuevas formas de juntar los morfemas con una evidente búsqueda del placer estético, aparte de las capacidades comunicativas. 

Dos ‘palabras’ de este experimento son las que presento por si fuera de su interés. 

Técnicamente son fotografías realizadas con la técnica del ‘carbón transportado’. Esta técnica del siglo XIX se basa en la sensibilidad a la luz del dicromato potásico. Se realiza sobre una superficie de gelatina mezclada con un pigmento. La parte expuesta a la luz se endurece y mantiene el pigmento y la parte no expuesta se va en el revelado. 

Sin título 1 

TÉCNICA: Carbón Transportado sobre papel de acuarela de 240 gr. 

MATERIALES: Pigmento, gelatina, papel acuarela y marco. 

Dimensiones: 28 x 21 cm y 32 x 27 cm. 

Precio: 114,40 €

Sin título 2 

TÉCNICA: Carbón Transportado sobre papel de acuarela de 240 gr. 

MATERIALES: Pigmento, gelatina, papel acuarela y marco. 

Dimensiones: 28 x 21 cm y 32 x 27 cm. 

Precio: 114,40 €

Gasteizen jaio nintzen 1955ean. Magisteritza eta Filosofia ikasi nituen. Hainbat ikastetxetan egin dut lan, Haur Hezkuntzatik UNEDera. Argazkilari profesional gisa ere lan egin nuen, baina beti izan naiz ‘argazkilari afizionatua’.

Laborategiarekin eta artisau-argazkien prozesuekin maiteminduta dagoen argazkilarien sail horretakoa naiz.

1992an Jordi Guillumetekin zianotipiari eta goma bikromatatuari buruzko ikastaro bat egin nuen. Ordutik, XIX. mendeko argazki-prozesuen munduan jarraitzen dut, erabiltzen ez diren teknika horiei gaur egungo erabilera eman nahian.

Sari batzuk irabazi nituen eta hainbat erakusketa kolektibo eta indibidualetan parte hartu nuen 80ko eta 90eko hamarkadetan. Azkenaldian, erakusketa-jarduerari ekin diot berriro ere:

  • 2019, Ekaina, Festival Revela-T, Barcelona
  • 2019, Uztaila-Abuztua, Fundación Cristina Enea, Donosti.
  • 2019, Uztaila, Cursillo carbón, Fundación Cristina Enea, Donostia.
  • 2019, Iraila-Urria, CEA, Olarizu, Vitoria-Gasteiz.
  • 2019, Urria, Cursillo carbón, CEA, Olarizu, Vitoria-Gasteiz.
  • 2019, Azaroa-Abendua/diciembre, ViPhoto Fest 2019, exposición colectiva “Capas”.
  • 2020, Urtarrila, ‘Ibai Izan’ Erakusketa, Montehermoso Kulturunea, Vitoria-Gasteiz
  • 2020, Urtarrila, Taller Carbón Transportado, Sociedad Fotográfica Guipuzcoana.

Email:  javier@ankide.net

Instagram: @javierdereparaz

Nací en Vitoria-Gasteiz en el año 1955. Estudié magisterio y Filosofía. He trabajado en varios centros de enseñanza desde ‘parvulitos’ hasta la UNED. También trabajé como fotográfo profesional pero siempre he sido ‘fotógrafo aficionado’.

Pertenezco a esa serie de fotógrafos enamorados del laboratorio y de los procesos fotográficos artesanales.

En el año 1992 realicé un cursillo con Jordi Guillumet sobre cianotipia y sobre goma bicromatada. Desde entonces permanezco en el mundo de los procesos fotográficos del Siglo XIX intentando darle un uso actual a esas técnicas en desuso.

Obtuve algunos premios y participé en varias exposiciones colectivas e individuales en los años 80 y 90. Últimamente he retomado mi actividad expositiva:

  • 2019, Junio, Festival Revela-T, Barcelona
  • 2019, Julio-Agosto, Fundación Cristina Enea, Donostia – San Sebastian.
  • 2019, Julio, Cursillo carbón, Fundación Cristina Enea, Donostia – San Sebastian.
  • 2019, Septiembre-Octubre, CEA, Olárizu, Vitoria-Gasteiz.
  • 2019, Octubre 19, Cursillo carbón, CEA, Olarizu, Vitoria-Gasteiz.
  • 2019, noviembre/diciembre, ViPhoto Fest 2019, exposición colectiva “Capas”.
  • 2020, urtarrilean, ‘Ibai Izan’ Erakusketa, Montehermoso Kulturunea, Vitoria-Gasteiz
  • 2020, enero, Taller Carbón Transportado, Sociedad Fotográfica Guipuzcoana.

Email:  javier@ankide.net

Instagram: @javierdereparaz

Zirika

 Presento dos obras a la convocatoria “ResiliART” 

“Aldaketa” Cambio y “Harrapatuta” Atrapada. 

Las dos son un acercamiento al tema propuesto por la organización desde la naturaleza, donde habitualmente realizo mi obra. Dos poemas visuales que hablan del momento que actualmente vivimos. 

La seguridad de un cambio inminente que nos abruma y el sentimiento de vivir atrapados sin saber muy bien ni donde ni porque. 

 “Aldaketa” Cambio 

Unas hojas de castaño a mediados de otoño cambiando de color, de los verdes a los ocres. Unas hojas que pronto caerán. Un ciclo a punto de terminar para dar paso al siguiente. De nuevo, habrá que esperar a la primavera, cuando nuevos brotes llenaran de vida el viejo castaño. 

Durante el confinamiento, ha sido imposible salir a la naturaleza a realizar intervenciones, como habitualmente hago. Sin embargo, la cantidad de fotografías guardadas durante años, me ha servido para realizar esta obra. Repasando los archivos de mi PC, antiguas intervenciones realizadas hace algún tiempo, toman nuevos significados. 

“Aldaketa” pretende situarnos en un momento de cambio postpandemia, donde un nuevo ciclo está surgiendo. Se avecinan cambios sociales donde quizá se recuperen valores como la solidaridad, la fraternidad, el bien común… ante valores que este sistema competitivo, consumista y egotista ha enterrado. Hay una oportunidad de recuperar la vida y las personas para ponerlas en el centro de la convivencia en detrimento de la economía depredadora. 

La pandemia, el calentamiento global, la contaminación, las nuevas tecnologías con la inteligencia artificial a la cabeza, auguran grandes cambios. 

Internet, la nube, la IA, la tecnología y el conocimiento al alcance de una gran mayoría, puede que haya democratizado el arte y la cultura, pero a la vez nos ha metido, nos hemos metido en un “Gran hermano” voluntario, donde el control de nuestros movimientos y nuestra intimidad queda al descubierto, con nuestro consentimiento más o menos consciente. 

El mundo de la imagen ha tomado tal protagonismo, que vale más la foto del sitio que la propia estancia y disfrute del lugar. Preferimos la foto 

del atardecer que sentir el sol cayendo, disfrutar de la gama de colores que produce, palpar el aire, o ir los susurros. La comunicación es a través de las redes sociales frente a las relaciones directas. Se abre una nueva brecha entre ricos con alcance a las nuevas tecnologías y países más atrasados que quedan marginados, la brecha de genero se potencia en la red. 

Frente a esta avalancha, solo aprender a utilizar todas esas potencialidades que nos ofrece el avance tecnológico, utilizarlas en nuestro beneficio hacer de ello un bien común, quizá añadir un nuevo derecho humano. “El derecho universal a las nuevas tecnologías”. Tenemos que aprender a vivir de otra forma, sintiéndonos no individuos aislados o solo conectados por las redes, sino sentirnos y trabajar como parte de una colectividad que se ayuda entre sí, que convive con la naturaleza, sin pensar en poseer cada vez más bienes. Solo cabe la resistencia volver a convivir con la naturaleza, crear compartir, cambiar el egoísmo y el individualismo por la solidaridad y la fraternidad. 

Evidentemente, la obra “Aldaketa” no dice todo esto, simplemente nos sitúa en un momento de cambio, nos anuncia que lo viejo va a caer y que lo nuevo esta a punto de llegar y que de nosotros y nosotras dependen los nuevos brotes. Si lo regamos, si lo protegemos, le echamos abono… las yemas nuevas vendrán más fuertes y los frutos serán mejores y más sabrosos. 

El euskera utilizado como símbolo de la defensa de lo local, de lo propio, de la diversidad cultural… 

Fotografía sobre dibond de aluminio 100 x 65

Precio: 715,00 €

“Harrapatuta” atrapada 

Una hoja de roble recién brotada que ha caído entre alambres de espino. Quizá sea la sensación que muchas personas sentimos, que sin saber muy bien porque nos sentimos presas. Estamos atrapadas por la pandemia, por el calentamiento global por la contaminación, por el consumismo, por la individualidad, por el egoismo, por la nueva tecnologia… sabemos que lo que hacemos no es correcto, que algo falla, pero nos es difícil detectar que es, nos resulta difícil o imposible salir del sistema, al igual que la hoja de roble nos sentimos atravesados por pinchos que no podemos evitar, que quizá no sabemos identificar. 

Nos sentimos incomodas, queremos cambiar, pero no sabemos como. 

El tema propuesto por la organización habla del futuro que nos imaginamos, del entorno digital, de garantizar los derechos culturales, del futuro del arte… 

Además de lo expuesto en la explicación de “Aldaketa” 

Yo solo veo futuro, si somos capaces de utilizar la tecnologia en nuestro favor, si somos conscientes de cada acto o acción que realizamos: si compro una fruta saber que fruta compro si es sostenible, quién se beneficia. Si expongo una foto o una conversación en la red, saber su destino, qué consecuencias tiene. 

Solo siendo dueños y dueñas de nuestros actos, solo sintiéndonos un colectivo responsable y critico podremos ser dueños de nuestro futuro, solo así podemos utilizar la tecnologia en nuestro beneficio sin que nos absorba, solo así podemos inventar el nuevo ciclo donde las personas y la vida sean el centro en torno al cual se desarrolla la nueva sociedad. 

Fotografía sobre dibond de aluminio 100 x 65 

Precio: 715,00 €

Miguel Alfredo Hernández Busto (Zirika), Vitoria-Gasteizen jaio zen 1960ko irailaren 29an.

Lehen ere margotzen nuen arren, 1979tik “marrazketa eta pintura” ikastaro bi eta “eredu bizia” bost egin nituen Gasteizko Arte eta Lanbide Eskolan. Ordutik aurrera, neure kabuz pintatzen, ikertzen eta ikasten jarraitzen dut.

Email: zirika@gmail.com

Facebook: Zirika Alfredo Hernández

Instagram: @zirika7

Miguel Alfredo Hernández Busto (Zirika), nacido en Vitoria-Gasteiz el 29 de septiembre de 1960, con domicilio en C/ Francisco Xabier de Landaburu 64- 7o-B, de Vitoria-Gasteiz.

Artista local, multidisciplinar, autodidacta.

Aunque ya antes pintaba, desde 1979, realizo dos cursos de “Dibujo y pintura” y cinco de “Modelo vivo” en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria- Gasteiz. A partir de entonces continúo pintando e investigando y estudiando por mi cuenta de una manera autodidacta.

Email: zirika@gmail.com

Facebook: Zirika Alfredo Hernández

Instagram: @zirika7

Maitane Argote Guzmán

 MUJER TIERRA  I

Maitane Argote Guzman-en margolanek natura eta emakumearen arteko konexioa erakusten dute. Irudikatutako estratu piktoriko koloretsuak Lurraren geruza geologikoak erakusten dituzte. Bitartean honen gainazalean, (mugimendu arin bat sortzen) hilekoaren odola lerro gorri baten bidez irudikatzen da. 

 Irudi piktorikoak pinturaren alde epela erakusten du, kolore eta mugimenduaren bitartez. 

Eratutako formak haien artean gurutzatzen dira. Kontraste eta efektu hori isuriaren batasunari esker lortzen da. 

Akriliko mihise gainean 

3 pieza, 100×73 cm bakoitza 

1.430,00 € (markoarekin)

 MUJER TIERRA I

Las pinturas de Maitane Argote Guzmán exponen la conexión entre la mujer y la Tierra. Los estratos pictóricos realizados a través de colores vivos muestran las capas geológicas de la Tierra, mientras que por ésta, (realizando un leve movimiento) fluye una línea roja haciendo referencia a la sangre menstrual. 

La imagen pictórica muestra el lado cálido de la pintura, a través del movimiento y el color. 

Las formas se entrelazan entre sí, creando grandes contrastes y efectos producidos por la unión de los fluidos. 

Acrílico sobre lienzo

3 piezas, 100×73 cm c/u

PRECIO: 1.430,00 €  (Enmarcado)

 MUJER TIERRA II

Mugimendua artelanaren protagonista nagusia da. Honek, kolore eta formak sortzen duten energiari erreferentzia egiten dio. 

Artelanean bi kolore nagusi daude, alde batetik kolore hotzak (goiko partean) eta beste aldetik kolore epelak (beheko partean). Tonu hauen kontrasteak forma eta koloreen hierarkiarekin jolasten du (hurbiltasuna / urruntasuna). 


Akriliko mihise gainean 

2 pieza, 116x162cm (dena) 

929,50 €

 MUJER TIERRA II

El movimiento es el principal protagonista de la obra, haciendo referencia a la energía que forma la relación de los colores y las formas. 

En la obra predominan dos colores, por un lado los colores fríos (situados en la parte superior) y por otro lado los colores cálidos (situados en la parte inferior). Este contraste de tonalidades juega con la jerarquía de las formas y colores (cercanía/lejanía). 


Acrílico sobre lienzo 

2 piezas, 116x162cm (todo) 

929,50 €

VENDIDA

BIO

Gasteizen jaiotako artista (1994). Arte eta Pintura espezialitatean graduatua (2016), Euskal Unibertsitate Publikoko Arte Ederretako Fakultatean. Gaur egun, bere bigarren graduko azken urtea egiten ari da, Kultura Ondasunen Kontserbazioa eta Zaharberritzea kategorian. Ikasten duen bitartean, Artearen kontserbazioari buruzko ikerketa, lana eta pintura uztartzen ditu.

2019ko abenduan, ARTgiak antolatutako Neguko Arte Azoka erakusketa kolektiboan parte hartu zuen. Bere banakako erakusketetatik, 2019ko irailetik abendura bitartean Gasteizko gizarte-etxeetan aurkeztutako “¿y tus raíces?” erakusketa nabarmentzen da. Urte berean, apirilean, Judamendi auzoko (Sugar Kultur Fest) aste kulturalean parte hartu zuen, bertako dendetan bere obra batzuk erakusgai jarriz. 2016ko azaroan Pintura eta Geologia seriea erakutsi zuen Gasteizko Baratza aretoan.

Arte ikasketak egiten ari zela, Arte Shop Bilbaoren deialdian parte hartu zuen bi urtez jarraian, banaka eta kolektibo gisa.

Gaur egun, bere margolan batzuk Gasteizko Zurbeltz arte galerian daude salgai.

Email: m.argoteguzman@gmail.com

Instagram: @maitaneargoteguzman

 BIO 

Maitane Argote Guzmán, artista nacida en Vitoria-Gasteiz (1994). Graduada en Arte y especialidad en Pintura (2016), por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Pública Vasca. Actualmente se encuentra realizando el último año de su segundo grado, en la categoría de Conservación y Restauración de Bienes Culturales. A su vez compagina los estudios, la investigación sobre Conservación en Arte, el trabajo y la pintura. 

En diciembre de 2019, fue partícipe de la exposición colectiva Neguko Arte Azoka, organizada por Artgia. 

En sus exposiciones individuales, destacan, ¿Y tus raíces?, realizada en los centros cívicos de Vitoria-Gasteiz de septiembre a diciembre de 2019. En el mismo año, en el mes de abril, participó en la semana cultural del barrio de judimendi (Sugar Kultur Fest), exponiendo algunas de sus obras en comercios locales. En noviembre del año 2016 expuso la serie de Pintura y Geología en la sala Baratza de Vitoria-Gasteiz. 

Mientras realizaba los estudios de Arte, participó en la convocatoria de Arte Shop Bilbao por dos años consecutivos, como individual y como colectivo. 

Actualmente, varias de sus pinturas se encuentran a la venta en la galería de arte Zurbeltz de Vitoria-Gasteiz. 

Email: m.argoteguzman@gmail.com

Instagram: @maitaneargoteguzman

Pedro A. Martínez

ANDIA

En un paralelismo y dialéctica conceptual, identifico la necesidad de transformar el gigantismo de edificios emblemáticos, imaginando formas reconocibles de la naturaleza, en nuestro caso, el edificio de oficinas del B.E.C., situado en la zona de ansio (Barakaldo), como elefante, símbolo de poder, dignidad, inteligencia, buena suerte y paz. Tomando como base el pensamiento de que las personas y las cosas que nos rodean provocan un efecto en nuestro bienestar.

Técnica:

Collage digital, sobre imagen fotográfica en color, realizado sobre papel fotográfico profesional, estucado 250 gr, sobre base rígida.
El tema forma parte de la colección transformaciones creativas y nueva visión del entorno en Barakaldo 2020. Son imágenes realizadas durante el confinamiento COVID-19.


Autor: Pedro A Martinez
Papel fotográfico profesional, sobre base rígida, de dimensiones 21 x 30 cm 700,70 €

LOREAK

En un paralelismo y dialéctica conceptual, identifico la resistencia a los momentos difíciles, con la imagen figurativa de seis calas flor, repartidas y alojadas en tres cilindros de acero corten, de siete metros de altura, las ‘Chimeneas’ (2002) de Agustín Ibarrola, en la plaza Bide Onera de Barakaldo.
Las calas se consideran las flores de la pureza y la compasión, y representan la belleza, aunque también se considera que da suerte.

Técnica:

Collage digital, sobre imagen fotográfica en color, realizado sobre papel fotográfico profesional, estucado 250 gr, sobre base rígida.
El tema forma parte de la colección transformaciones creativas y nueva visión del entorno en Barakaldo 2020. Son imágenes realizadas durante el confinamiento COVID-19.


Autor: Pedro A Martinez

Papel fotográfico profesional, sobre base rígida, de dimensiones 21 x 30 cm 700,70 €

Nire bizitza

Barakaldon jaio eta bizi naiz. Euskal Herrian, Madrilen eta Katalunian bizi izan naiz. Ingeniaritza ikasi nuen, eta hori da nire egungo lanbidea, baina sorkuntza artistikoa alde batera utzi gabe.

Ingurunearen behatzaile handia, beti izan naiz sortzaile bisuala, haurtzarotik, inguruan ikusten nuena marraztuz eta zirriborratuz. Gaztetan ikasi nituen marrazketa eta perspektiba teknikak, Barakaldoko Eskola Politeknikoan. Autodidakta naiz irudi- eta bideo-baliabide sortzaileetan.

Nire bizitza maite dudan pertsona baten gaixotasun larriak ukatu zuen, eta nire ingeniari lanbidea bere zaintzagatik utzi nuen. Ondorengo amaiera eta dolua sorkuntza artistikoaren eta irakurketaren bidez gainditu nuen.

Hainbat urteren ondoren itzuli nintzen nire jarduera profesionalera, baina sormenezko jarduera artistikoari eusten jarraitzen dut.

Nire artea

Artista sutsu eta sortzailea. Argazkilari ez profesionala, eguneroko bizitzan inguratzen gaituenaren irudi sortzaileak harrapatzeko grina handia duena. Nire arte-sorkuntzan, gure inguruan presente dauden baina ez dauden irudiak bilatzen ditut, ikuspuntua aldatzean agertzen ditudanak, begiratzeko modua aldatzean presente egin nahi ditudanak, harritzen eta atsegin egiten nauten collage konbinatuak ere gehituz.

Beste gai bat simetrien fotokonposizioak dira, nire bidaietan eta nire eguneroko bizitzan hartzen ditudan argazkiekin. Nire indarra nire sormen eta behaketa gaitasun indartsua da.

Nire ohiko teknikak argazki-konposizioa eta edizio digitala dira, eta marrazkiak ere egiten ditut teknika artistiko klasikoekin eta bideo-collageekin.

Irudimenaren indar eta ahalmen berritzailea, edertasunaren bilaketa, harmonia eta sentsazioak transmititu nahi ditut nire ikusizko sorkuntzekin.

Irudimena guztiongan dago, eta horrekin errealitatea, gure errealitatea, eguneroko bizitza nahierara molda dezakegu, benetako esperientzia bisuala bihurtzeko, sentsazioak sortzen dituena, unea sentiaraziko diguna.

Nire lanak begiratzen dituzten pertsonek harridura, miresmena eta esker ona transmititzen didate, txundituta geratzen dira, eta beste ikuspuntu batetik egungo errealitatea ikusteaz gozatzen dute.

Sorkuntza artistikoak lagundu zidan nire bizitzako une zailak gainditzen, dolua gainditzen, eta sufrimendurako astirik gabe lan egiten.

Email: pedro.a.martinez@hotmail.com

Instagram: @petermartin.art

Mi vida

Nacido y viviendo actualmente en Barakaldo. He residido entre País Vasco, Madrid y Catalunya. Estudié Ingeniería, que es mi profesión actual, aunque sin dejar la creación artística.

Gran observador del entorno, siempre he sido creativo visual, desde mi infancia, dibujando y garabateando lo que veía a mi alrededor. Aprendí en mi juventud las técnicas de dibujo y perspectiva, en la Escuela Politécnica de Barakaldo. Autodidacta en medios creativos de imagen y video.

Mi vida ha estado marcada por la grave enfermedad de un ser muy querido, dejando mi profesión de ingeniero por su cuidado. El desenlace y duelo posterior lo fui superando a través de la creación artística y la lectura.

Regresé a mi actividad profesional después de varios años, pero sigo manteniendo mi actividad artística creativa.

Mi arte

Entusiasta y creativo artista. Fotógrafo no profesional, con una fuerte pasión por capturar imágenes creativas de lo que nos rodea en la vida cotidiana. En mi creación artística, hago una búsqueda de aquellas imágenes que está presente pero ausentes en nuestro entorno, y que hago presentes al cambiar el punto de vista, buscando hacerlas presentes al cambiar la forma de mirar, añadiendo también collages combinados que me sorprenden y complacen.

Otro tema son las fotocomposiciones de simetrías con fotografías que tomo durante mis viajes, y en mí día a día. Mi fuerza es mi poderosa capacidad creativa y de observación.

Mis técnicas habituales son la composición fotográfica y la edición digital, también hago dibujos con técnicas artísticas clásicas y collages de videos.

Con mis creaciones visuales quiero transmitir la fuerza y el poder renovador de la imaginación, la búsqueda de la belleza, la armonía, y experimentar sensaciones.

La imaginación está en todos, y con ella podemos moldear la realidad, nuestra realidad, la vida cotidiana a voluntad, para convertirla en una auténtica experiencia visual, generadora de sensaciones, que nos hagan sentir el momento.

Las personas que miran mis obras, me transmiten sorpresa, admiración y gratitud, quedando impresionadas, y disfrutan de la visión, desde un nuevo punto de vista diferente, de la realidad actual.

La creación artística me ayudó a superar momentos difíciles de mi vida, superar el duelo, y manteniéndome ocupado sin tiempo para el sufrimiento.

Email: pedro.a.martinez@hotmail.com

Instagram: @petermartin.art

Txaro Marañón

Akuario jangarria

Horman jartzeko dira.

Materiala: gresa

Neurriak:

33x20x6 zm.

 

300,30 €

Zeramikagilea. Buztinak larruak sortaraztea uzten nau, beraiekin gai biziak egin ditzaket, gehitzen ditudan plastikozko pusketek  lan bakoitzari  bizigabearen zama ematen diote.

Geroago bi osagaiak aztertzen ditut elkartutako elementu  behagarri bat lortu arte.

Lan prozezu honetan, ez aurrez ikusitako galderak sortzen dira,  erantzunak lortzeko, ikertze lasai batera 1989etik, KAINA ZERAMIKA TAILERRA ko  partaidea.

1986/1989,  KIRU Tailerraren partaidea. 

2001ean sortutako ARKE taldeko kidea izan da. 

Euskal Keramikagile Garaikideak, EKG taldeko kidea da.

EKG-ko kide bezala hainbat jarduera kolektibotan parte hartu du: eramaten naute.

Zeramika eta buztingintza ikasketak Gasteizko Arte eta Lanbide Eskolan.                    

  • 2004/2012 urteetan, hala nola Gasteizko espazio publikoetan egindako esku-hartzeak, ARTIUM museoan zeramikaren inguruko jardunaldiak antolatzea, “Zeramika Topaketak» Zegaman, Gipuzkoa, eta hainbat erakusketan batez ere Araba, Gipuzkoa eta Nafarroan. 
  • 2013an EKG-ko “Hurbiletik” erakusketa proiektua Zaragozako CERCO programazioaren barruan egon da.
  • 2014an EKG eta Kuatro+2 kolektiboen “Ceramic  Suite” erakusketa, Eibarko Portalea Kultur Gunean eta 
  • 2015ean Cangas de Morrazoko Auditorioan, Pontevedra eta CENIMAn, Foz, Lugo.
  • 2018an “EKG” erakusketa,  Bartzelonako ACC-ko aretoan.
  • 2019an  EKG-ko “Nortasuna” proiektua,  Araba Aretoan,  Gasteiz.

Email: txaromarañón@gmail.com

Web: www.txaromara.eus

Ceramista.

La arcilla, me permite crear pieles con las que construir elementos vivos.  Los trozos de plástico que añado a la obra, aportan la carga de lo inerte.   

Analizo posteriormente estos dos componentes hasta conseguir un único elemento cohesionado y observable.

En este proceso de trabajo, surgen preguntas no previstas que me llevan a un indagar pausado en las respuestas.

Cursé cerámica y alfarería en la  Escuela de Artes y Oficios de      Vitoria-Gasteiz.

Cotitular desde 1989 de: KAINA ZERAMIKA TAILERRA,             c/ Herrería 6,  01001                             Vitoria-Gasteiz.

Componente del Taller KIRU, 1986/1989.

Componente del colectivo ARKE creado en 2001.

Componente del colectivo EKG Euskal Keramikagile Garaikideak / Ceramistas Contemporáneos Vascos desde su fundación en 2004.

Como miembro de EKG he participado activamente en diferentes actuaciones del colectivo:

  • Intervenciones en espacios públicos de Vitoria-Gasteiz, 2006 (3er Premio “Borobil Borobila”) y 2007.
  • Organización de jornadas de divulgación de la cerámica contemporánea en el Museo ARTIUM de Vitoria-Gasteiz (2005-2007-2011) destacando: “Su ahotsa/El sonido del fuego” que incluyó un concierto de Oreka TX tocando txalapartas de arcilla elaboradas por EKG.
  • Encuentros: “Zeramika Topaketak Zegaman” (2009-2011).
  • Exposiciones de EKG: Kulturate, Arrasate, Gipuzkoa(2011), Barañain Kultur Aretoa (2012), Sala Kutxa-Boulevard de Donostia  (2012) Sala Luis de Ajuria y Zuloa Aretoa de Vitoria-Gasteiz (2014).
  • 2013 el proyecto expositivo “Hurbiletik/de Cerca” del colectivo EKG, se presenta en CERCO, Zaragoza.
  • 2014 la colaboración de los colectivos EKG y Kuatro+2 propone: “Ceramic Suite” en el Centro Cultural Portalea de Eibar, Gipuzkoa. 
  • 2015 exposición de “Ceramic Suite” en el Auditorio de Cangas de Morrazo, Pontevedra y en CENIMA, Foz, Lugo.
  • 2018 exposición de EKG en la sala de ACC en Barcelona.
  • 2019 exposición “Nortasuna” de EKG, en la Sala Araba de Vitoria-Gasteiz.

Email: txaromarañón@gmail.com

Web: www.txaromara.eus

Uxue Ruiz de Arkaute

ROADS 

 

Thinking technologies have materiality and effectivity. 

Donna Haraway, 2004 

ROADS hirigintza edo ez-gizatiarrak diren elementuak teknologia edota artefaktu gisa ulertzen ditu, konfinamenduan bereziki harremandu garen teknologia modu honen ulerkera zabaldu nahian. Nork ez du gure etxeetako arkitekturaren egoera, gure ordenagailuen eta gure kale eta parkeen kalitatea berbegiratu? Zer hirigintza hedatzen da hiriko eremu bakoitzean? Eta erdiguneare-periferia zonifikazio ereduaren arabera? Egungo hiria zaintzailea al da, edota ardatz produktibista eta eraginkortasun ekonomikoa erdiguneratzeko pentsatuta dago? 

Ahultasuna aldarrikatzeko keinutik abiatuta, gure eguneroko bizitza anitzak diseinatzen dituen irudi arkitektoniko eta urbanoen aurrean, ROADSek bere hanken haragian sortatutako, lurraren ehunduraren araberako bibrazioen grabazioez osatutako ikus-entzunezko proiektua da. Kale edo auzo bakoitzeko lurzoruaren egoeraren arabera, patinatzailearen hanketan sortzen duen bibrazioa areagotzen ala gutxitzen da. 

Une historiko bat pasatzen ari gara, ia koakzioz, prekarietatea gure bizitzek eta gorputzek berezkoa duten hori dela gogorarazi diguna, eta honenbestez hare gehiago prekarizatuko gaituen eta are gutxiago zaintzen gaituen ideal produktibista horretatik urrundu behar garela. Birus batek antropozentrismoak ezkutatua zuen gizakiaren eta ez-gizakiaren arteko horizontaltasuna agerian utzi du. Gure gorputzak inmuneak ez direla gogorarazi digu eta zaintzen dituzten sistemak bizi behar dituztela eta bizi dituzten bizilekuak zaindu behar dituztela ere azaleratu du. 

Nola birplanteatu beharko genuke gure hirietako hirigintza berrogeialdian ostean? Nolakoa litzateke hiri produktibista batetik hiri zaintzaile baterako bilakaera? Al da gizatiarra eta ez-gizatiarraren arteko konexioen onarpena hiri jasangarriagoak sortzeko bidea? Ze gaitasun ditu arteak guzti honetan pentsatzeko?


DESKRIBAPEN TEKNIKOA 

Izena: Roads 

Teknika: ikus-entzuneko lana 

Neurriak: neurri aldakorrak. 

Prezioa: 214,50 €

ROADS 

 

Thinking technologies have materiality and effectivity. 

Donna Haraway, 2004 

ROADS pone el foco en el urbanismo entendido como tecnología no-humana, como artefacto, procurando ampliar la aprehensión de lo tecnológico con la que nos hemos vinculado más intensamente durante el confinamiento ¿Quién no ha reaprendido la importancia que la arquitectura de nuestros hogares, de nuestros ordenadores y calidad de nuestras calles y parques durante la cuarentena? ¿Qué urbanismo se despliega en cada zona de la ciudad atendiendo al modelo de zonificación centro-periferia? ¿Es la ciudad actual cuidadora o está diseñada para centralizar el eje productivista y la eficiencia económica? 

Desde el gesto de reivindicar la vulnerabilidad, ante los imaginarios arquitectónicos y urbanos que diseñan nuestra cotidianidades diversas, ROADS es un proyecto audiovisual compuesto por grabaciones que atienden a la vibración que las superficies porosas de los suelos suscitan en la carne de la patinadora. Según la textura del suelo de cada calle o de cada barrio, la vibración que este crea en las piernas de la patinadora se incrementa o apacigua. 

Estamos sobrepasando un momento histórico que nos ha recordado, casi por coacción, que la precariedad es intrínseca a la vida y a nuestros cuerpos. Un aprendizaje que nos obliga a deshacernos del todo ideal productivista que nos precarice aún más y nos cuide aún menos. Hemos experimentado en nuestras carnes la horizontalidad entre lo humano y lo no-humano que el antropocentrismo ha ocultado y se ha revelado por un virus que nos ha recordado que nuestros cuerpos no son inmunes, sino actores que deben habitar sistemas que les cuiden y cuidar los hábitats que pueblan. 

¿Cómo repensaremos el urbanismo de nuestras ciudades tras el confinamiento? ¿Cómo se daría el giro de una ciudad productivista a la ciudad cuidadora?¿Es la asunción de lo humano y lo no-humano como entes interconectados la forma de crear ciudades más sostenibles?¿Qué capacidad tiene el arte para pensar en todo esto?


DESCRIPCIÓN TÉCNICA

Izena: Roads

Teknika: ikus-entzuneko lana

Neurriak: neurri aldakorrak.

Prezioa: 214,50 €

Arte Ederretan graduatu ostean (UPV/EHU) Ikerketa eta Sormena Artean masterra (UPV/EHU) burutu zuen Uxuek, non eskultura eta materialtasunaren arteko harremana ikertzen hasiko den. Ondoren Madrilen egonkortuko da Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UCM, UAM eta MNCARS) masterra egiteko. Gaur egun bertan eramaten ditu aurrera bere ikerketa teoriko zein plastikoa. Orokorrean eskultura eta ikus- entzunezko formatuetan, urbanismoa eta materialtasunaren arteko zirrikituak lantzen ditu. Bakarkako zein taldeko erakusketak burutu izan ditu Gasteiz, Bilbo, Cluj-Napoka, El Puerto de Santa María edota Madril bezalako hirietan.

Tras graduarse en Bellas Artes (UPV/EHU), Uxue realizó el Máster en Investigación y Creatividad en Arte (UPV/EHU), donde comenzará a investigar la relación entre escultura y materialidad. Posteriormente se consolidará en Madrid para realizar el Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UCM, UAM y MNCARS). Hoy en día lleva a cabo su investigación tanto teórica como plástica. En general, en los formatos escultóricos y audiovisuales, trabaja los entresijos entre el urbanismo y la materialidad. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en ciudades como Vitoria-Gasteiz, Bilbao, Cluj-Napoka, El Puerto de Santa María o Madrid.

Silvia Izquierdo

GU…BESTEAK

“ GU SORTU GINEN

EMBOR BERETIK

SORTUKO DIRA

BESTEAK, BURRUKA

HORTAN IRAUNGO

DUTEN

ZUHAITZ-ARDASKA

GAZTEAK”.

Xabier Lete

Bidegabekeriak eta basakeriak atsekabetutako mundu baten kontzientziaren aurrean, eguneroko lanaren eta borrokaren errealitatea irekitzen da, etorzkizun itxaropentsu baterantz bideak irekitzen dituena.

Errealitate horretan, garrantzi berezia hartzen dute zaintza-lanak, banakako lanak bateratzea beharrezkoa bihurtuz, borroka kolektiboa abian jartzeko.

Berriro sustraitu, bizia eman eta hazi eta enbor beretik jaiotako gorputza garela jabetu beharra dago. Merezi duen borroka bat aurkitzen denean, zirraragarria izan daitekeen bizitza ematea.

Berekoikeriazko eta arduragabekeriazko lo-kuluxka luze baten amaiera ikusteko. Arduratzera, ugalkorrak izatera. Berriz ere amets egitea gizaki talde batekoak garela, eta gure sustraiak beti batuko gaituztela.

GU…BESTEAK

Lanari dagokionez, tinta beltzez egindako grabatua da, paper gainean egina, eta 56 x 38 zentimetroko neurriak ditu. Inprimaketa nagusia, Iurretako Oromiño auzoko baso baten aurkitutako enbor baten sekzio batekin egina dago. Interesgarria iruditu zitzaidan grabatzeko orduan egurraren zainaren eraztunak eta hura mozteko erabili zen tresnaren markak markatu ahal izatea. Horrela, kontraste deigarria sortzen da bizitza gehitzen duten marken eta bizitza kentzen duten marken artean.

Izenburua: Gu…Besteak

Teknika: Grabatua.

Neurriak: 56 x 38 zm.

Prezioa: 143,00 €

unitateko (3 aleko seriea).

GU…BESTEAK

“DEL MISMO TRONCO

DEL QUE NACIMOS

NOSOTROS, NACERÁN

LOS DEMÁS, RAMAS

JÓVENES QUE

PERMANECERÁN EN

ESTA LUCHA.”

Xabier Lete

Ante la conciencia de un mundo desolado por la injusticia y la barbarie, se abre la realidad del trabajo y lucha cotidiana que abre caminos hacia un mañana esperanzador. Una realidad en la que toma especial importancia el cuidado mutuo, en la que es necesaria la fusión de trabajos individuales siempre imprescindibles por sencillos que resulten, para la puesta en marcha de una lucha colectiva.

Es necesario volver a enraizarse, a dar vida y a hacernos conscientes de que somos un cuerpo nacido de una misma semilla, de un mismo tronco. A dar una vida que puede resultar apasionante cuando se descubre una lucha que merece la pena. A vislumbrar el final de una larga siesta de egoísmo y despreocupación. A ocuparnos, a ser fecundas. A volver a tener el sueño consciente de que pertenecemos a un grupo de humanos al que siempre nos unirán nuestras raíces.

GU…BESTEAK

En lo que respecta al trabajo, se trata de un grabado en tinta negra sobre papel Fabriano con unas medidas de 56 x 38 cm. Se trata de una serie de 3 copias. La impresión central está realizada con una sección de un tronco de un bosque del barrio Oromiño en Iurreta. Me pareció interesante que a la hora de grabar, se pudieran marcar tanto los anillos de la veta de la madera como las marcas del instrumento que se utilizó para cortarlo. De esta manera, se crea un llamativo contraste entre las marcas que añaden vida y las marcas que la quitan.

 

Título: Gu…Besteak

Técnica: Grabado

Dimensiones: 56 x 38 cm.

Precio: 143,00 €

unidad (serie de 3).

BIO

Silvia Izquierdo Cabañas dut izena, eta Bilbon jaioa naiz

Nire bizitzan zehar, liluratuta sentitu naiz artistek mundua irudikatzeko duten moduarekin, eta, beraz, ni neu ere hori egiten saiatzera deitua sentitu naiz. Nire artearekiko interesa nerabezaroan eta gaztaroan landu nuen pintura klaseetara joaten estudio batean.

Arteari ezkeintzen nion lekua pixka bat baztertuta geratu zen unibertsitate garaian, medikuntza ikasteak eskatzen zidan konpromesuagatik. Hala ere, inoiz ez diot utzi margotzeari, argazkiak ateratzeari edo erakusketak ikusteari.

Nire interesa eta formakuntza askoz gehiago garatu zen Arte Ederretako gradua hastea erabaki nuenean, eta ordutik artea sentitzeko modua, erabat aldatzen ari da.

Lan intimoak egitea gustatzen zait. Nire bizitza eta batez ere, inguruan ditudanen bizitzak maiz bihurtzen dira materiala nire lanenetan.

silvia.izquierdocab@gmail.com

Instagram: @xiri_xirike

BIO

Me llamo Silvia Izquierdo Cabañas y nací en Bilbao.

A lo largo de mi vida me he sentido fascinada por la forma que tienen las artistas de representar el mundo. Mi interés por el arte lo cultivé en mi adolescencia y juventud asistiendo a clases de pintura en un estudio.

El lugar que ocupaba el arte en mi vida quedó algo relegado al entrar en la universidad a estudiar medicina. Sin embargo, nunca dejé de formarme y de usar la creación como vía de escape.

Mi interés se desarrolló mucho más cuando decidí iniciar el grado en Bellas Artes en la UPV, algo que cambió radicalmente mi forma de entender el arte.

Me gusta hacer trabajos íntimos. Mi vida y, sobre todo, las vidas de los que me rodean se convierten a menudo en material para mis trabajos.

Silvia.izquierdocab@gmail.com

Instagram: @xiri_xirike

Lola Gómez Martínez de Eulate

Que no tenga que protegerse la NATURALEZA de nosotros

En esta obra intento representar, en un principio, mi entorno, pero intento también transmitir algo más que la forma. La composición de la obra es esquemática con el objeto de dar más importancia al color y así poder influir y potenciar optimismo en respuesta a este momento. 

El punto de vista (P.V), está situado al ras del suelo con el propósito de describir el momento en el que tumbado sobre la arena miras al horizonte y ves el mar y el cielo inmenso que te rodea. Es una de las maneras que más me transmiten la unión con la tierra. 

Intento así con el color intenso infundir optimismo, pero colocó algo que hoy empezamos todos a tener muy normalizado, la mascarilla. No quiero dibujarla, de hecho me niego, porque quiero que se quite con un soplido de todos en favor de la vida y del cuidado de la tierra y de la humanidad. La tecnología es sin duda un nuevo motor para el arte, estoy convencida. Aunque no llegue de momento a todos, yo me incluyo desconozco todavía todas sus posibilidades aunque también soy una privilegiada por tener acceso a ella, muchas otras personas todavía no. Esta Convocatoria demuestra que es posible que suceda. Es Alentador porque todos juntos con diferentes aportaciones contribuiremos, con la genialidad del ser humano, aprendiendo de los fallos y enseñando que mal utilizados nos pueden destruir. 

 FICHA TÉCNICA: 

Técnica: Óleo sobre lienzo 

Autor: Lola Gomez Martínez de Eulate 

Tamaño: 114 x 146 cm 

Año: marzo 2020 

Título: “Que no tenga que protegerse la NATURALEZA de nosotros” 

Ciudad: Bilbao, Getxo 

Precio: 2.145,00 €

Lola Gómez Martinez de Eulate Leioan jaio zen 1961eko maiatzaren 6an. Haurtzarotik gaur egun arte Getxon bizi da.

Bilboko Arte Berreginen Museoan hasi zen marrazketa ikasten Manuel Balsarekin, «El Ruso». Arte Ederretan lizentziatua da, Euskal Herriko Unibertsitatean Kontserbazio eta Zaharberritze espezialitatean (1985).

90eko hamarkadan, zaharberritzaile gisa lan egin zuen eta St. George eta IADE Moda akademian.

Bere familiari eskainitako garai baten ondoren, bere bokazio artistikoa bizirik mantenduz, bere karrerari berriro ekin zion 2016an.

Aurten Getxoko San Inazio Jaietako kartelaren lehen saria irabazi zuen, «13 Obras» bakarkako lehen erakusketa egin zuen eta BMW pintura sarira aurkeztu zen.

2017an Medina de Pomarreko Lehiaketa Nazionalean parte hartu zuen eta aukeratuta geratu zen. Urte horretan, erakusketa kolektibo batean parte hartzen zuen uztailean eta abuztuan, Medina de Pomar Burgosko kondestableen Alkazarreko aretoan, eta  B.B.B.A.A.A. erakusketan Getxoko geltokian.

Lola Gómez Martinez de Eulate nace en Leioa el 6 de mayo de 1961. Desde su infancia hasta la actualidad reside en Getxo.

Comienza estudiando dibujo en el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao con Manuel Balsa, “El Ruso”. Es Licenciada en Bellas Artes con la especialidad de Conservación y Restauración por la Universidad del País Vasco (1985).

Durante los años noventa, trabaja como restauradora y ejerce como docente en el colegio St. George y en la academia IADE Moda.

Después de una época dedicada a su familia manteniendo viva su vocación artística retoma de nuevo su carrera en el año 2016.

Durante este año gana el primer premio de Cartel de las Fiestas de San Ignacio en Getxo, realiza su primera exposición individual “13 Obras” y se presenta al premio de pintura BMW.

En 2017 participa y queda seleccionada en el Certamen Nacional de Medina de Pomar. Además, participa en una Exposición colectiva durante los meses de julio y agosto en la sala del Alcázar de los Condestables de Medina de Pomar Burgos y en una Exposición colectiva B.B.B.A.A.A. en La Estación Getxo.

Lorea Morlesín

Kathe Kollwitzen heriotza

Obraren deskribapena

Käthe Kollwitzen heriotza autoerretratu bat da. Betidanik maite izan dut artista espresionista honen obra, bere samurtasuna baina aldi berean zer gordintasunarekin marraztu eta lantzen zituen bere obrak liluratzen nau.

Argazkian belo moduko bat soinean daramaten bi emakume antzematen dira, bata zuria da eta bestea beltza; biak emakume bera. Artista alemaniarraren heriotza simulatzen duen irudia islatu nahi izan dut autoerretratu honekin. Argazkiko emakumea Käthek bere marrazkietan pertsonaiak irudiztatzen zituen bezala, izututa dago, azken arnasa hartzen ari da heriotzak ( argazkiko emakume beltza) eramaten duen bitartean.

Nire omenaldi pertsonala nazismoan isilarazi nahi izan zuten artistari, bere obrarekin pobrezia, esplotazioa eta gudek langile klasean sortzen zituzten miseriak salatzen zituen emakumeari.


Teknika: esposizio bikoitza

Neurriak: 25 x 30 cm

71,50 €

Kathe Kollwitzen heriotza

Descripción de la obra

La obra es un autoretrato de Käthe Kollwitz. Siempre he amado la obra de este artista expresionista, me ha fascinado la invitación con la que dibujaba y cultivaba su ternura.

Con este autorretrato he querido reflejar la imagen que simula la muerte de la artista alemana. La mujer de la foto, como Käthe ilustraba a los personajes en sus dibujos, está aterrorizada, respirando el último suspiro mientras la muerte (la mujer negra de la foto) se la lleva.

Mi homenaje personal a la artista que quisieron silenciar en el nazismo, a una mujer que denunciaba con su obra la pobreza, la explotación y las miserias que las guerras creaban en la clase trabajadora.


Técnica: fotografía, doble exposición

Medidas: 25 x 30 cm

71,50 €

Ikus-Entzunezko  Komunikazioan  Lizentziatua   Euskal   Herriko  Unibertsitatean, nire aitak bultzatua, beti  izan dut lotura estua argazkilaritzarekin eta arte bisualekin.

Nire obrek bizitzarekin dute zerikusia: iragankorra eta hauskora den mundu hau azalerazten saiatzen naiz nire esperientzia pertsonala eta irudimena nahastuz.

Estetikoa eta formala, onirikoa eta lurrekoa batu egiten ditut errealitatetik atera gabe.

Argazkien bitartez gizakiak bere bizitzan zehar bizi edo sumatu izan ditzakeen emozio ezberdinak transmititu nahi ditut.

Email: morlesin.lorea@gmail.com

Facebook: Lorea Morlesín

Instagram: @lady_morle

Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad del País Vasco, impulsada por mi padre, siempre he estado estrechamente relacionaao con la fotografía y las artes visuales.

Mis obras tienen que ver con la vida: intento hacer emerger este mundo que es efímero y frágil, mezclando mi experiencia personal y mi imaginación.

Lo estético y lo formal, lo onírico y lo terrestre se unen sin salirme de la realidad.

A través de las fotografías quiero transmitir las diferentes emociones que el ser humano puede vivir o percibir a lo largo de su vida.

Email: morlesin.lorea@gmail.com

Facebook: Lorea Morlesín

Instagram: @lady_morle

Natalia Albéniz

Redneck

 Me llama la atención el gran poder que tienen los medios de masas en la sociedad actual, y la manera en que en ocasiones son transmisores de los mensajes de diferentes centros tanto políticos, como económicos y religiosos. Es por esto que he elegido las pastillas o caramelos como formato para representar el trasfondo de todos aquellos eslóganes que apoyados en el lenguaje textual y su utilización estratégica, los cuales pueden funcionar como incentivos para fomentar el odio, el miedo y la violencia. 

Estos caramelos llaman especialmente la atención por la forma tanto estética como de funcionamiento como de su envase, basado en el dispensador de la famosa marca Pez, vendiéndonos los caramelos a través del envoltorio. Luego, el color rojo del contenedor no es arbitrario, sino que se ha utilizado en referencia al término redneck, el cual designa a hombres blancos conservadores estadounidenses y los tilda asimismo de paletos. 

El dispensador termina entonces encabezado por la figura de Donald Trump, autor de esos mensajes o píldoras y sus proyecciones en el ámbito social nacional e internacional. 


 Ficha Técnica 

Título Redneck 

Técnica / formato Rotuladores, lápices y bolígrafos sobre papel de dibujo. 

Dimensiones: 19 x 19 cm 

Precio: 85,80 €

Natalia Albeniz artista bisual eta hezitzailea da, 1989an Gasteizen jaioa eta toki berean bizi dena. Euskal Herriko Unibertsitatean Arte Ederretan lizentziatu ondoren bi master egin zituen: lehena Txaro Arrazolak tutorizatutako Artearen Sorkuntza eta Ikerketan, eta bigarrena Irakasleen Prestakuntzan. 

Haren lanek estetika inozentea dute, baita haurrena ere, eta ez datoz bat haien funtsarekin eta gaiekin. Horien artean, mendebaldeko gizartean gizarte-konbentzioek duten pisua aurki dezakegu, hura gainerakoei erreferentzia egiten baitzaie; erlijio-aginduak eta horiek gaur egun duten pisua; emakumearen rola eta haren gorputzaren tratamendua eremu pribatu eta publikoan; eta gizartearen testuingurutik ateratzea eta berresignifikatzea.

Zenbait deialditan parte hartu du, hala nola, Refest, Images & Words on Refugee Routes (2017), Artgia Da (2018), Sortzea, ez Errepikatzea/Producción, No Reproducción (2018), Erasmus para jóvenes Emprendedores (2019), Red Fanzine (2019), eta MAZOKAren barruan antolatutako Euskal Irudigileak taldeko solasaldietako batean parte hartu zuen (2019). Eta egoerak ahalbidetzen duenean Artiumek antolatuko duen Ikasgeletatik Espazio Publikora. Arte Garaikidearen Inguruan Lanen Bilduma Bat. Egindako Titulazio Amaierako / Desde las Aulas al Espacio Público. Una Colección de Trabajos de Fin de Titulación Realizados en torno al Arte Contemporáneo topaketan parte hartuko du.

Gaur egun Artium Arte Garaikideko Euskal Museoan lan egiten du gidari eta hezitzaile gisa. Hezkuntza-lana eta praktika artistikoa uztartzeak aukera ematen dio ikuspuntuak zabaltzeko, esperientziaren bidez aberasteko hainbat lanbide-eremutako eta adinetako pertsonekin tratatzean, eta artea gizartea eraldatzeko tresna potentzial gisa jorratzeko.

Email: nalbeniz@gmail.com

Facebook: Natalia Albéniz

Instagram: @nalbeniz

Natalia Albeniz es una artista visual y educadora nacida en 1989 en Vitoria – Gasteiz y residente en el mismo lugar. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, a continuación cursa dos másteres; el primero en Creación e Investigación en Arte tutorizado por Txaro Arrazola, y el segundo en Formación de Profesorado. Sus trabajos cuentan con una estética inocente e incluso infantil que contrasta con el trasfondo de los mismos y sus temáticas, entre las cuales podemos encontrar el peso de las convenciones sociales en la sociedad occidental en tanto que ésta se presenta como referente al resto, los preceptos religiosos y su peso en la época actual, el rol de la mujer y el tratamiento de su cuerpo en las esferas privada y pública, y la descontextualización y resignificación del lenguaje, así como sus proyecciones.

  Ha participado en convocatorias como Refest, Images & Words on Refugee Routes (2017), Artgia Da (2018),  Sortzea, EZ Errepikatzea / Producción, NO Reproducción (2018), Erasmus para Jóvenes Emprendedores (2019), Red Fanzine (2019), participado en una de las tertulias organizadas por Euskal Irudigileak dentro de MAZOKA (2019), y cuando sea posible, dada la situación, participará en las jornadas a oganizar en Artium Ikasgeletatik Espazio Publikora. Arte Garaikidearen Inguruan Lanen Bilduma Bat. Egindako Titulazio Amaierako / Desde las Aulas al Espacio Público. Una Colección de Trabajos de Fin de Titulación Realizados en torno al Arte Contemporáneo.

 Actualmente trabaja en Artium, Centro – Museo Vasco de Arte Contemporáneo como guía y educadora. El hecho de combinar la labor educativa con la práctica artística le permite una ampliación de puntos de vista, el enriquecimiento a través de la experiencia al tratar con personas de diferentes ámbitos profesionales y edades, y abordar el arte como una potencial herramienta de transformación social.

Email: nalbeniz@gmail.com

Facebook: Natalia Albéniz

Instagram: @nalbeniz

Pablo Ochoa de Olza

P1XEL

¿La tecnología va a salvar al arte? ¿Es el arte la cuestión o es su mercado? En tiempos de crisis y cambios, cuando se reciben impulsos fuertes y frecuentes, l@s artistas producen consecuentemente, el arte no está en peligro, si bien su mercado puede ser salvado por la tecnología. Esta obra presenta la luz de un p1xel iluminado que recorre (¿o es estático?) una pantalla negra dibujando un futuro incierto. Su precio absurdo es otra característica más de la obra: el arte es independiente del mercado y por tanto de sus crisis.


TÍTULO: “P1xel”

SUSTRATO: Pantalla de plasma de PC

MATERIAL: Plásticos, metal y elementos electrónicos

MEDIDAS: 44x26x2 cm

TECNICA: Pintado con tintas “Nero d’Inferno”

PRECIO: 82,11 €

HOPE

Partiendo de la unión del arte urbano como arte no comercial, universal y “democrático”, y la tecnología, esta obra es un grito en una pared cibernética, y una llamada a la esperanza ante la incertidumbre, a la confianza en que el arte trasciende sus mercados, las crisis y los vaivenes de la propia humanidad. Su precio absurdo es otra característica más de la obra: el arte es independiente del mercado y por tanto de sus crisis. 

TÍTULO: “HOPE”

SUSTRATO: Pantalla de plasma de PC

MATERIAL: Plástico

MEDIDAS: 44×26 cm

TECNICA: Pintado con esmalte sintético color plata y

grafiteado con pintura acrílica negra mate Molotow.

PRECIO: 138,75 €

1986tik 1991ra grafiti-margolaria izan zen Espainian, New Yorken eta Alemanian, eta 1990eko Graffiti sari nazionala irabazi zuen (BMG Ariola). 1990eko hamarkadan Pablo hormetatik paperera, mihisera, zeramikara eta, literalki, edozein euskarri pintagarrira igaro zen, Bartzelona, Alemania eta Estatu Batuen artean bizi zen bitartean. Sei urte eman ditu bere lanak erremisiorik gabe, eta, 1994ra arte, Ernst Stocken tailerrean zaharberritzaile lanetan aritu da.

Ia ordutik, pintura roboten programazioan trebatua, graffitiaren begizta ehunka roboten eskutik milioika litro esprai pinturarekin itxiz, berak, tonu original eta bakarrarekin, kaleak, gelak, pertsonaiak eta eszenak margotzen dituen bitartean, benetakoak edo imajinatuak, prisma zeharrargi batez bahetuak.

Modak eta joerak alde batera utzita, arte urbanoaren eta figuratiboaren artean nabigatuz, kale eta paisaia urbanoen pintorea, material eta formatu berrien esploratzailea, arauak errespetatzen ez dituena, inongo korrontetan lerrokatu gabea eta erabat garaiz kanpokoa, artista honek gaztaroko puncharekin jarraitzen du bere heldutasun sortzailean: urteek ez dute pasioa baretu, eta bizitza 80ko hamarkadako komiki gisa ikusten du, fikzioak eta errealitateak ezer esan nahi ez dutelarik. Argiaren eta formen bere ikuspegia, perspektiba, proportzioa eta marra errealitateari alde batetik begiratzeko duen modu berezia bezain originalak dira.

Email: pablo@ochoamaquinaria.com

Web: www.pintare.co/

Facebook: Pablo.ochoadeolza

Instagram: @pablo.ochoadeolza

Pintor de grafitis entre 1986 y 1991 en España, Nueva York y Alemania, ganador del 1er premio nacional de Graffiti 1990 “BMG Ariola”, en los 90 Pablo pasa de las paredes al papel, al lienzo, la cerámica y literalmente cualquier soporte pintable, mientras reside entre Barcelona, Alemania y Estados Unidos. Seis años que marcan su obra sin remisión y en los que trabaja como restaurador de antigüedades en el taller de Ernst Stock hasta 1994.

Formado prácticamente desde entonces en programación de robots de pintura, cerrando el bucle del graffiti con millones de litros de pintura en spray a manos de cientos de robots mientras él, con un tono original y único pinta calles, estancias, personajes y escenas, reales o imaginadas, tamizadas por un prisma translúcido.

Independiente de modas y tendencias, navegando entre el arte urbano y el figurativo, pintor de calles y paisajes urbanos, explorador de nuevos materiales y formatos, irrespetuoso de las normas, no alineado en ninguna corriente y absolutamente extemporáneo, este artista en su madurez creativa sigue con el punch de la juventud: los años no han calmado la pasión y ve la vida como un comic de los 80 en que ficción y realidad no significan nada, “¿a quién le importa la realidad?”

Su visión de la luz y las formas, la perspectiva, la proporción y el trazo son tan originales como su peculiar forma de mirar de medio lado a la realidad.

Email: pablo@ochoamaquinaria.com

Web: www.pintare.co/

Facebook: Pablo.ochoadeolza

Instagram: @pablo.ochoadeolza

Sara Berasaluce

#ResiliArt deialdirako, konfinamenduan zehar egin ditudan bi argazki aurkeztu ditut. Bitxia bada ere, alarma hasi zenean atera nuen lehen argazkia eta duela bi egun egin dudan azken argazkia da. Horietan, harreman oso zuzena ikusten dut; izan ere, bietan ikusten delako fluido bat gainazal baten gainean, irudia abstraktuagoa bihurtzen duena, eta, horren ondorioz, ez delako ezagutzen objektuaren ohiko funtzioa edo ateratako paisaia.

Para la convocatoria #ResiliArt he presentado dos fotografías que he realizado durante el confinamiento. Curiosamente, se trata de la primera fotografía que saqué cuando empezó el estado de alarma y la última que he realizado hace dos días. En ellas, veo una relación muy directa, ya que en las dos se aprecia un fluido sobre una superficie que convierte la imagen en algo más abstracto que hace que no se reconozca por ello la función habitual del objeto o el paisaje que está fotografiado.

Fitxa teknikoa:

– Izenburua: “Unibertsoa”

– Tamaina: 20 x 30 zm

– Teknika: Canson Infinity Baryta Prestige paper gaineko argazkigintza digitala 340g

– Urtea: 2020

– Prezioa: 143,00 €

Fitxa teknikoa:

– Izenburua: “Lo líquido”

– Tamaina: 20 x 30 zm

– Teknika: Canson Infinity Baryta Prestige paper gaineko argazkigintza digitala 340g

– Urtea: 2020

– Prezioa: 143,00 €

Sara Berasaluce Duque (Gasteiz, 1992) Euskal Herriko Unibertsitatean (2014) Artean graduatu ostean, argazkilaritza artistikoan espezializatu zen. Gaur egun arte, lan eta ekoizpen artistiko gehienak argazkilaritza artistikoari eskaintzen dizkio. 2016an, Gizarte eta Kultura Erakundeetako Arte Hezkuntzako masterra egin zuen Madrilgo Unibertsitate Konplutentsean, eta 2019an  DBH, Batxilergo, LH eta Hizkuntza Irakaskuntzako Irakasleen Prestakuntzako masterra jaso zuen, Arte Plastiko eta Ikusizkoen espezialitatearekin.

Bere lan-bizitza hezitzaile artistiko eta hezkuntza-jardueren kudeatzaile gisa igarotzen da hainbat museo nazionaletan: Artiumen, Gasteizko Arte Garaikideko Euskal Zentro-Museoan, Trajearen Museoan eta Madrilgo Erkidegoko Cerralbo Museoan, besteak beste.

Bere lana hainbat kultur erakundetan erakutsi dute, hala nola Montehemoso Kultur Etxean, Amarika Aretoan eta Gasteizko ARTgia Sorgune & Aretoan. Azken urteotan hainbat deialdi artistiko nazionaletan eta nazioartekoetan saritua izan da.

Email: saraberasaluce@gmail.com

Web: es.m.wikipedia.org/wiki/Sara_Berasaluce

Facebook: Sara Berasaluce (K-osa)

Instagram: @saraberasaluceduque

Sara Berasaluce Duque (Vitoria-Gasteiz,1992), graduada en Arte en 2014 por la Universidad del País Vasco (UPV|EHU), se especializa en fotografía artística, a la que dedica su mayoría de obra y producción artística hasta la actualidad. En 2016 es Máster en Educación Artística en Instituciones Sociales y Culturales por la Universidad Complutense de Madrid y en 2019 Máster en Formación de Profesorado de ESO, Bachillerato, FP y Enseñanzas de Idiomas, con la especialidad de Artes Plásticas y Visuales.

Su vida laboral transcurre como educadora artística y gestora de actividades educativas en varios museos nacionales como en ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, Museo del Traje y Museo Cerralbo de la Comunidad de Madrid.

Su trabajo ha sido expuesto en varias instituciones culturales como el Centro Cultural Montehemoso, la Sala Amárica y ARTgia sorgune & aretoa de Vitoria-Gasteiz. Y durante los últimos años ha sido premiada en diferentes convocatorias artísticas nacionales e internacionales.

Email: saraberasaluce@gmail.com

Web: es.m.wikipedia.org/wiki/Sara_Berasaluce

Facebook: Sara Berasaluce (K-osa)

Instagram: @saraberasaluceduque

Willy Berasaluze

Se trata de esculturas creadas en homenaje a aquellas personas que, mientras dura el proceso de fabricación de la obra, y estando en soledad, pasan por mi cabeza. Discusiones sobre por qué pulir una de las caras, por qué ese hierro no va pintado…

Opiniones que ayudan a que la obra termine como a mí me gusta. Es por eso que este proyecto va dedicado y homenajea a todas aquellas personas que han estado conmigo mientras hacía las esculturas. Amigos, no tanto, profesores….Vivos, muertos….Algunos aportando mucho otros tocándome los, pies…..

Las piedras están aprovechadas de un muro que se desmoronó en Latsurregi, casa de mis padres en Deba, donde vivo. Muro que a su vez aprovechaba toda clase de material de vete a saber qué otras casas…

Los hierros son varillas que se utilizan para atar paquetes de pliegos de chapa que nos llegan al taller donde trabajo y que recupero una vez sueltos.

Cada una de las obras pues, llevan no únicamente parte de historia sino que además, llevan horas de discusiones sobre su realización. Y por supuesto, mucho cariño.

Disfrutarlas como las he disfrutado yo.

BAKARDADEAN LAGUNTASUNA-2

600X130X100 mm

Alabastro Tallado y Varillas de Hierro.

4 de las caras visibles del cuboide pulidas, la quinta dejada en

bruto. Los hierros sin tratamiento para oxidación natural.

 

429,00 €

BAKARDADEAN LAGUNTASUNA-4

450X160X150 mm

Mármol Negro de Markina Tallado y Varillas de Hierro.

1 cara visible del cuboide pulida, 3 al corte y la quinta dejada en bruto. Los hierros sin tratamiento para oxidación natural.

 

429,00 €

Industri maisu delineatzailea.

Jesus Obreron ikasketak egin ondoren, Debako Arte Aplikatuen Eskolan sartu zen, eta, Mikel Campo irakasleetako baten hitzetan: «Erdi Aroko gizona» da, arte-adar guztietan trebatua baitago. Zura eta harria zizelkatzea, zeramika, grabatua eta pintura edo galdaketa.

Euskal artisten eraginez, izan dituen lanetan erabili dituen materialetan egiten ditu bere lanak, eta, beraz, burdina da bere obran nagusi, egurra eta, jakina, harria ahaztu gabe.

Azken aldian jorratzen dituen gaiak: bakardadea, adiskidetasuna eta nola ez, heriotza.

Maestro Industrial Delineante.

Tras los estudios en Jesús Obrero, ingresa en la Escuela de Artes Aplicadas de Deba, donde hacen de él, según palabras de uno de los profesores, Mikel Campo, “Un hombre del Medievo”, ya que está formado en todas las ramas artísticas. Talla de madera y piedra, cerámica, grabado y pintura o fundición.

Influenciado por los artistas vascos, realiza sus obras en materiales de cuales ha dispuesto en los diferentes trabajos que ha tenido, así pues, en estos últimos años, es el hierro el material predominante en su obra, sin olvidar la madera y, por supuesto, la piedra.

Los temas que últimamente trata: la soledad, la amistad y como no, la muerte.

Claudia Guevara Fiallos

Lo orgánico frente a lo artificial

En estas dos obras intento expresar las diferencias que percibo entre lo que es virtual y lo que pertenece a lo orgánico. Aquellas coas que pueden transformarse hasta desaparece haciendo uso de manera indiscriminada de los artificios de la tecnología.

Nuestro mundo orgánico saturado de elementos en los que podemos movernos y sencillamente obtener vida y de donde extraemos las experiencias que son vitales al riesgo que nos plantea el tremendo desafío de no dejar perder la belleza y el equilibrio de las cosas que pertenecen a la vida natural.

movimiento – circular – transformación – cambio – pixelación – fragmentación

Rostro en atmósfera circular

Representa nuestra posición ante lo que es realmente importante y no queremos perder. La perfecta composición de nuestra atmósfera con todas sus capas representa el aire libre y el espacio abierto en donde nos movemos libremente. El píxel es lo contrario, una atmósfera artificial e ilusoria a la que, si nos dejamos llevar, estamos destinados a convertir en el espacio de nuestro encuentro con la vida….

 

Acrílico líquido y tinta vinílica sobre papel

17 por 17 cms.

286,00 €

Instancias de una “S” a lo largo del tiempo

se entiende como la transformación en el tiempo de nuestra cultura y nuestras maneras para alternar y comunicarnos dentro del mundo virtual donde todo se ve modificado y alterado por el vicio de la tecnología sobre lo que es orgánico y de índole personal. La “S” es solo un símbolo, ALGO que representa un sonido que nos es familiar, el principio de una de muchas palabras que nos trasmite un concepto que puede ser el vínculo a otras ideas y que sin embargo se ve expuesta a cambios a través del Eempo que la transforman de tal forma que se ve en riesgo de ser disuelta por el futuro novedoso que nos impone un ritmo frenéEco, un consumo de ideas y de cosas en constante destrucción para hacerlas nuevas en detrimento de lo que es realmente importante. 

 

Acrílico, tinte vinílico y látex sobre tela

64 por 98 cms.

715,00 €

Claudia Guevara Fiallos dut izena. Urte hauetan zehar, nire bokazio artistikoa garatzen jardun dut, betiere esperimentazioari, lerroari, orbanari, denborari, izakiei, argiari eta itzalei lotuta.

Gauzen oreka interesatzen zait, edertasuna susmatu ezin den horretan eta bilaketa erresilientea; hots, gure garaian artista izateak zer esan nahi duen hobeto ulertzea.

Margolaria ofizioz eta bokazioz, neurri handi batean autodidakta. Hala ere, aitortu behar dut asko zor diedala beste artista eta tailerreko maisu batzuei, zeinen eraginak arteari buruzko nire begirada eta ulermena bideratu dituen.

Gizarte-etxean, kultur-etxeetan, liburutegietan, kafetegietan eta nire lanak zintzilikatzeko metro karraturen bat utzi didaten edozein tokitan erakutsi dut.

Ikusi eta bizi izan dudan guztiak lagundu eta laguntzen nau nire eguneroko lanbidean.

Me llamo Claudia Guevara Fiallos.

A lo largo de estos años me he dedicado a desarrollar mi vocación artística siempre vinculada a la experimentación, a la línea, a la mancha, al tiempo a los seres la luz y a las sombras. Me interesa el equilibrio de las cosas, la belleza en lo insospechado y la búsqueda resiliente, en fin, una mejor comprensión de lo que significa ser artista en nuestro tiempo. Pintora de oficio y por vocación, en buena medida autodidacta. Sin embargo, debo reconocer que debo mucho a otros artistas y maestros de taller cuya influencia ha orientado mi mirada y mi entender sobre Arte.

Experiencia He expuesto en centro cívicos, casas de cultura, bibliotecas, cafeterías y en cualquier lugar en donde se me haya cedido algún metro cuadrado en donde colgar mis trabajos. Todo lo que he visto y vivido desde que recuerdo ha contribuido y contribuye a mi oficio diario. 

Eduardo Alsasua

Autorretrato, Abril de 2020

Hona hemen nire artelana: “2020 apirila autorretratua” Oihal gaineko olio-pintura 65 x 54 zm.

Egun honetan, beno martxoan, covid-egoera dela eta, nire lantokia itxi nintzen eta etxean kokatu nintzen nire “tailerra”. Komunean hain zuzen ere!

Handik Aurrera, “tilerra desberdin” honetan, bi kuadro margotzen ari naiz. Justu ikusi eta margotu. Zuzenki! Aurrean ikusten ditut gauzak, horiek margotzen ari naiz! Eta hórrela bi kuadro egiten ari naiz:

Bata, leihotik ikusten ditudan “San Francisco” komentuaren aurriak. Eta Bestea: “2020 apirila Autorretrato”

Bietan, margotutakoa eta bizitakoa oso lotuta daude, horregatik pintura intimista da.

Egoera honetan nor bere baitan biltze eta sinplifikazio da nagusia. Sentimendu guzti hori nire pinturan ikusten da. Hori dela eta, baita espazioaren eza nabaritzen da ere teknikan, paletan eta obraren tamainuan. Eta horrelako gauzek funtsezkoena baloratzen laguntzen didate.

 

Óleo sobre lienzo. 65×54 cm. 2020. 

Precio: 1.287,00 €. 

Gasteizko Arte Eskolan hasi zen ikasten eta 2007an Arte Ederretan lizentziatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean. 2005ean Antonio Lópezek Ávilan kudeatu zuen Francisco de Goya Katedrara joan zen. Bere lanak sari ugari jaso ditu, horien artean Antonio López García XXXV. Pintura Sari Nazionala eta Bartzelonako VII. Pintura eta Eskultura figuratibo Lehiaketaren Ohorezko Aipamena. Bakarkako hainbat erakusketa egin ditu; azkena,2018ko urrian,  Gasteizko ARTgia Sorgune & Aretoan.

Eduardo Altsasuaren pintura errealismo piktoriko garaikidearen barruan kokatzen da eta egilearen errealitate hurbilarekin lotuta dago. Izan ere, inspirazioa aurkitzen du eguneroko egoera, leku, objektu eta abarretan. Bere koadroek espazio, pertsonaia, giro eta abarren aurrean kokatzen gaituzte, eta guztiek bizirik daudela iruditzen zaigu.

Email: eduardoalsasua@yahoo.es

Web: www.eduardoalsasua.com/obra/

Facebook: Eduardo Alsasua

Instagram: @eduardoalsasua

 Comienza su formación en la Escuela de Artes de Vitoria-Gasteiz y se licencia en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en 2007. Desde 2005 asiste a talleres magistrales como la Cátedra Francisco de Goya, impartida por Antonio López en Ávila. Su obra ha sido reconocida con numerosos premios, entre los que destacan: el XXXV Premio Nacional de Pintura Antonio López García y la Mención Honorífica en el VII Concurso de Pintura y Escultura figurativa (Barcelona). Ha realizado varias exposiciones individuales, la última, en ArtGia (Vitoria-Gasteiz) en Octubre de 2018. 

La pintura de Eduardo Alsasua se inscribe dentro del realismo pictórico contemporáneo y está relacionada con la realidad más próxima del autor. De hecho, encuentra inspiración en situaciones, lugares, objetos… cotidianos o banales. Sus cuadros nos sitúan ante espacios, personajes, ambientes… que nos dan la sensación de haber sido vividos por todos. 

Email: eduardoalsasua@yahoo.es

Web: www.eduardoalsasua.com/obra/

Facebook: Eduardo Alsasua

Instagram: @eduardoalsasua

Estíbaliz Romaña

Tras la puerta, historias del covid-19

Colección: Puertas y ventanas del mundo.

Técnica: Acrílico sobre lienzo.

Cada cuadro lleva una pequeña parte del lugar que me ha inspirado (ramas, piedras, madera y un pedacito de mi corazón.

Dimensiones: 50 x 60 cm.

 El cuadro “Tras la puerta, historias del COVID19” es una invitación a mirar en nuestro interior, a aprovechar esta parada que nos regala la vida para abrir la puerta de nuestra alma y observar lo que nos encontramos. Sin miedo, sin juzgar, con amor… y quizás encontremos esa parte de nosotros que habíamos olvidado, nuestra esencia. 

Por ello, cuando creé esta obra la subí a Instagram stories, con la pregunta: 

“Y tú, ¿cómo estás viviendo este confinamiento tras la puerta? “ 

… invitando así a reflexionar y a compartir vivencias, sentimientos y actitudes. 

Pertenece la colección “Puertas y ventanas del Mundo”, la cual está compuesta por otras 5 obras inspiradas en lugares como Croacia y Eivissa (Puertas de Zadar y Eivissa). 

Muy en la línea está la obra “Entrada a un Mundo mejor”, representada por dos cuadros: 

– El primero, la Puerta de Entrada (deja atrás una piedra marrón que representa los momentos en los que estamos atrapados en una vida que no nos llena, movidos por la rutina, luchando por el “bientener” en vez de preocuparnos por el “bienestar”). 

– El segundo, un ojo con una piedra en forma de corazón (representa el Nuevo Mundo). Un mundo en el que escuchar y guiarse por el corazón es la forma de avanzar, tanto en las relaciones personales, como la forma de relacionarnos con la naturaleza (de manera sostenible y respetuosa) y con los animales (sin abuso y sin explotación). 

Esta situación excepcional que estamos viviendo nos permite replantearnos nuestros estilos de vida, prioridades, creencias y quizás sea el momento de cambiarlas para alinearlas con lo que nos dicta el corazón. Cuando todos seamos conscientes individualmente y nuestro guía sea el corazón, el Mundo mejor llegará. Sé tú el cambio que quieras ver en los demás. 

Estamos en un momento histórico sin precedentes en el que se nos ha cuartado la libertad física, pero somos libres para crear y libres para dar a conocer nuestras obras. 

Estamos “Tras la Puerta” pero eso no significa que debamos estar parados. Es el momento para crear y de difundir nuestro arte a través de internet y las plataformas digitales. En esta nueva era el darse a conocer no tiene límites. 

Gracias por vuestra iniciativa y por darnos la oportunidad a los nuevos artistas de difundir nuestra filosofía plasmada en cada obra. 

Gracias, Gracias, Gracias. 

Estíbaliz Romaña Bárcena 

Mayo 2020 

Chemtrails

Colección: Luz, arena y sal.

Técnica: Acrílico sobre lienzo.

Cada cuadro lleva una pequeña parte del lugar que me ha inspirado (ramas, piedras, madera y un pedacito de mi corazón.

Dimensiones: 81 x 65 cm.

Quiero presentaros mi primer cuadro. 

Esta es su historia: 

Hace dos años comencé a pintar. Nunca antes lo había hecho. 

Siempre he pensado que a nuestra casa lo único que le faltaba era una playa, es lo que buscaba para esa pared… 

Quería un cuadro muy especial y lo busqué durante meses sin encontrar algo que me trasmitiera las emociones que yo quería. 

Mi hermano y alma gemela, me dijo: 

“Tata, lo que buscas puedes hacerlo tú” 

Fueron estas palabras, no necesité nada más…algo me hizo click… incluso sin haber pintado antes supe que podría hacerlo y me apetecía muchísimo el reto, así que nos pusimos en marcha. 

Para poder llevar a cabo esta obra, toda la familia fuimos a nuestra playa, la playa de Berria. En ella pasamos los mejores momentos de nuestra infancia y los recuerdos que tenemos de este lugar mágico perdurarán en nuestra memoria para siempre. Vivencias, anécdotas y sobre todo mucho amor y felicidad. 

Recogimos arena, y mientras tanto íbamos pensando cómo podría ser el cuadro. Recogimos conchas y hierbas. Y paseamos… y recordamos… El sitio seguía siendo el mismo y mantenía su encanto y olor a playa salvaje. Pero la familia había crecido… mis padres, mi hermano y mi cuñada, mi compañero de vida y nuestras hijas, nuestros perros… la estampa de ese día no la olvidaré jamás. 

Por este motivo, cuando terminé el cuadro, lo titulé, “Playa de Berria, allí empezó todo”… empezó una etapa maravillosa de nuestra vida y empezó mi primera obra. 

De este cuadro ha surgido la Colección “Luz, Arena y Sal”, compuesta hasta el momento por 5 obras, inspiradas en mis playas favoritas, y que podéis ver en el vídeo presentación. Todos están esperando su lugar para aportar luz y energía, excepto la Playa de Berria. Por su gran valor emocional seguirá siempre con nosotros. 

Por ello, al concurso presento otro cuadro de la misma colección titulado “Chemtrails”. Lo he elegido porque está inspirado en la playa de Sopelana, playa donde me retiro cuando quiero desconectar, reconectar y disfrutar de las olas. Es un lugar que me da mucha paz. Hace más de dos meses que no he podido estar allí. Recogí la arena y las piedras una semana antes de empezar el confinamiento. Este tiempo de parón me ha permitido crear esta obra y compartirla con vosotros. 

Por tanto, gracias a las situaciones que nos sacan de nuestra zona de confort y nos permiten descubrir talentos que no conocíamos, mirar hacia nuestro interior, conocernos mejor y despertar. 

Gracias a mis padres por darnos tanto, gracias a mi hermano y alma gemela por hacerme dar cuenta que lo que buscamos fuera está dentro de nosotros. Y gracias a mi familia por estar ahí siempre. 

Gracias, Gracias, Gracias. 

Estíbaliz Romaña Bárcena 

Mayo 2020 

Estibaliz Romaña Barcena naiz eta 47 urte ditut.

Marketina eta Finantzak ikasi nituen, ingelesa eta frantsesa hitz egiten ditut eta nire lana hainbat enpresa multinazionalekin lotuta egon da beti. Aldi berean, Marketin proiektuetan parte hartu dut, eta bat eskuetan izan dudan bakoitzean, nire bidea dela jakinarazten dizun “subidoia” sentitu dut, eta beste edozein lanek bezala adrenalina igotzen zidan bultzatzeko gogoa.

Duela bi urte hasi nintzen margotzen, nire anaia eta arima bikia izan zen bide honi ekiteko bultzada eman zidana. Inoiz ez nuen pintzelik hartu, eta are gutxiago nire alderdi artistikoarekin lotu. Sortzeko gai ez nintzela pentsatzen nuen..orain .denok ditugun uste mugatzaileak ezabatu behar ditugula baieztatu dezaket.

Nire lehen koadroa akademia batean egin nuen, eta han azaldu zidaten nola landu nahi nuen erabili nahi nuen teknika. Hortik aurrera, neure kabuz jarraitu dut, eskolarik eta tutoretzarik gabe, araurik gabe, neurririk gabe. Nire bihotzari entzuten diot, inspirazioari atea irekitzen diot, mihise baten aurrean jarri eta sortzera.

Konfinamendua iritsi arte ez nuen pentsatu nire lanak sustatzea. Gelditzeko, pentsatzeko eta benetan gozatzen dudanaz ohartzeko denbora izateak, martxan jartzera bultzatu ninduen. Instagramen ARTgia  eta UNESCOren deialdia agertu zitzaidan une horretan lehen azaldu dudan “subidoi” hori, bidea dela adierazten didana, sentitu nuen.

Email:  esti.roma@gmail.com

Instagram: @esti.romaa

Soy Estíbaliz Romaña Bárcena y mi edad es 47 años, creo…

Estudié Marketing y Finanzas, hablo inglés y francés y mi trabajo ha estado siempre ligado a diferentes empresas multinacionales. Paralelamente, he participado en proyectos de Marketing y cada vez que he tenido uno en mis manos, he sentido ese subidón que te hace saber que es el camino, y unas ganas de empujarlo que me subía la adrenalina como ningún otro trabajo.

Comencé a pintar hace dos años y fue mi hermano y alma gemela quién me dio el impulso para iniciar este camino. Nunca antes había cogido un pincel y mucho menos me había relacionado con mi faceta artística. Pensaba que no era capaz de crear… lo que corrobora que tenemos que eliminar las creencias limitantes que todos tenemos.

Mi primer cuadro lo hice en una academia donde me explicaron cómo trabajar la técnica que quería utilizar. A partir de ahí he seguido por mí misma, sin clases ni tutoriales, sin normas, sin medidas….simplemente escucho a mi corazón, dejo que me inspire, me pongo delante de un lienzo y a fluir.

Hasta que llegó el confinamiento no me había planteado promocionar mis obras. El tener tiempo para parar, pensar y darme cuenta con lo que realmente disfruto, me animó a ponerme en marcha. Fue en ese momento en el que aparece laconvocatoria de ARTgia y UNESCO en Instagram y siento de nuevo ese subidón que antes he explicado, el que me indica que es el camino.

Email:  esti.roma@gmail.com

Instagram: @esti.romaa

iF Matxikote

Laia (Hirisildua XXVI)

Azalpena

Zuria nagusi den arte lan bat da Laia. Horren azalera osoan zehar bi hankadun forma geometrikodun erliebe bat luzatzen da, behetik gora. Lerro zabalekoa da, artetan zirkulu zabalak dituena. Bere baitan, eremu gorriak daude, sakabanatuta. Marra horiak daude eremu gorri horien baitan, baita horien artean ere, materian grabatuak, sare bat osatzen. Forma geometrikoaren ingurune osoa zuri beixago batez eginda dago eta zenbait lauki eta marren aztarna agerian uzten digu. Obrak koadro beltz zabala du. 

Arte lan hau ez da abstraktua, alderantziz, ezin figuratiboagoa da. Izan ere, forma geometrikoa herri funtzionaletan eraikitzen dituzten biribilgune eta kale-itsuez osaturiko bide antzuetan oinarritzen da. Bazterretan dauden lauki eta marrek, berriz, etxetxoak, etxe indibidualak eta beren baratzetxoen hesiak, irudikatzen dituzte. Indarrean den Sistemak bultzatzen duen Lurraren pribatizazio eta artifizializatzearen irudikapena da. Koadro beltza isolamenduaren ideia indartzera dator. 

Eredu horren kontratesi gisa, 5 herri agertzen dira, gorriz. Koloreak zuritasuna hausten du, berotasuna eta gizatasuna adierazi nahi baititu. Herri horietan kale itsurik ez dago, kale sarea baizik. Neurri ezberdinetakoak izan arren nahiko orekatuak dira. 

Hau da COVID-19 Pandemiaren ondotik oinarri gisa berrartzea gustatuko litzaidakeena, hots, gizakia jendarte egitasmoaren erdigunean kokatzea, beti ere gure burua Naturaren baitan eta horren begirunean jarriz. Laia du izen obra honek eta denbora berean, oker samarra denez, baita ateratzen zaizkion kale itsuen irudikapenengatik ere, oinezko baten forma ekartzen du gogora. Baserri giroa eta hiriko giroa sinbiosian ekartzen dituela dirudi, hain zuzen, herri funtzionalen etxe indibidualen/indibidualisten lur-gose ase ezina bi horien kalterako garatzen denean. 

Paisaia orbantzen duten etxetxoen ereduak hondamendi ekologikoan, sozialean, kulturalean, ekonomikoan du eragin. Hizkuntzen aniztasunaren kaltean dagoenaren zantzu handiak daude ere bai, hurbileko harremanak murrizten edo eteten dituen heinean. 

Hiri antolaketak aldiz, neurri txikitik hasita ere, kontrakoa berma dezake: jende harremana, kutsadura apalagoa, natura eta nekazaritza eremuak babestea… hots, herrian bertan hazi, bizi eta lan egiteko aukera ematen du. Gainera badugu, gaur egun, nahiko esperientzia eta teknologia-maila hiriak jasangarriagoak izateko. Horrek, guztioi gure herrian aukera berdinak izateko bidea emanen liguke, lekuan lekuko berezitasunekin. 

Hortaz, ez zait iruditzen alor digitala Aldaketaren oinarria izan daitekeenik, funtsean bitarteko bat baita, azpiegituren baitan bere garrantzi maila izanen duen arren, eta gizadiak bizitzeko hartuko edo atxikiko duen filosofia orokorraren arabera garatuko baita. Gaur egun oinarrizko eskubideen begirunetik urrun gaude oraindik (hizkuntza eskubideak, etxebizitza eskubidea, mugimendu eskubidea…). Ez zait iruditzen, pandemia horren aitzakia harturik entzundako asmoetan, horren hobetzera goazenik. Errepresio eta kontrol Mundu batean bizi garen honetan, askok “Demokrazia” deitu arren, mundu digitala jende xumeen menperatzeko beste arma bat, behar ba gero eta beldurgarriena, bada. 

Pandemia honetatik aterata, sare numerikoa baino lehen hurbileko sare fisiko deszentralizatua sortzean eta indartzean jarri beharko genuke eginahal guztia, horren baitan eta, besteak beste, kultura eskaintza bertatik bertara gozatzeko aukera emanen ligukeenean. 

Obraren fitxa teknikoa

Obraren izena: Laia (Hirisildua XXVI)

Teknika: Teknika mistoa: emokatzekoa, margo akrilikoa, beiraztatzeko matea.

Neurriak: 188 x 109 cm

Egilea: iF

Prezioa: 1.215,50 €

 

Aztarnak (I – VI)

Azalpena

Aztarnak obra koadriptiko bat da edo, hobe esanda, lau urratsetan eta euskarritan garatzen den obra bera. 

Lau parteek antzeko osaketa dute: eremu zuri handi bat eta, goialdean, lehen erdialdean, halako eremu laranja. Arte lan oso materiadunak dira, erliebearen antzetik badute eta, koadroz-koadro aldatuz doaz. I. piezan eremu zuriak materia asko du, tonu gris eta beixekin. Eremu laranjaren bazterrean zenbait laukitxo eta marra grabatuak daude. Aipatu eremu laranja horretan hain zuzen, bolumenezko forma batzuk ateratzen dira, laukia dutenak oinarri. Hurrengo piezetara jauzi egitean bi eremu horiek aldatzera doaz. Eremu zuria gero eta leunagoa da eta laukitxoak zein marra grabatuak geroz eta gehiago daude. Bitartean, eremu laranjak gorabeherak ditu; lehenik hazi eta ondoren, partez, desegin egiten delarik. 

Obra hau Laia obraren serie berekoa da: Hirisilduak. Hemen, jendarte antolaketak hirigintzaren bidez naturarengan duen eragina agerian utzi nahi izan dut. Mila urtetan hiriak eraiki genituen, hiri biziak. Azken mende gutxitan aldiz, hiriak desegituratu eta “hiri funtzionalak” deiturikoak sortuz joan gara. Jabetza pribatuaren muturreko apologiarekin denona dena (eta ez soilik gizakiena) bakarrarena bilakatu dugu; guztiongan izan dezakeen ondorioa, kaltea, kontuan hartu gabe. Etxe indibidualekin askatasun ametsa betetzen omen da. Alta, horrek gure munduaren suntsipena azeleratzen du. Zer uzteko? Hirian kale hutsak eta Natura gehiagorik ez… etxetxoak eta eremu pribatuak denetan. 

Laia (Hirisildua XXVI) izeneko obraren azalpenari eransten zaion irakurketa da hau, COVID-19 pandemiak begiak irekitzeko balioko badigu, gure akatsak non dauden ohartzeko lagungarri izanez. 

Obraren fitxa teknikoa

Obraren izena: Aztarnak I – IV

Teknika: Teknika mistoa: emokatzekoa, margo akrilikoa, beiraztatzeko matea.

Neurriak: 97 x 58 cm (x 4)

Egilea: iF

Prezioa: 1.029,60 €

iF-ek (Yves Matxikote Jorajuria, 1977) batez ere tinduan garatzen badu ere bere desmartxa, Baionako eta Bordaleko Arte Ederretako goi eskoletan euskarri eta teknika ezberdinak probatzeko barneratu zuen ohiturarekin segitzen du.

Funtsean ez zaio gustatzen ez arlo batera ez estilo batera mugatzea. Esploratzea du gustuko eta ikerketa horretan gaiak du garrantzia.

Arte engaiatua garatzen du. Jendartea eta gizakiaren baldintzak ditu inspirazio iturri.

Gauzak bizitzen dituen bezala, zeharkako biderik gabe, gordinki, ekartzen ditu; eta bere munduan murgiltzen laguntzeko formatu handiak ditu gogoko.

Gizakiak margotzen eta soldatzen dituenean, gu margotzen eta soldatzen gaitu. Ingurumena eta hiria modelatzen dituenean, gu jartzen gaitu erdigunean.

Zer gara? zertan ari gara? guhaur, gure jendartea, agintzen dugunok, jasaiten dugunok? Zer ondorio ditu edozerk gure bizian, gure larruan eta ondokoenetan?

Galderak atertu gabe eta erantzun aukerak beste horrenbeste, irudikapen bideak nahi beste.

Arrak eta Garrak (2011), Isilduak (2012-2019), Hirisilduak (2018-) eta etorriko direnak zentzu horretan kokatzen diren puzzle baten piezak dirudite… Hausnarketaren eiherari goroldioa atera ez dakion eta itaunak zintzurrean ito ez daitezen piezak.

Gauzak ezberdinak izan daitezkeelako beti.

Email:  if@if-matxikote.eus

Instagram: @if_artista

Si bien iF (Yves Matxikote Jorajuria, 1977) desarrolla sobre todo en tinte, continúa con la costumbre de probar diferentes soportes y técnicas en las escuelas superiores de Bellas Artes de Bayona y Bordal.

En el fondo no le gusta limitarse a un área ni a un estilo. Le gusta explorar y en esa investigación importa el tema.

Desarrolla un arte comprometido. Se inspira en la sociedad y en las condiciones del hombre.

Tal y como vive las cosas, las trae sin medios indirectos, brutalmente, y le gustan los grandes formatos que le ayudan a sumergirse en su mundo.

Cuando el ser humano pinta y suelta, a nosotros nos pinta y nos suelta. Cuando modeliza el medio ambiente y la ciudad, nos pone a nosotros en el centro.

¿Qué somos? ¿Qué estamos haciendo? ¿Qué consecuencias tiene cualquier cosa en nuestra vida, en nuestra piel y en la de los demás?

No se atascan las preguntas y las opciones de respuesta sean tantas como se quiera.

Machos y Fuegos (2011), Silenciados (2012-2019), Hirisilduak (2018-) y los que vendrán parecen piezas de un puzzle que se enmarcan en ese sentido … para que no se saque el musgo a la jungla de la reflexión y no se ahoguen en la garganta los interrogantes.

Porque las cosas pueden ser siempre diferentes.

Email:  if@if-matxikote.eus

Instagram: @if_artista

Josean Pablos

Eleventh Floor

La crisis de la pandemia como laboratorio de control social. Vecinos que vigilan a otros vecinos. Policías y militares controlando el cumplimiento de las medidas de confinamiento. Desescalada por fases. Controles de temperatura. Geolocalización de la ciudadanía. Rastreo de contactos. Comunicaciones intervenidas. Pasaporte inmunológico. Intimidad en pijama expuesta en el videochat y en el balcón de los aplausos.

Desde su atalaya, el poder monitoriza todo y convierte a las personas en “targets” de su ojo electrónico.

Como en “Blow up”, amplío hasta la descomposición en píxeles detalles de fotografías realizadas desde mi ventana, en el piso 11º de mi edificio, para encontrar “persons of interest”, como haría una cámara de videovigilancia o un satélite espía.

Ficha técnica

Título: Eleventh Floor

Autor: Josean Pablos

Técnica: Fotografía digital. Impresión Hahnemühle Digital FineArt.

Dimensiones: 20 x 20 cm.

Precio de las fotografías sueltas: 71,50 € (impuestos incluidos) cada una.

Precio de la serie de 10 fotografías: 643,50 € (impuestos incluidos)

Kazetaritzan eta Publizitatean lizentziatua naiz Euskal Herriko Unibertsitatean.

Publizitatean eta diseinu grafikoan lan egiten dut 1999tik.

Arte, argazki, bideo, komiki eta diseinu grafikoko lehiaketetan parte hartu dut. Accesit bat jaso nuen Arabako Arte Lehiaketan (2002); zenbait sa ere:  Periscopio (2006, 2008, 2009), Indalecio Ojanguren (2004) eta Leioako Bideo Lehiaketan (2002)-. Eta Gasteizko Nazioarteko Antzerki Jaialdirako kartelaren irabazlea izan naiz ere(2003). 2009an Burdin Bideen defotografia lehiaketako lehen saria eskuratu nuen.

Era berean, hainbat erakusketa kolektibotan ikusi ditut nire lanak, eta Inmersiones (Vitoria-Gasteiz) deialdiaren bi ediziotan hautatua izan naiz, 2008an eta 2009an.

Argazkigintzako nire prestakuntza hainbat ikastaro eta tailerretan oinarritu da 1995etik: Joan Fontcuberta, Ricky Dávila, Oscar Molina, Ilan Wolff, Paloma Rincon, Jon Uriarte, Helena Goñi, Jesús Micó, Eduardo Nave, Fosi Vegue…

2018an, argazkilaritzako 3 urteko heziketa-zikloa amaitu nuen Gasteizko Arte eta Lanbide Eskolan.

2019an «ikuspegi Pertsonalak Argazkigintzan» modulua egin dut, Ixone Sádaba irakasleak kudeatutako Blackkamera eskolan.

Email:  imperterrito@hotmail.com

Web: www.joseanpablos.com

Facebook: Josean Pablos Photo

Instagram: @joseanpablosphoto

Soy licenciado en Periodismo y en Publicidad por la Universidad del País Vasco.

Desarrollo mi actividad profesional en publicidad y diseño gráfico desde 1999.

He participado en certámenes de arte, fotografía, vídeo, cómic y diseño gráfico. Recibí un accésit en el Certamen de Arte Alavés (2002), premios en el concurso de fotografía Periscopio (2006, 2008, 2009), Indalecio Ojanguren (2004) y en el Certamen de Vídeo de Leioa (2002) así como el cartel ganador para el Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz (2003).

En 2009 obtuve el primer premio en el certamen de fotografía Caminos de Hierro. Igualmente he visto expuestas mis obras en diferentes muestras colectivas, y he sido seleccionado en dos ediciones de la convocatoria Inmersiones (Vitoria-Gasteiz), en 2008 y 2009.

Mi formación en fotografía se ha basado en cursos y talleres diversos desde 1995: Joan Fontcuberta, Ricky Dávila, Óscar Molina, Ilan Wolff, Paloma Rincón, Jon Uriarte, Helena Goñi, Jesús Micó, Eduardo Nave, Fosi Vegue…

En 2018 finalizacé el ciclo formativo de 3 años de Fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria-Gasteiz.

En 2019 he cursado el módulo “Perspectivas

Personales en Fotografía”, impartido por Ixone

Sádaba en la escuela Blackkamera.

Email:  imperterrito@hotmail.com

Web: www.joseanpablos.com

Facebook: Josean Pablos Photo

Instagram: @joseanpablosphoto

Ainara Oskoz Bergareche

DENBORAREN HARIA.

“Denboraren haria” sei lanetako serie bat da, aurkezten direnak horietako bi dira. Bizia, heriotza, oroitzapenak, ausentziak, memoria, eraskinak, sinesmenak eta hutsuneari buruz hitz egiten duen lan plastiko bat da.

Arte lan hau, gaur egungo egoerari uko bat da, sentitu eta ukitu ezin daitekeen zerbait, bakarrik begiratu eta sentitu metakrilatoaren atzetik. Berziklatutako objetuekin egindako artelan bat da, eguneroko zerbait iraganean bihurtzen dena gaur egungo egoerarekin. Objetuak bitrina baten barruan daude, pantaila baten atzetik ikus eta sentitu daitekeen zerbait, gaur egungo Arte birtuala bezala. Objetu bakoitzak banatutak daude, ez dira ukitzen nahiz eta historio berdinean egon eta ondo babestuak aurkezten dira bitrina baten atzean.

Badirudi garaiak aldatuko direla eta horren memoria “Denboraren haria” da. Oroitzapenak, ausentziak, utsuneak,heriotza, bizi ukitu ezinak gordetzen duen kutxa itxi bat. Lan hau konfinamendua hasi baino lehen bukatzen ari nintzen lan bat da, metafora bat birtual mundiari arte plastikoetan, nola ukitu daitezkeen gauzak irudi plano batean bihurtzen ari diren, irudi bat pantaila baten atzean ikus daitekeena bakarrik.

FITXA TEKNIKOA:

Berziklatutako objetuekin egindako arte lan serie bat da non objetuak bakarka

montatuak daude metrakrilatozko bitrina baten atzean, bitrinak 7 zm ditu (fondoa)

Lan hau sei lanetako serie bat da, aurkeztutakoak horietako bi dira.

Neurriak: 56 bider 84 cm.

Teknica: mixtoa. Objetu berziklatuak kartoi edo ohialaren gainean.

Irun, 2020ko Martxoan.

Prezioa: 572,00 €  bakoitzak.

EL HILO DEL TIEMPO

“El hilo del tiempo” es una serie de seis conjuntos , los que se presentan a continuación son dos de ellos. Es un trabajo plástico sobre la vida, la muerte, el recuerdo, la ausencia, los apegos, la memoria, las creencias, el vacio. El paso de una vida, con sus momentos y sus recuerdos . Un un principio, un final y una ausencia.

Una oda a los cambios actuales donde tocar y sentir va a pasar a ser “solo mirar”. Se ha trabajado con objetos recuperados de un presente cercano que se convierte en un pasado lejano por la situación en la que estamos en este momento. Una representación del Arte como un objeto puramente expositivo donde el sentir solo se va a poder disfurtar a através de lo visual (es por eso que los objetos estan metidos en vitrinas, cada objeto separado entre sí, para no tocar, para no sentir, solo para ver a través del metacrilato).

Parece que los tiempos van a cambiar y que la esencia de las cosas solo se va a poder sentir a través de una imagen individual, sin presencia fisica. Esto es lo que simboliza “el hilo del tiempo”, unas vitrinas con una esencia que se convierte en recuerdo, un no tangible, una ausencia, un vacío, una vida y una muerte que solo se pueden sentir a través de una caja cerrada.

Este trabajo lo estaba terminando antes del confinamiento, es una metáfora a la vision de las Artes Plásticas de hoy en día. Objetos que se pueden tocar que se convierten en imagenes planas a través de las pantallas virtuales de hoy en día.Algo tridimensional que se convierte en plan y visible solo a través de una pantalla.

FICHA TÉCNICA:

Obra realizada con objetos recuperados perfectamente encajados individualmente en cajas enmarcadas en una vitrina de metacriláto de 7 cm de fondo.

Se trata de una serie de seis conjuntos expositivos con varios tamaños cada uno, estos dos son parte de esa serie, ambos tienen el mismo tamaño.

Medidas: 56 por 84 cm.

Técnica: mixta. Objetos recuperados sobre tela o cartón enmarcados.

Irun, Marzo 2020.

Precio: 572,00 € cada uno.

BIOGRAFIA ETA IBILBIDEA

Irunen jaio nintzen, 1976 ko Uztailaren 8 an. Nere aita Antikuarioa izanda heziketa aberatsak izan nituen Artetan, marrazketa, margoa, musika…

Geroago, “Arte y Antiguedades” ikasi nuen Madrilen “Tasazio obretan” espezializatu nintzen.
Artistikoki Irunen, Madrilen eta Bartzelonan Zeramika eta Eskultura Artistikoa. Margoan Javi Alkain, Gracenea eta Mensu-rekin.

Denbora luzez Artelanak berriztatu ditut.

2005 etik esposaketa ugari egin ditut nere Arte Lan-ekin, bai indibidualak bai beste artistekin. Hain bat tailer eta proiektu desberdinetan parte hartu dut eta obra publikoan laguntzaile bezela zenbait eskulturetan.

Soporte konkreturik gabeko Artista plastikoa ikusten dut nere burua. Serietan lan egiten dut, teknikak, proiektuaren araberean erabakitzen ditut.

Nere serie batzuk: “Entre corazas-corazón”, “Bestiario Urbano”, “Tótem”, “Cartas a un desconocido”, “Meditaciones” o “El hilo del tiempo” (ainaraoskoz.blogspot.com).

Artea komunikatzeko eta munduan kokatzeko modu bat bezala ulertzen dut, ikerketa sakon bat bukaera zehatz batekin: “Arte lana”.

Gaur egun Marte elkartean lan egiten dut beste artistekin. Bertan, gure proiektu pertsonalaz gain, hirugarren adinarekin eta eskoletan lan egiten digu arte proiektu artistikoetan.

BIOGRAFÍA Y TRAYECTORIA

Nací en Irún, el 8 de Julio de 1976. Soy hija de anticuarios por lo que mi educación fue siempre muy variada en Artes. Desde niña he recibido clases de pintura, dibujo, música…

Posteriormente estudié “Arte y Antiguedades” en Madrid especializándome en “Tasación de Obras de Arte”. Artisticamente estudié escultura artística y cerámica en Irún, Madrid y Barcelona y pintura con Javi Alkain, Gracenea y Mensu.

Durante años he trabajado como restauradora de Obras de Arte .
Desde 2005 he realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas con mis obras artisticas, he trabajado en varios talleres y en distintos proyectos , como ayudante en varias obras públicas.

Me considero una artista plástica sin soporte concreto. Trabajo en series y dependiendo del proyecto trabajo sobre un soporte u otro.

Algunas de mis series son: “Entre corazas corazón”, “Bestiario Urbano”, “Totem”, “Cartas a un desconocido” , “Meditaciones” o “El hilo del tiempo”.

En la actualidad trabajo en Marte junto a otros artistas. Además de nuestros proyectos personales trabajamos en educación y en la tercera edad con proyectos artísticos.

Lander Perez Picazo

 Aho Metakiase! 

117 x 100 cm / Ikatza egur gainean 

Gure erlazio guztien omenez! Honako esaldia, Temazkalean sartu baino lehen esaten da (Temazkala, kuadroaren erdialdean azalten den etxola-estruktura erdi borobila da, lurruna dariona). Bertan, bizitza eta inguratzen gaituen guzti horren arteko erlazio amaigabea ospatzen da zeremonia ezberdinen bidez. Gure nortasun oinarrizkoenera, amaren sabelera bueltatzen gaituena, nortasun sakonenera, non ,inguratzen gaituen guztia gure parte dela oroitzen dugun, bat gara. «Aho Mitakuye Oyasin» Siux esamolde bat da, Lakota tribuak erabiltzen duena. Izpirituarekin bat egitea goresten da: Nork bere buruarekin, pertsona guztiekin, naturarekin ea. «Dena elkarren artean erlazionatzen da», edo » dena nere familia da» adierazten du. Horrela erlazionatzen gara artelan honekin, horrela erlazionatzen dira elkarren artean pertsonaiak eta horrela azaldu ziren margolariaren aurrean marrazten ari zenean. Gure erlazio guztien omenez, Aho!

 

1.001,00 €

 Aho Metakiase! 

117 x 100 cm / Ikatza egur gainean 

 Por todas nuestras relaciones. Esta es la frase que se enuncia previo acceso al Temazcal (figura central del cuadro dónde se ve una choza con una puerta semicircular por la que se escapa vapor). El Temazcal es la estructura ceremonial en la que se celebra la vida e infinita conexión con todo aquello que nos rodea, como en un regreso al vientre de la madre, un regreso a nuestra esencia primigenia, salvaje, recordando cómo todo aquello que nos rodea es parte de nosotros. La frase proviene de: «Aho Mitakuye Oyasin» que es una oración Sioux, de la tribu Lakota, que significa honrar la unión del espíritu: con uno mismo, con otras personas, con la naturaleza. Algo como «todos estamos relacionados», o «todas mis relaciones», «todos son mi familia». Así nos relacionamos con este cuadro, así se relacionan entre sí los personajes del cuadro y así se aparecieron ante el pintor que los dibujó, por todas sus relaciones, aho! 

 

1.001,00 €

 Sendatze zeremonia

120 x 230 cm. 

Teknika ezberdinak ohial gainean

Medicina, Ayahuasca edo Yagé bezala ezagutzen da Hegoameriketan medikuntza tradizionalean erabiltzen den edabea. Bereziki amazonian eragin handia duena.

Landare ezberdinen nahasketaren bitartez osatzen da. Landareen artean batzuk bisioak sortzen dituzte, besteek gorputza purgatzen dute. Bere helburua sendatzeak eta oreka sozialak lotzen ditu.

Zeremonieta, buru argitasunak, afekzio fisikoak eta blokeo pertsonal zein emozionalak elkar lantzen ditu. Nerbio sistema lasaitu eta orekatzen ditu edabe honek. Edaria hartzen dutenek normalean lo dagoen alderdi batekin konektatzen dira. Beste garai batzuetako zaindari, mediku, izpiritu, lami edo iratxoak esate baterako osatze prozesuan bat egiten dute. Edozein elementu azaldu daiteke gorputza eta arima sendatzeko helburuarekin, bai pertsona bai komunitatearen bizi kalidadea hobetzeko.

Kuadroan zeremoniako parte hartzaileak borbil batetan ikusten dira eserita. «Chamana» erdialdean dagoelarik, inguaruan izpiritu eta zaindariak hurbiltzen dira sendatzeko asmoarekin. Erdian goian zaindari handia, ama, landarearen izpirituak bat egin eta guztiak babestu eta sendatzen ditu.

 

1.001,00 €

Ceremonia de medicina 

120 x 230 cm. 

Técnica mixta sobre tela 

 Medicina, Ayahuasca o yajé son algunas de las maneras en las que se denomina la bebida tradicional indígena usada en Sudamérica en especial en la zona amazónica. 

Se trata de una decocción elaborada a partir de la combinación de diferentes plantas dependiendo de cada tradición. Algunas aportan visión, otras son purgantes pero cumplen con una función medicinal y social muy ligada entre sí. 

En las ceremonias la clarividencia relaciona afecciones físicas con bloqueos emocionales y personales. Alivia y equilibra el sistema nervioso mediante el influjo de esta bebida que permite a los que la toman conectarse con una parte de sí mismas habitualmente dormido. Curanderos de otras épocas, duendes, hadas, espíritus de las plantas, montañas, ríos, viento, fuego y todo elemento y ente espiritual pueden manifestarse en la sanación del cuerpo y el alma para ayudar a mejorar la calidad de vida de las personas y la comunidad. 

En el cuadro se ve a muchos participantes dentro de un círculo ceremonial, el chaman en la imagen central y los espíritus alrededor acompañando a la gran maestra que conecta y arropa a todos los participantes. Esta ceremonia es una representación onírica de una situación que ocurrió en realidad. 

 

1.001,00 €

Lander Perez Picazo ( Vitoria – Gasteiz, 1988 ) 

Arte Ederretan lizentziatua Euskal Herriko Univertsitatean (EHU), Santiago de Chilen Pontificia Universidad Católica de Chilen (PUC) eta Universitat de Barcelonan (UB) ikasi du. Gaur egun Barcelona Academy of Art (BAA) akademsizmo klasikoa ikasten ari du Jordi Alamá margolariaren zuzendaritzapean. Artearen bidez, gizakiaren existentzia du gai nagusi. Naturak, izpirituak eta gizarteak elkarrekin dituzten loturak jorratuz. Gai sozialak, pertsonen esparru intimoarekin lotzen ditu. Bere lana «Neo expresionismo Chamanico» bezala definitua izan da bere lagun eta Doctore Marco Antonio Maureira Filosofoaren hitzetan. Arte Vital, Iruneko udalean eta beste txapelketa batzuetan saritua, azken urteetan proeiktu ezberdinetan parte hartu du: «Misnoma» kolektiboan Bartzelonan edo «Ezezagunak» proeiktuan Montehermoson parte hartu ostean,» Mihiseak kalera!» eta «Lurburu» proiektuak antolatu ditu. 

 

Email: hitanoproject@gmail.com

Web: www.hitanoproject.wordpress.com/

Instagram: @picazo.lander

 Lander Perez Pcazo (Vitoria – Gasteiz, 1988) 

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (UPV) ha realizado estudios en la Pontificia Universidad Católica de Chile (PUC) y en la Universidad de Barcelona (UB). Actualmente estudia en la Barcelona Academy of Art (BAA) bajo la dirección del pintor Jordi Diaz Alamá. Mediante el arte aborda temas existenciales de la humanidad. Relaciona la naturaleza, el espíritu y la sociedad de maneras metafóricas. Trata los temas sociales desde rincones íntimos y personales. Su trabajo ha sido definido como «Neo expresionismo chamánico» por su compañero y Doctor el filósofo Marco Antonio Maureira. Galardonado en concursos como Arte Vital o Adour Bidasoa entre otros, en los últimos años ha participado en diferentes proyectos como: El colectivo «Misnoma» formado en Barcelona, el proyecto «Ezezagunak» en Montehermoso, «Mihiseak kalera» en el ayuntamiento de Vitoria o creando el proyecto colectivo «Lurburu». 

Email: hitanoproject@gmail.com

Web: www.hitanoproject.wordpress.com/

Instagram: @picazo.lander

Amanda Proy Fernández

En Silencio

Esta obra que presento en ResiliART forma parte de un conjunto de obras que estoy realizando sobre la temática social. Relacionadas con el punto número 5 de los objetivos de desarrollo sostenible, lograr la igualdad entre los géneros y empoderar a todas las mujeres y las niñas. Mi intención es reivindicar el papel fundamental de la mujer a lo largo de la historia.

Basta ya de vivir en silencio!

En este trabajo el fuego simboliza la energía y la pasión que estas mujeres han puesto durante sus vidas para lograr llegar a sus metas.

Me centro en la mirada que emana fuerza y sentimiento, fuente de vida y espejo del alma.


Título: En Silencio.

Técnica: Técnica mixta, pirograbador y fuego sobre madera.

Dimensiones: 50 x 50 cm

Precio: 880,00 €.

Emaidazu Ahotsa

Tras analizar todo lo sucedido durante la pandemia con esta obra quiero recalcar la importancia de hacer hincapié en la educación artística, puesto que el arte ha sido necesario para evadirnos en estos momentos tan difíciles.

A parte creo que es imprescindible que tanto artistas como galerías nos unamos para fomentar y darle visibilidad y voz en las redes sociales y en este mundo virtual.

Creo que la clave de la transformación digital que estamos viviendo somos nosotros, debemos salir de nuestra zona de confort y unirnos para conseguir que este cambio sea a mejor, nos guste o no es importante adaptarnos a esta nueva realidad y formarnos adecuadamente para utilizarla de un modo apropiado.

En esta obra el fuego simboliza el cambio y el sacrificio que todos debemos hacer para poder salir de esta pandemia y renacer con fuerza.


Título: Emaidazu Ahotsa

Técnica: Tinta y lejía y fuego sobre hoja.

Dimensiones: 71 x 100 cm

Precio: 660,00 € .

Amanda Proy Fernández 1990ean Bilboko erdigunean jaiotako artista plastiko urduri bat da.

Haurtzaroa pinturaz inguratuta bizi izan zuen, bere aita kanpoko eta barruko azalerak apaintzen eta babesten aritzen baitzen aplikazio plastikoen bidez, eta ahal zuen guztietan bere tailerrera eramaten zuen, non zikintzen gozatzen zuen; horrela jakin zuen bere patua Artearen munduari lotuta zegoela.

Bere haurtzaro osoan zehar arte akademietara joateak, Leioako unibertsitatean lizentziatzera bultzatu zuen, Arte Ederretako ikasketak gauzatzeko. Bera praktikak Lapiz Arte eta Diseinu Zentroan egin zituen, eta oraindik bertan jarraitzen du lanean.

Haur taldeentzako eta helduen taldeentzako eskolak kudeatzen ditu. Gizarte-lanarekiko zuen grina dela eta, hainbat elkarterekin lankidetzan aritu da, hala nola Armar eta Bizkaiko Espina bifidoaren Elkartearekin.

2018an, KALEARTEANen parte hartzeko aukera izan zuen. Patricia Alonso artistarekin batera, interbentziorako instalazio bat sortu zuen, gizartea sentsibilizatzeko eta dibertsitate funtzionala duten pertsonek egunero dituzten zailtasunak ikusarazteko.

Beti ere gizarte-gaiekiko interesak markatuta, besteak beste, berdintasunerako, feminismorako edo elkartasunerako eskubidea adierazten saiatzen da, eskubide hori aldarrikatuz eta bere obren bidez bere burua entzunaraziz.

Hori dela eta, erakusketa batzuen ondoren, 2019an 300 m2-ko horma-irudi bat egin zuen Berangoko Udalarentzat; historian zehar emakumearen papera aldarrikatuz, Amelia Earhart eta Valentina Tereshkova bezalako irudi esanguratsuekin.

Bere ametsa betetzen saiatuko da: «Nire lanek nire alde hitz egin dezatela»

Email: amandaproyfernandez@gmail.com

Instagram: @amandaproyart

Amanda Proy Fernández una inquieta artista plástica nacida en el centro de Bilbao en 1990.

Vivió su infancia rodeada de pintura ya que su padre se dedicaba a la decoración y protección de superficies exteriores e interiores mediante aplicaciones plásticas, y siempre que podía la llevaba a su taller donde disfrutaba de mancharse; así supo que su destino estaba ligado al mundo del Arte.

Toda su vida asistiendo a academias de arte la impulsaron a licenciarse en la universidad de Leioa municipio de Bizkaia en la carrera de Bellas Artes. Finalizando con prácticas en el Centro de Arte y Diseño Lapiz donde actualmente sigue trabajando como profesora.

Gestiona clases para grupos de niños y también grupos de adultos.

Debido a su pasión por el trabajo social ha colaborado con diversas asociaciones como

Armar y Asociación de Espina Bífida de Bizkaia.

En 2018 tuvo la oportunidad de participar en KALEARTEAN donde junto a la artista Patricia Alonso creó una instalación interventiva con la que pretendían sensibilizar a la sociedad y hacerles ver las constantes dificultades a las que se enfrentan día a día las personas con diversidad funcional.

Siempre marcada por su interés por los temas sociales intenta expresar el derecho a la igualdad, feminismo o la solidaridad entre otros, reclamándolos y haciéndose oír mediante sus obras.

Por ello, tras varias exposiciones, en 2019 realizó un mural de 300 m2 para el Ayuntamiento de Berango con el que reivindica el papel de la mujer a lo largo de la historia con figuras tan emblemáticas como Amelia Earhart y Valentina Tereshkova.

Seguirá intentando cumplir su sueño:

“Que mis obras hablen por mi “

Email: amandaproyfernandez@gmail.com

Instagram: @amandaproyart

Cova Orgaz

ESKULTURA

Kartoi berrerabili eta polikromatuarekin egindako eskultura da nire proposamena, kalitatezko berniz mate akriliko batekin amaitua. Gorila-kume bat irudikatzen duen busto luze bat da.

PROZESUA

Hau kartoizko eskultura da eta barrualdea ere kartoizkoa da. Ez ditut nire eskulturen barruko egiturak egiten, eta ez dut aurretiazko zirriborroekin lan egiten, ezta ereduekin ere.

Nire piezak modu zuzenean burutzen ditut, aldi berean eraikiz eta zuzenduz. Azken akabera oso ezkutukeria adierazkorra da, informala eta hiri-itxurakoa.

Eskulturare mantenimendua liburu batek eska dezakeen berbera da: ez busti, ez igurtzi eta ez busti. Luma edo ganuza leun batekin garbitzen da.

Prezioa 715,00 € 

ESCULTURA

La propuesta trata de una escultura realizada con cartón reutilizado y policromado, acabada con un barniz mate acrílico de calidad. Consiste en un busto largo que representa una cría de gorila.

PROCESO

Ésta es una escultura de cartón y el interior también es de cartón. No fabrico estructuras interiores a mis esculturas y no trabajo con bocetos previos ni modelos.

Esculpo mis piezas de forma directa, construyendo y corrigiendo al mismo tiempo. El acabado final es una escutura muy expresiva, informal y de aspecto urbano.

El mantenimiento es el mismo que puede requerir un libro: no mojar, no frotar y no rociar. Se limpia con un plumero o gamuza suave.

El precio final es de 715,00 €

cova-orgaz

BIO

Duela bi urtetik, gutxi gorabehera, kartoiarekin egiten dut lan, eta hori da gustatzen zaidana. Egia esan, kartoiarekin lan egin izan dut beti, baina ez behin betiko material gisa, zirriborro edo prototipoetarako baizik. Kartoizko animaliak egiten ditut. Animaliek forma desberdin asko dituzte, gizakiek ez. Animaliek bolumen ezberdin asko dituzte, ehundura desberdin askorekin, pisu eta mugimendu desberdinekin. Hori kopiatzeko gai izan nahi dut. Eta kartoiarekin, tiroz ere obeditzen ez duen materiala dela. Berrerabilitako kartoiarekin, zikinduta edo erabileraren zimurrekin datorrena, baina piezari berezko nortasuna ematen diona.

Nire piezak eraikitzeko ez dut inoiz zirriborrorik egiten, ibilera gainean eraikitzen eta korritzen dut. Lan informala da, zuzena eta behin betikoa. Gustuko dudan argazki batetik abiatzen naiz, baina inoiz ez hiru dimentsioko zerbaitetik. Motelagoa izan daiteke, baina espazio-gaitasun ona dut. Emaitza bat-batekoa eta gordina da.

WEB: covaorgaz.com

INSTAGRAM: @covaorgaz

FACEBOOK: Cova Orgaz

EMAIL: cova.orgaz@gmail.com

BIO

Desde que estudié arte en la Escuela de Artes aplicadas y Oficios de Burgos fui durante años recorriendo talleres de autores a los que admiraba, como Mikel Campo Argote, Amaia Conde Chiralt o Agustine Bukari, y escuelas como la ya desaparecida Debako Arte Eskola.

Aprendí y trabajé en las distintas disciplinas escultóricas.
Hice forja, fundición, moldes, cerámica y alfarería, esmaltes al fuego, talla de madera, labrado en piedra y, sobretodo, modelado.

Probé todo tipo de materiales: ceras, siliconas, resinas y cargas, metales y pátinas, maderas, arcillas y vidrio para soplar. Y trabajé para otros artistas construyendo moldes y estructuras. He tenido pupas de todos los colores.
Cuando instalé mi taller definitivamente en el País Vasco comencé a construir obra propia modelando cuerpos humanos y animales en tamaño natural.

Soy muy buena copista, hubiera sido una gran falsificadora.

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Colin Hoisington

Obraren azalpena

ArtDemia deialdira aurkezten dudan margolan hau lantzen ari naizen serie baten parte da. “Blackfoot solo” izeneko honek, bereziki, isolamendu eta bakardade sentimenduak nabarmendu nahi ditu, hain ezagunak ditugunak Covid-19aren pandemia dela eta bizi dugun konfinamendu garaian. Aurkezten dudan progtagonistak kontenplazio-sentsazioa proiektatzen du, bere buruarekin eta ingurugiroarekin duen harremanaren inguruan hausnartzen duen bitartean.

Posible al da egoa gailentzen ez duen gizateria batera itzultzea? Testuinguru handiago baten parte garela sinesten duenera? izaki gorenak bihurtzen ez gaituen batera? Margolan hau parte den sortaren bitartez, galdera hauei erantzun irekia eman nahi diet. Indigenak irudikatzen ditut eta ohoratzen ditut. Beraien ingurune naturalean daudela, pentsamenduaren maila sakonagoetara garraiatzen gaituzte.

Herriak, kultura gutxituak eta planeta bera erasotzen dituen suntsipen garaia bizi dugu, Euskal Herritik Amazoniara arte. Krisi global honetatik ateratzeko elkarrekin lan egin behar dugu. Ezagutzak partekatu. Hain zuzen ere, agian, gehien behar dugun ezagutza mota da gutxien ezagutzen duguna; lurrarekin konektatzeko aukera ematen duen jakinduria. Ingurunea, flora eta fauna behatzearen bidez ikastean oinarritzen dena. Adimen mota hau milaka urtetan naturarekin harmonian bizi izan diren kultura indigenetan aurkitzen dugu. Eta, zorionez, ez dugu oso urrutira joan behar hori egiaztatzeko, euskal kulturan horren adibideak ditugu eta.

Nire lanak errealismoa, surrealismoa, psikodelia ukituak, keinu eta forma abstraktuak konbinatzen ditu… horietako bat ere ez dela nagusi. Konposizioek aukera zabala eskaintzen diote ikusleari, ezarritako sinesmen-mugak askatzen laguntzeko asmoz. Pintzelkada eta erabaki piktoriko bakoitzaren helburua da aukera sorta bat irekitzea, eraldaketa eragiteko eta pentsamendu desberdina pizteko. Existentzia nabarmentzea eta pentsamendu desberdina piztea, norberaren mikrokosmosa sendatzetik makrokosmos unibertsala eskuratzeko. Gizabanakoaren mugak desegiteko bultzada adierazten duen mundu bat irudikatzen dut, banandu beharrean, sintesi bidezko giza elkartasuna sustatuz.

Título: Blackfoot Solo

Dimensiones: 160 x 100 cm

Técnica: Óleo sobre lienzo

Precio: 2.600,00 €

Descripción de la obra

La pintura que presento a ArtDemia forma parte de una serie en la que estoy trabajando. Ésta en particular, titulada “Blackfoot solo”, enfatiza sentimientos de aislamiento y soledad tan extendidos en este momento actual de confinamiento debido a la crisis por la pandemia del Covid-19 . La figura proyecta una sensación de contemplación, de reevaluar su relación consigo mismo y su medio ambiente al fondo.

¿Es posible cambiar la perspectiva y volver a una humanidad donde el ego no nos coloque como seres superiores, sino como individuos que forman parte de un contexto más grande, de planeta y evolución? Ésta serie es una respuesta abierta a esta pregunta. Represento personas indígenas honrándolas en su ambiente natural, que sirven de vehículo para atraer y guiar hacia niveles más profundos de pensamiento.

Vivimos en un época de destrucción que afecta a nuestro planeta y a las culturas y pueblos minoritarios, desde Euskal Herria hasta la Amazonía. Para poder salir de ésta profunda crisis global vamos a tener que trabajar unidos y poner en común todos los conocimientos posibles. Precisamente, quizás el tipo de conocimiento que más necesitamos sea el que más ignoramos; una sabiduría que permite la conexión con la tierra, que se basa en nutrir, cuidar, sanar, explorar el medio ambiente y en el aprendizaje a través de la observación del entorno, la flora y la fauna. Este tipo de inteligencia la encontramos, sin embargo, en las culturas indígenas que han vivido en armonía con la naturaleza durante milenios. Y, afortunadamente, no tenemos que ir muy lejos para comprobarlo, ya que en la cultura vasca podemos ver ejemplos de ello.

Mi obra combina aspectos del realismo con el surrealismo, toques de psicodelia, gestos y formas abstractas… sin que ninguno de estos aspectos sea predominante. Las composiciones albergan múltiples opciones para facilitar la liberación de las limitaciones de creencias establecidas. Cada trazo y decisión pictórica tiene el propósito de abrir un abanico de posibilidades para provocar transformación y estimular un pensamiento diferente, intensificar la existencia y facilitar la sanación del microcosmos de uno mismo hasta el macrocosmos universal. Un mundo que expresa el impulso de disolución de los límites del individuo, promoviendo la solidaridad humana por síntesis en lugar de separación.

Título: Blackfoot Solo

Dimensiones: 160 x 100 cm

Técnica: Óleo sobre lienzo

Precio: 2.600,00 €

BIO

Colin Hoisington Kalifornian (AEB) jaio zen, eta Seattle kanpoaldean (Washington) hazi zen. 17 urterekin, Kaliforniara itzuli zen eta bi lizentziatura ikasi zituen, Arte Ederrak eta Zientzia Biologikoak, Kaliforniako Unibertsitatean (Santa Barbara). Ikasketak amaituta, hainbat urtez San Frantziskon (Kalifornia) bizi izan zen, eta hango galeria txikietan eta erakusketa kolektiboetan erakutsi zituen bere lanak.

2007an Nikaraguara joan zen bizitzera, bi urtez; han, muturreko pobrezian bizi diren auzo eskoletan irakasle boluntario gisa aritu zen artea irakasten gazteei. Geroago, Madrilera (Espainia) joan zen, eta han Gizarte Zentro bateko doako eskola baten garapenean parte hartu zuen, Arte Sozialeko tailerrak eta proiektuak sortuz.

Gaur egun Euskal Herrian bizi da artista, eta 2014an master bat egin zuen Euskal Herriko Unibertsitatean (EHU) Artearen Sorkuntzan eta Ikerketan.

Orain EHUko irakaslea da pintura masterreko eskolan. Gaur egun, arte doktoretza egiten du, Bilboko bere estudioan praktikatzen jarraitzen duen bitartean.

BIO

Colin Hoisington, nacido en California, EEUU, creció en las afueras de Seattle (Washington). Con 17 años, regresó a California donde estudió dos licenciaturas al mismo tiempo, Bellas Artes y Ciencias Biológicas, en la Universidad de California (Santa Bárbara). Acabados sus estudios, vivió varios años en San Francisco (California) donde expuso sus obras en pequeñas galerías y en exhibiciones colectivas.

En 2007 se mudó a Nicaragua por dos años, allí estuvo enseñando arte como profesor voluntario a jóvenes en escuelas de barrios de pobreza extrema. Más tarde, se trasladó a Madrid (España) donde participó en el desarrollo de una escuela gratuita de un Centro Social, creando talleres y proyectos de Arte Social.

El artista actualmente vive en el País Vasco, (España) donde estudió un máster en 2014 en Creación e Investigación en Arte por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU).

Ahora es profesor de la UPV/EHU en la escuela de máster de pintura. Actualmente realiza el doctorado en arte mientras sigue practicando en su estudio de Bilbao.

Inge Arin Larrañaga

Karnibirus

«Collage», 20 zm x 20 zm , eskuz eginiko paperean 65,00 €.

Erabat murgildua giren sistema kapitalistak egunerokotasunean jaten digu burua. Batzutan ez girelarik ohartzen ere. Teknologia garapenaren atzaparrek harrapatzen gaituzte. Kontsumitzea eginbeharra bilakatu zaigu. Humanoa izatetik haragia izatera. Objektuak gira. Dena da neurrian, dena neurtzen dugu. Dena da notatua, denak gira zenbakiak. Egunero, etengabe, burmuina garbitzen. Kapitalismoaren ideiak txertatzen. Drogatuak gira denak. Baina, nork egiten du sistema? Nork sortzen gaitu haragi zati, objektu? Gizakia bere burua jaten. Gizakiak bilakatzen du objektu gizakia. Gizakiak jaten du gizakia.

Karnibirus deituriko «collage» hau eskuz eginiko paperean egin dut. Papera, egunkari edota paper zatiak urarekin nahasiz osatua da. Eskuz eginiko moldeei esker egina. «Collage»-a sortzeko, egunkari eta aldizkarietako irudiak erabili ditut. Testura eta irudiak kolatzeazgain, detaile batzuk marraztu ditut. Haragia xehatzeko makina eta burmuinaren behe aldeko partea,diana baten kutxuarekin. Haragiaren odola errepresentatzeko «spray» gorria erabili dut.

Karnibirus

“Collage”, 20 cm. x 20 cm. en papel hecho a mano 65,00 €.

El sistema capitalista en que vivimos nos come la cabeza en el día a día. A veces ni siquiera nos damos cuenta. Nos atrapan las garras del desarrollo tecnológico. Consumir se ha convertido en un deber. De ser humano a ser carne. Somos objetos. Todo tiene su medida, todo lo medimos. Todo es notado, todos somos números. Todos los días, continuamente, limpiando el cerebro. Incorporando las ideas del capitalismo.Estamos drogados. Pero, ¿quién hace el sistema? ¿Quién nos combierte en trozo de carne, en objeto? El ser humano se come a sí mismo. El hombre convierte al hombre en objeto. El ser humano se come al ser humano.

Este “collage” llamado Karnibirus lo he hecho en un papel hecho a mano. El papel se compone de una mezcla de trozos de periódico o papel con agua. Realizado gracias a moldes a mano. Para crear el “collage” he utilizado imágenes de periódicos y revistas. Además de pegar texturas e imágenes, he dibujado algunos detalles. Máquina de picar carne y parte inferior del cerebro con caja de diana. He utilizado el “spray” rojo para representar la sangre de la carne.

Eztanda

“Collage”,  20 zm x 20 zm, eskuz eginiko paperean 65,00 €.

Teknologiaren bidez erabat kontrolatuak izatetik etxean preso izatera iritsi gira. Etxean, intimitatean, kontrolatuak. Badira konfinamenduan salbuespenak; enpresa jakin batzuk lanean segitzen dute ekonomia bertan behera gera ez dadin aitzakiarekin. Osasunari, ekonomiari baino garrantzi gehiago ematen bazaio, kapitalismoak ezin du iraun. Nola aurre egin diezaioke sistema kapitalistak osasun krisi honi? Baina gizartea geroz eta indibidualista bihurtzen den heinean, amorrua eta haserreak emendatuz doaz. Gizartean geroz eta desberdintasun haundiagoak sortzen diren heinean, egoerak eztanda egiten du. Zer izango da COVITE-19 birusaren biharamuna? Zer egingo dugu etxetik atera ahal izango girenean?

Eztanda deitu dudan “Collage” honetan, egungo egoera eta biharamuna erakutsi nahi izan ditut. Egun, korona birusa dela eta konfinatuak agertzen dira etxeetan. Batzuk bakarrik edo kideekin,pozik, triste, auzoari zelatan. Bizi dugun sistema kontrolatu honetan, norbera kontrolatzera iristeraino. Geroa, karrikan agertzen da. Batetik, poderea bere tresnak martxan dituela; nuklearrak eta eraikuntza masiboa. Militarrak borrokara atera diren herritarrak suntsitzera. Bestetik, mundua eta gizakiaren arteko harremana. Gizakiak eramaten du mundua; gizakiak drogatzen du mundua edota sendatzen du mundua.

“Collage” hau eskuz eginiko paperean egin dut. Papera, egunkari edota paper zatiak urarekin nahasiz osatua da. Eskuz eginiko moldeei esker egina.

Eztanda

“Collage”, 20 cm. x 20 cm. en papel hecho a mano 65,00 €.

Hemos pasado de ser totalmente controlados por la tecnología a ser reclusos en casa. En casa, en la intimidad, controlados. Hay excepciones en el confinamiento; determinadas empresas siguen trabajando con la excusa de que la economía no se desmorona. Si a la salud se le da más importancia que a la economía, el capitalismo no puede perdurar. ¿Cómo puede el sistema capitalista hacer frente a esta crisis sanitaria? Pero a medida que la sociedad se vuelve cada vez más individualista, la rabia y los enfados van aumentando. A medida que se van generando mayores desigualdades en la sociedad, la situación se dispara.  ¿Como será la resaca del virus COVID-19?

¿Qué haremos cuando podamos salir de casa?

En este “collage” que he llamado Eztanda, he querido mostrar la situación actual y la resaca. Actualmente aparecen confinados por el coronavirus en las casas. Algunos solos o con compañeros, contentos, tristes, vigilando al vecino.En este sistema controlado en el que vivimos, hasta llegar a controlar a uno mismo. El futuro se ve en la calle. Por un lado,  el poder con sus instrumentos en marcha; nucleares y la construcción masiva. Militares, a destruir a los ciudadanos que luchan, que han salido a la calle.

Por otro, la relación entre el mundo y el ser humano. El ser humano se lleva el mundo; el ser humano droga el mundo o cura el mundo.

Este “collage” lo he hecho en un papel hecho a mano. El papel se compone de una mezcla de trozos de periódico o papel con agua. Realizado gracias a moldes a mano.

Inge Arin Larrañaga, 1991an Baionan sortua.

Komunikazioa eta irudiaren inguruan sortu naiz;

Aitak kamararekin pasaturiko orduak eta amaren kazetaritza urteak eragina izan dute nere ibilbidean.

Nerabetasunean Leioako kazetaritza lizentzia hasi nuen.

Kazetaritzak baino, irudiaren indarrak gehiago betetzen nauenez, bideo eskolara pasatu nintzen.

2013 urtean, Ikusentzunezko eta Ikuskizunen Errealizazio Titulua lortu nuen.

Orduz geroztik, Donibane Lohizunen Patxi Laskarai argazkilariarekin lan egiten dut.

Hortik nere lehen urratsak artean.

Argazki formakuntza etengabea jasotzen dut;

Irudia zer den, nola tratatu daitekeen, euskarri ezberdinak (argentikoak zein numerikoak) …

Eta nola ez, argazkitik urrunago, artista ezberdinen ezagutza.

Artearen ezagutza.

Inge Arin Larrañaga, nació en Baiona en 1991.

He nacido en torno a la comunicación y la imagen;

Las horas que pasó mi padre con la cámara y el año de periodismo de mi madre han influido en mi carrera.

En la adolescencia empecé mi licenciatura de Periodismo en Leioa.

Más que el periodismo, que me llena más la fuerza de la imagen, pasé a la escuela de vídeo.

En 2013 obtuve el Título de Realización Audiovisual y de Espectáculos.

Desde entonces trabajo en San Juan de Luz con el fotógrafo Patxi Laskarai. De ahí mis primeros pasos. Recibo una formación fotográfica continua;

Qué es la imagen, cómo se puede tratar, los diferentes soportes -tanto argentinos como numéricos…

Y cómo no, más lejos de la foto, el conocimiento de diferentes artistas. Conocimiento del arte.

Iñaki Ruiz de Eguino

Kalichromatic 538 / Akrilikoak eta arkatzak / Lanaroyal Paper, 300 g. % 100 kotoizko kotoia

H.57 x 75.5 cm   / Hondarribia tailerra

 

Kaligcromiak – Espazio kaligrafikoa

Kolorea. Margolanean antolatzeko modua pinturaren funtsa da.

80ko hamarkadaren hasieratik garatu dudan geometriaren alde antagonikoan, s. Hasieran. XXIk apustu bizigarri bat osatzen duten koadro batzuk sortu zituen, eta bertan bat egiten dute mugimendu abstraktu ezberdinak. Automatikaren, arte informalaren, ekintza-pinturaren eta abarren erara antolatutako forma estrukturalaren urruntzea da. Landu pigmentuak, arkatzak, tintak … kotoizko oihaletan eta paperetan.

«Caligcromía», Iñaki Ruiz de Eguinok adostutako terminoa da, zeinu estetiko zurrungarrien ugaritasunez aipatuz.

Aukeraren konplizitateak bultzatuta, margolanak labirinto formal eta kromatiko eder bat eskaintzen du. Erritmo zuzen bati erantzuten dioten keinu ziklikoek filigrana sarearen ilusioa agerian uzten zuten. Kaligrafia eraldatuak eta kromatismo biziak aurrekaririk gabeko espazio plastikoa sortzen dute: «Kaligrafia».

Calicromático 538

Acrílicos y lápices / Papel Lanaroyal, 300 gs. 100% algodón-coton

H.57 x 75,5 cm

Taller Hondarribia. 28/12/2019

Sig. “Ruiz de Eguino”

P.V.P. 637,00 €

 

Caligcromías – Espacio Caligcromatico

Color.  La manera de disponerlo en el cuadro es la sustancia de la pintura.

En el lado antagónico a la geometría que he desarrollado desde los primeros años 80, al comenzar el s. XXI creo una serie de pinturas que conforman una apuesta estimulante, donde convergen distintos movimientos abstractos. Existe un alejamiento sobre la forma estructural organizada al modo del automatismo, arte informal, la action painting, etc.  Trabaja con pigmentos, lápices, tintas… sobre telas y papeles de algodón.

Procura poner en práctica la definición de Hayek:” el orden espontáneo es siempre superior al orden decretado”.

“Caligcromía”, es un término convenido por Iñaki Ruiz de Eguino, aludiendo con él a la abundancia de signos estéticos hilvanados.

Propiciada por la complicidad del azar, sedimenta en el cuadro un bello laberinto formal y cromático. Gestos cíclicos, que responden a un ritmo directo, embaucados en revelar la ilusión de una red afiligranada. Caligrafía transformada y vivaz cromatismo, crean un inédito espacio plástico: las “Caligcromías”.

Eskultura

Argiaren pultsua / 2. sinfonia. (477 argiaren geometria /

 

Hegazkinean / EZ horman egiten du lan.

Argiaren geometriari eskainitako eskultura sorta. Horietan, Eguinok gainazal lau batean lan egiten du zeinu geometrikoez hustuz, argiak protagonismoa lortzeko asmoarekin. Argia motibazio bihurtzen da luzapen laua lantzeko, horma txiki bat bezala. Plano honetan artistak konposizio linealen segida bat diseinatzen du, non argiak eta geometriak kate plastikozko disertazioa biltzen duten. Planoaren / hormaren zulaketa linealak husteko aukera ematen du, argiak protagonista gisa esku har dezan. Erretzen den gainazalak argia onartzen du, mutur batetik bestera zulatua, konposizio adierazkorra sortuz. Eskulturak, beraz, diskurtsoa eraikitzen du.

Escultura

El pulso de la luz / Sinfonía nº 2 (Geometría de la luz 477/ Geometry of light)

1990 / 2011

Acero / ST.  H. 37 x 43 x 8 cm.

Sig. En la base de la pieza RE

PVP. 3.770,00

Trabajos sobre el plano / NO-muro.

Serie de esculturas dedicadas a la geometría de la luz. En ellas Eguino trabaja sobre una superficie plana vaciándola con signos geométricos, con la intención de que la luz logre protagonismo. La luz, se convierte en motivación para trabajar sobre la extensión plana, a modo de pequeña pared. Sobre este plano el artista diseña una sucesión de composiciones lineales donde luz y geometría hilvanan una disertación plástica. El vaciamiento, la perforación lineal del plano/muro permite, que la luz intervenga como protagonista. La superficie bruñida admite la luz, siendo atravesada de un extremo a otro, creando una composición expresiva. La escultura construye así un discurso.

Iñaki Ruiz de Eguino

(Donostia, 1953) Pintore, eskultore eta arte kritikari espainiarrak Europako eszena geometriko artista ospetsuenetarikoa izan zen. Zaragozako Arte Eskolan trebatua eta Forma Taldeko kide aktiboa, Iñaki Ruiz de Eguinok pintura landu zuen lehen garaian, lerro espresionista abstraktu batean, eta horrek laster merezi zuen errekonozimendua: hogeita bat urte baino ez zituen Euskal Pinturaren Sari Nagusia lortu eta konturatu zen. bere lehenengo bakarkako ikuskizuna.

977an hasita, espazio plastikoari buruzko ikerketa jakin bat egin zuen Errealismo Kosmogoniko Magikoa (1977-1980) eta Lau dimentsioko Pintura (1980-1985) lanetan. Bere ospea gero eta handiagoari esker, 1982an Donostian, Bilbon, Gasteizen eta Iruñean ikusgai zegoen «Euskal Geometria» erakusketa ospetsua antolatzea eta Eduardo Chillida, Jorge Oteiza edo Françoise Morellet-en garaierako artistekin harremanetan jartzea eta aurkezpena egiteaz gain. Bere lanaren lehen atzera begirakoak 1986an, Donostiako San Telmo Museoan eta Salamanca Museoan.

Hurrengo hamarkadetan material eta euskarri berriekin zabaldu zuen horizontea. Egurra, burdina, aluminioa, brontzea eta altzairu herdoilgaitza lantzen ditu eskulturan, eta erliebeek eta grabitateekiko interesa du. Euskal tresneriaren elementuak (1985), Kordak + Papera (1988) eta Landa arkitektura (1989) bezalako sailak nabarmentzen dira, 90. hamarkadan jada, Hormigoiaren Kontaminazioa, Intimitate Isila eta Espazio Plastikotasuna. Sari eta bereizketa ugarirekin, bere lan zabala (Europako eta Amerikako hainbat museo, erakunde eta espazio publikok banatuta) gehitu behar zaio arte teoriko eta erakusketako komisario gisa egindako lanari.

www.egino.es

Iñaki Ruiz de Eguino

(San Sebastián, 1953) Pintor, escultor y crítico de arte español considerado uno de los más prestigiosos artistas geométricos del panorama europeo. Formado en la Escuela de Arte de Zaragoza y miembro activo del Grupo Forma, Iñaki Ruiz de Eguino cultivó en sus inicios la pintura, en una línea expresionista abstracta, que mereció pronto reconocimiento: con sólo veintiún años obtuvo el Gran Premio de Pintura Vasca y realizó su primera exposición individual.

Apartir de 1977 emprende una particular investigación sobre el espacio plástico en series de obras como Realismo Cosmogónico Mágico (1977-1980) y Pintura tetradimensional (1980-1985). Su creciente prestigio le permitió organizar la emblemática muestra «Geométricos vascos», que se exhibió en San Sebastián, Bilbao, Vitoria y Pamplona en 1982, y relacionarse con artistas vascos de la talla de Eduardo Chillida, Jorge Oteiza o Agustín Ibarrola, así como presentar la primera retrospectiva de su obra en 1986, en el Museo de San Telmo de San Sebastián.

En las décadas siguientes amplió sus horizontes con nuevos materiales y soportes. En escultura trabaja la madera, el hierro, el aluminio, el bronce y el acero inoxidable, y se interesa por los relieves y las gravitaciones. Destacan series como Elementos de utillaje vascos (1985), Cuerdas + Papel (1988) y Arquitecturas rurales (1989), a las que siguieron, ya en los 90, Contemplación concreta, Intimidad callada y Plástica espacial.

Galardonado con numerosos premios y distinciones, a su extensa obra (repartida por diversos museos europeos, instituciones y espacios públicos) hay que agregar su destacada labor como teórico del arte y comisario de exposiciones.

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/ruiz_de_eguino.htm

Juan Arrosagaray

Arnasaren dentsitatea

Proiektu organikoa da bere adiera guztietan, eta, beraz, prozesuan jarraitzen du.

Bizirik egotea aldarrikatzen du.

Durero eta bere belar marrazkiak ditu buruan (transzendentziara hurbiltzeko modu apala). Baita «Berlin gaineko zerua» ko Wim Wenders ere.

Lau marrazki eta ikus-entzunezko pieza bat ditu. Proiektuaren baldintzak direla eta, jatorrizko marrazkiak niretzat ezinbestekoak diren lau pertsonari oparitu dizkiete.

Bere bertsio digitalek, eskala handian, espazio emozional bat sortuko lukete, non ikus-entzunezkoa kokatuko litzatekeen (konfinamendutik ateraz gero).

Ikus-entzunezko pieza prozesuan dago, beraz, lehen hurbilketa eransten dut.

Irudien neurriak aldakorrak dira (jatorrizkoak ez daude salgai) eta doakoak. Marrazkietan erabilitako teknika kartoi gaineko tempera izan zen, ondoren digitalizatua eta azetato gaineko errotuladorea, idem.

Bideoa, bere garaian, CC ere izango da.

Prezioa: 130,00 €

LA DENSIDAD DEL ALIENTO

Es un proyecto orgánico en todas sus acepciones y, por lo tanto, sigue en proceso.

Reivindica el hecho de estar en/con vida.

Tiene en mente a Durero y sus dibujos de hierbas (una manera humilde de acercarse a la transcendencia). También al Wim Wenders de “El cielo sobre Berlin”.

Consta de cuatro dibujos y una pieza audiovisual. Por las condiciones del proyecto, los dibujos originales han sido regalados a cuatro personas imprescindibles para mí.

Sus versiones digitales, a gran escala, crearían un espacio emocional donde se ubicaría el audiovisual (en el caso de salir del confinamiento).

La pieza audiovisual está en proceso por lo que adjunto un primer acercamiento.

Las dimensiones de las imágenes son variables (los originales no están en venta) y gratuitas. La técnica utilizada en los dibujos fue témpera sobre cartón, posteriormente digitalizado y rotulador sobre acetato, ídem.

El video, en su momento, también será CC.

Precio: 130,00 €

Prestakuntzari dagokionez, hiru une garrantzitsu: Leioako BBAAko lizentziatura 1991n, Erasmus eta Luminyko L ‘École d’ Art-eko graduondokoa Marseillen (1991-1992) eta IZTko kidea. (Irudi eta Teknologia Berrien Gasteizko Zentroa) (1992-1993).

Lan-jarduerari dagokionez, dekoratuak eraikitzeko eta multimedia-ikuskizunak diseinatzeko aldiaren ondoren, gehien eta ondoen definitzen nauena Gasteizko Arte eta Lanbide Eskolan izandako irakaskuntza-esperientzia da. 2000. urteaz geroztik, bideo edo zinema digitaleko tailerra sortu eta koordinatzen dut. Arte digitaleko tailerretan, proiektuetan eta oinarrizko marrazketan ere lan egiten dut.

Nire lan ildo nagusia kolektiboa izan da beti. Bakarka, «Blanco y en botella/Argi eta garbi» proiektua nabarmenduko nuke, eztabaida ibiltariko plataforma gisa sortutako ikus-entzunezko autorretratu politikoko proiektua, Iruña, Bilbo, Gasteiz, Marseille, Donostia, Madril, Bartzelona, Badajoz eta Berriozarren erakutsi zena. Zein da proiektua jasotzen duen bloga?

http://blancoyenbotella-juan.blogspot.com/

A nivel formativo, tres momentos importantes: licenciatura en BBAA de Leioa en 1991, Erasmus y post-grado en l’École d’Art de Luminy en Marseille (1991-1992) e integrante del C.I.N.T. (Centro de Imagen y Nuevas Tecnologías) de Vitoria-Gasteiz (1992-1993).

En cuanto a la actividad laboral, tras el periodo de construcción de decorados y diseño de espectáculos multimedia, el hecho que más y mejor me define es la experiencia docente en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria-Gasteiz. Desde el año 2000, creo y coordino el taller de video o cine digital. También trabajo en los talleres de arte digital, proyectos y dibujo básico.

Mi principal línea de trabajo ha sido siempre colectiva. A título individual, destacaría el proyecto “Blanco y en botella / Argi eta garbi”, un proyecto de autorretrato político audiovisual concebido como plataforma de debate itinerante y que se mostró en Iruña, Bilbo, Gasteiz, Marseille, Donostia, Madrid, Barcelona, Badajoz y Berriozar. El blog que recoge el proyecto es:

http://blancoyenbotella-juan.blogspot.com/

Karmele Etxeandia

ÍCARO, 2020

Ícaro neure buruari ipini nion erronka sortzaile batetik sortu zen. Hamalau auto- erretratu egin nituen murgilduta gauden aldi honen buruzko hitzekin edo kontzeptuekin. Hauen guztien artean, esanguratsuenak “Gauzi” eta “Errautz” hitzak, Ícaro greziar mitoarekin harreman handi bat ikusi nuen. Ícaro-ren erorketa argazki horiekin irudikatu nuen eta gaur egungo egoerarekin lotu nuen: Askatasun nahia, gizartearen erorketa…

Gizakia hainbeste aurreratu da (edo hori pentsatzen dugu), baina azkenenan, planeta honetan bizi garen beste izaki bizidun bat bezalakoak gara. Teknologia, batzuetan huts egiten duen biziraupen tresna bat da. Ez gaude prest buru jainkoak garela sinesteko, eta azkenenan hori bera gure aurka bihurtzen baita. Mitologian bezala, Ícaro uste zuen ez zitzaiola ezer gertatuko eguzki ondoan hegan egiteagaitik, eta bere harrokeriagaitik, hegoak erre zitzaizkion eta itsasora jauzi zen. Guri, gauza bera gertatu zaigu.

Argazki hauek errealitatearen eta mitoaren arteko alderaketa bat da, metáfora bat.

Izenburua: ÍCARO

Teknika: Adobe Photoshop-en egindako autoerretratuak .
Neurriak eta Papera: Fineart Photo rag papera 40 x 40 cm-ko neurrian.

Prezioa: 111,80 € (argazki bakoitza)

ÍCARO, 2020

La serie Ícaro, nació de un reto creativo que me propuse para esta cuarentena. Realice 14 autorretratos con palabras y/o conceptos sobre este periodo en el que estamos inmersos, y cree uno por día. De entre todos ellos, los mas significativos para mi, fueron las palabras “Caer” y “Ceniza” a los cuales vi mucha relación con el mito griego de “Ícaro”. Vi representada la caída de Ícaro con estas fotografías y como estas se podían relacionar con la situación que vivimos hoy en día: El deseo de libertad, la caída de la sociedad…

El ser humano ha avanzado tanto (o creíamos que habíamos avanzado mucho) pero al final, no dejamos de ser un ser vivo mas en este planeta, en el cual, la tecnología es una herramienta mas de supervivencia que a veces falla. No estamos preparados para creernos dioses y echar a volar, porque al final, eso mismo se nos vuelve en contra, muchas veces por el ego. Y al igual que en la mitología, que Ícaro creyó que por volar cerca del sol nunca le pasaría nada y al final cayo, al ser humano nos ha pasado lo mismo. Volamos muy cerca del sol, y nuestras alas ardieron.

Esta pequeña serie no deja de ser una comparación, una metáfora, entre la realidad y un mito.

Titulo: ÍCARO

Técnica: Autorretratos realizados con fotomontaje en Adobe Photoshop. Tamaño: Poster Fineart en papel Photo rag de tamaño 40 x 40 cm

Precio: 111,80 € (cada fotografía)

Karmele-Etxeandia

Karmele Etxeandia Cayon

Leioan jaio nintzen 1992an, eta 27 urte ditut. Txikia nintzenetik marrazketa eta mitología, batez ere greziar eta erromatarra, interesatzen zitzaidan. Urteetan zehar, eta marrazketagaitik, diseinu grafikoa ikasi nuen.

Duela 2-3 urte inguru, argazkigintza
ezagutu nuen. Nahiko autodidakta izan naiz
argazkigintzarekin, onairrizko tailer bat egin
nuen nire auzoan, beste guztia nire kabuz
ikasi dut. Joan den udazkenean, nire
bakarkako lehen erakusketa zabaldu nuen
Portugaleten: “Nire begietatik”. Azken urte
eta erdian egindako paisai argazkien
konpilazio bat izan zen. Argazkilaritzan hasi
nintzenetik gehiago konturatu naiz gizakiok naturan daukagun eragina. Berari esker, turismoaren industria itsasoan duen eragina aztertu dut, bai animalietan bai ingurumenenan.

Ondoren, eta denboraldi tzar bategaitik, autoerretratuak egiten hasi nintzen, eta ondorioz nire buruari gehiago begira jarri nintzen. Argazki eta literaturari buruzko tailer batera joan nintzen eta han, hiru hilabetetan argazki proiektu txiki bat egin behar nuen. Han argazkigintza ihesbide bat izan zitekeela konturatu nintzen eta artista gisa nire burua ezagutzeko beste modu bat. Handik nire lehenengo proiektua sortua zen: “Greta Oto”. Bertan, 15 auto-erretratuetan, nire eboluzio pertsonala ikusi daiteke.

Karmele Etxeandia Cayon

Nací en Leioa en 1992, y tengo 27 años. Desde pequeña me intereso dibujar y todos los mundos fantásticos de la mitología, la griega y la romana sobre todo. Con el paso de los años, y por mi gusto al dibujo, estudie diseño grafico para poder darle una salida a aquello que me gustaba.

Hace 2-3 años aproximadamente, descubrí la fotografía. He sido bastante autodidacta con ella, solo realice un taller muy básico en mi barrio pero que me sirvió para ir tirando del hilo y ver que camino fotográfico me interesaba mas. El otoño pasado, inaugure mi primera exposición en solitario en la localidad de Portugalete. “Desde mis ojos” fue como se llamo la exposición. Fue una recopilación de los paisajes que había retratado en el ultimo año y medio, y como este había cambiado mi forma de ver el mundo y el impacto que el ser humano estaba teniendo en la naturaleza. Gracias a el, estudie el impacto que la industria del turismo tenia en los seres marinos, como el delfín o las tortugas. A como los residuos plásticos vertidos al mar afectaban a las ballenas y a su población o la pesca masiva de tiburones había diezmado a mas de la mitad su población en todo el mundo.

Después de esto, me metí de lleno en el autorretrato y a mirar mas hacia mi misma, hacia dentro. Volví a realizar un pequeño taller sobre fotografía y literatura en el cual teníamos que realizar un pequeño proyecto fotográfico en tres meses. Allí descubrí que la fotografía también podía ser una vía de escape, una forma mas de realizarme como artista, y de ahí cree mi primer proyecto “Greta oto” en el cual hablo sobre como he evolucionado como persona en una serie de 15 autorretratos.

Salim Malla

Homo mensura, 2020
Resina de poliéster esmaltado.
17 cm de diámetro x 0,8 de espesor

156,00 €

Obra seriatu honek (50 unitate.) azken zazpi urteetan luzera neurtzeko unitateen inguruan garatu dudan ikerketa teoriko-praktikoko proiektu bat laburbiltzen du plastikoki. Gasteizko Montehermoso zentroan erakutsi zen proiektu plastiko hori, 2019ko irailean, eta, 2020an, artista-liburu bat argitaratuko da. Homo mensura izeneko pieza hau Protagoras sofista greziarraren esaldia formalizatzera dator: «Gizakia gauza guztien neurria da», pentsamendu oro berez antropometrikoa dela aipatzen duena. Nire aurreko lan batzuetan jadanik erabili dudan baieztapen horrek laburbiltzen du gizakiak ingurunearekin duen harremana, zeinaren antropozentrismoak ingurugirotik urruntzen baitu, eta, gaur egun, pandemia garaian inoiz baino gehiago, zirkulu biziotsu eta benetan arriskutsutzat jotzen da.

Homo mensura, 2020
Resina de poliéster esmaltado.
17 cm de diámetro x 0,8 de espesor

156,00 €

Esta obra seriada (50 ud.) sintetiza plásticamente un proyecto de investigación teórico-práctica que he desarrollado a lo largo de los últimos siete años en torno a las unidades de medida de longitud. Un proyecto que fue mostrado en su vertiente plástica en el centro Montehermoso de Vitoria- Gasteiz en septiembre de 2019, y que durante este año 2020 se completará con la publicación de un libro de artista. Esta pieza titulada Homo mensura viene a formalizar la frase del sofista griego Protágoras: “El hombre es la medida de todas las cosas”, que hace referencia a que todo pensamiento es antropométrico por naturaleza. Esta afirmación que ya he empleado en algunas de mis anteriores obras, resume el comportamiento humano en su relación con el entorno, cuyo antropocentrismo le aleja de su medio ambiente, y hoy más que nunca en tiempo de pandemia se evidencia como un círculo vicioso ciertamente peligroso.

Egiten dudan ikerketako praktika artistikoa nitaz elikatzen da.

Salim Malla (Gasteiz, 1976) Arte Ederretan doktorea da, UCMk lurraldearekin lotutako aldez aurreko prestakuntza zientifiko-teknikoa eman duelako.

Eta ingeniaritza topografikoan diplomatua EHUn. Arte Ikerketa eta Sorkuntza masterreko bere es- tudioak egin zituen arte garaikidearen iragazkiaren bidez.

UCMko Arte Ederrak, non doktoregoa ere osatu zuen gizakiak bere burua definitzeko erabiltzen duen asmo arrazionalean.

Arte Garaikideko Departamentua, inguruko ikertzaileak diren aldetik, baina beren planteamenduetan funtsik ez dutenak.

Prestakuntza (UCM-B.Santander beka). Galdera horiek zalantza eta absurdua erantsiz berrinterpretatzen ditut, eta objektuetan formalizatzen ditut.

Salim Mallaren ibilbide artistikoa bereziki garatu da, nik siditifikoak deitzen ditudan metodologietan oinarrituta.

Eskulturaren arloan, espazioaren eta haren ikusmoldearen esku-hartzea duen edozein ideia eta ekintza bezala ulertuta, arazo horiek sistemen definizioetan daude.

Tualizazioa. Horretarako, mota guztietako materialak eta neurketa-prozedurak erabiltzen ditu, proiekzio kartografikoen formuletan,

Obra objektiboetatik sortzen dituenekin -kristalezko eraikuntzak, geodesiak definitutako irudiak, eta giza saiakera guztietan

Papera eta txanponak, zuraren edo erretxinaren gainean zizelkatuta, silikonaz hustuta edo ideia batekiko sentikorra dena murriztuta.

Eskaiola, grabatua, argazkia, bideoa, bitarteko elektronikoak, baita espazioko ekintza iragankorrak ere. Sortzaile plastiko gisa egiten duen lanaz gain, erabiltzen dudan lan-prozesua metodo- bat aplikatzearen emaitza da.

Ikerketa teorikoa egiten du, eta, horren ondorioz, hitzaldiak, topaketak eta par- logia zehatza egiten ditu kasu bakoitzean, zalantzan jartze batetik abiatuta.

I+G taldeetan tinkatzea eta hainbat bitarteko teoriko jakinetan argitaratzea. Aukeratutako bitartekoak, teknikak eta materialak askotarikoak dira, eta zurez landutako piezak, tramankuluak eta abar aurki daitezke.

Bakarkako erakusketak egin ditu, besteak beste, Virada electronica, fotografia, marrazkia, bideoa edo ekintza iragankorrak.

Por Redondo (Valladolid 2019), Desmesura (Vitoria-Gasteiz, 2019), Ma- roceanum (El Puerto de Santa María, 2019) Husos y costumbres (Va- lladolid, 2017), Punto ciego (Madril, 2015), Item Perspectiva (Valladolid, 2014), Cartografia di un processo (Thiene, Italia 2013), eta Medir el Metro (Madril, 2013). Hainbat azokatan izan da presentzia: Art Sevilla 2017, arco Madrid 2017 eta 2016, Casa Leibniz 2015, Art Marbella 2015, Foro Arte Cáceres 2015, Summa Art Fair Madrid 2014, Bilboko irudia 2014. Bere obra Artium museoaren bilduma publikoaren eta Casa de Indias eta O.T.R enpresa pribatuen artean dago.

Sobre mi trabajo

La práctica artística de investigación que llevo a cabo se nutre de mi formación científico-técnica previa relacionada con el territorio.

Analizo a través del filtro del arte contemporáneo algunas estrategias pretendidamente racionales que el ser humano emplea para definir su entorno, pero que adolecen de inconsistencias en sus planteamientos. Reinterpreto estas cuestiones incorporando la duda y el absurdo, y las formalizo en objetos-idea que generalmente son el resultado de un ex- perimento basado en metodologías que yo llamo sidicientíficas.

Estas problemáticas se encuentran en las definiciones de los sistemas de medida, en las formulas de las proyecciones cartográficas, en las figuras definidas por la geodesia, y en todos aquellos intentos humanos de reducir lo sensible a una idea.

El proceso de trabajo que utilizo es el resultado de aplicar una metodo- logía concreta en cada caso, establecida a partir de un cuestionamiento teórico determinado. Los medios, las técnicas y los materiales elegidos son diversos, pudiendo encontrarse piezas talladas en madera, artilugios electrónicos, fotografía, dibujo, video o acciones efímeras.

BIO

Salim Malla (Vitoria-Gasteiz, 1976) es doctor en Bellas Artes por la UCM y diplomado en ingeniería topográfica por la UPV-EHU. Realizó sus es- tudios de máster en Investigación en Arte y Creación en la facultad de Bellas Artes de la UCM, donde también completó su doctorado en el Departamento de Arte Contemporáneo como personal investigador en formación (beca UCM-B.Santander).

La trayectoria artística de Salim Malla se ha desarrollado especialmente en el campo de la escultura, concebida en su más amplia definición como cualquier idea y acción donde intervenga el espacio y su concep- tualización. Emplea para ello todo tipo de materiales y procedimientos con los que crea desde obras objetuales -construcciones con cristal, papel y monedas, talla sobre madera o resina, vaciados con silicona o escayola, grabado, fotografía, video, medios electrónicos- hasta acciones efímeras en el espacio. Además de su trabajo como creador plástico realiza investigación teórica que deriva en conferencias, encuentros, par- ticipación en grupos de I+D y publicaciones en diversos medios.

Ha realizado exposiciones individuales entre las que destacamos Virada por Redondo (Valladolid 2019), Desmesura (Vitoria-Gasteiz, 2019), Ma- roceanum (El Puerto de Santa María, 2019) Husos y costumbres (Va- lladolid, 2017), Punto ciego (Madrid, 2015), Item Perspectiva (Valladolid, 2014), Cartografia di un processo (Thiene, Italia 2013), y Medir el Metro (Madrid, 2013). Ha tenido presencia en ferias como Art Sevilla 2017, ARCO Madrid 2017 y 2016, Casa Leibniz 2015, Art Marbella 2015, Foro Arte Cáceres 2015, SUMMA Art Fair Madrid 2014, FIG Bilbao 2014. Su obra forma parte de la colección pública del museo ARTIUM y de las privadas Casa de Indias y O.T.R entre otras.

Silvia Izquierdo

Konfinamenduari…Sormena!

ZANTZUAK

Desertu erdian bale eskeletu bat da behin itsasoa han izanzeneko aztarna bakarra,aztarna bakarra.

Mendi altuankarakola bat da,behin itsasoa han izan zeneko aztarna bakarra, aztarna bakarra.Etxe osoan usain antzeko bat da,behinhemen izan zineneko aztarna bakarra,aztarna bakarra.

Anari

Nire birramamak erosi zuen etxean bizi naiz. Gauza asko aldatu dira hona aldatzea erabaki nuenetik. Hala ere, iruditzen zait etxe honetatik igaro den jende guztiak arrastoa utzi duela bertan, eta hori oso presente dagoela gaur egun.

Egoera berria da etxean nahi baino denbora gehiago eman behar izatea. Hori dela eta, lan egiteko orduan, egokia iruditzen zait arreta etxearen barrenean jarri eta kanpokoa ahaztea. Barrukoa balioestea. Kontzientziara ekartzea jendearen arrastroz inguraturik bizi garela. Testigantza guztien berri ematea. Etxekoa, izkutuan dagoena txikia dena, balioan jartzea.

Oso argazki gutxi egiten ziren nire birramonaren garaian eta gehienak argazki posatuak ziren. Antzerkitik gehiago dute benetako bizitza islatzetik baino.

Benetazko arrastoen bila nenbilen plater zahar batean jaten ari nintzela.
Keinuz beteta dagoen eszena imaginatzen dut etxeko plater zaharrak begiratzean. Egon zenaren eta orain ez dagoenaren keinuak, zantzuak. Emozioen uneko argazkiak, bat-batekoak.

 

Obraren izena: Zantzuak Gaia: erretratua.

Materiala: argazkiak azetato gainean inprimatuta

Tamaina: 297 x 420 x 20 mm.

Hiru dimentsioko obra da, azetatoaren gardentasunak aukera ematen baitio ikusleari xehetasunak aurretik zein atzetik ikusteko.

Prezioa: 260,00 €

Vivo en la casa en la que vivía mi bisabuela y desde entonces han cambiado muchas cosas; sin embargo, quedan rastros de la toda la gente que ha pasado por ella y éstos están muy presentes hoy en día.

Es nueva para todas la situación  de tener que estar encerradas en casa obligatoriamente y a la hora de trabajar en estos días, me parece necesario estar en sintonía con el momento. Centrar la atención en el interior y olvidar el exterior. Poner en valor lo doméstico, lo íntimo, lo pequeño. Traer a la conciencia, que vivimos rodeadas de restos de las personas que un día habitaron este espacio. Sacar a la luz sus testimonios.

Creo que es difícil que las fotos muestren sentimientos reales, sobre todo las fotos antiguas. Se hacían muy pocos retratos en la época de mi bisabuela y la mayoría, eran fotografías posadas que tienen más de teatro que de vida cotidiana.

Me encontraba buscando rastros de esa vida real mientras comía en un plato viejo. Imagino una escena llena de gestos al mirar los viejos platos de mi casa. Gestos, indicios de lo que hubo y de lo que ahora no está.  Fotos instantáneas de emociones espontáneas.

 

Nombre de la obra: Zantzuak Tema: retrato.

Material: fotografías impresas sobre acetato

Tamaño: 297 x 420 x 20 mm.

Obra tridimensional. La transparencia del acetato permite al espectador apreciar los detalles desde diferentes ángulos.

Precio: 260,00 €

BIO

Silvia Izquierdo Cabañas dut izena, eta Bilbon jaioa naiz

Nire bizitzan zehar, liluratuta sentitu naiz artistek mundua irudikatzeko duten moduarekin, eta, beraz, ni neu ere hori egiten saiatzera deitua sentitu naiz. Nire artearekiko interesa nerabezaroan eta gaztaroan landu nuen pintura klaseetara joaten estudio batean.

Arteari ezkeintzen nion lekua pixka bat baztertuta geratu zen unibertsitate garaian, medikuntza ikasteak eskatzen zidan konpromesuagatik. Hala ere, inoiz ez diot utzi margotzeari, argazkiak ateratzeari edo erakusketak ikusteari.

Nire interesa eta formakuntza askoz gehiago garatu zen Arte Ederretako gradua hastea erabaki nuenean, eta ordutik artea sentitzeko modua, erabat aldatzen ari da.

Lan intimoak egitea gustatzen zait. Nire bizitza eta batez ere, inguruan ditudanen bizitzak maiz bihurtzen dira materiala nire lanenetan.

silvia.izquierdocab@gmail.com

Instagram: @xiri_xirike

BIO

Me llamo Silvia Izquierdo Cabañas y nací en Bilbao.

A lo largo de mi vida me he sentido fascinada por la forma que tienen las artistas de representar el mundo. Mi interés por el arte lo cultivé en mi adolescencia y juventud asistiendo a clases de pintura en un estudio.

El lugar que ocupaba el arte en mi vida quedó algo relegado al entrar en la universidad a estudiar medicina. Sin embargo, nunca dejé de formarme y de usar la creación como vía de escape.

Mi interés se desarrolló mucho más cuando decidí iniciar el grado en Bellas Artes en la UPV, algo que cambió radicalmente mi forma de entender el arte.

Me gusta hacer trabajos íntimos. Mi vida y, sobre todo, las vidas de los que me rodean se convierten a menudo en material para mis trabajos.

Silvia.izquierdocab@gmail.com

Instagram: @xiri_xirike

Unai Madariaga

Izena: Zure ametsa tristea da.

Teknika: Spray-a harri-kartoi gainean.

Neurria: 1,50 x 1,05 m.

Precio: 390,00 €

Deskribapena: lan hau, zortzi koadroz (oraingoz, baliteke gehiago ere sortzea) osatutako lan nagusiago baten parte da. Lan horren izena “Mundu hobe bat edo mundu txarrago bat, baina mundu ezberdin bat” da. Honek, mundu osoa geldiarazi duen pandemiari egiten dio erreferentzia, jasaten ari garen egoera inspirazio modura erabiliz. Fokua, hala ere, ez dago orainean jarrita, etorkizunean baizik. Lan honek, pandemiaren osteko egoera post-apokaliptikoa erakusten du, arazoaren ikuspuntu negatibo batetik begiratuz. Munduaren koloreak aldatu egin dira, itsasoa eta zerua jada ez dira urdinak, eta airean dantzan ibiltzen diren gasen eta hautsen erruz atmosfera askoz dentsoagoa da. Mundu berri honen kondizioetara egokitu beharretan, gizakiak eboluzionatu behar izan du, bera gorpuzkera eta azala aldatuz.

Gaur egungo gizartea eta sistema kolokan daude, horrek gizarte eta sistema berri bat lortzeko aukera ekarri digu, eta, aukera hori aprobetxatu beharra dago. Pandemiaren ostean lehen zegoen normaltasunera itzultzeko gogoz dago jendea, baina aurrera egiteko aukera ezin da bertan behera utzi, gizarte enpatikoago, errespetutsuago eta lagungarriago bat lortzeko momentua hau baita.

Lan honetan ordea, gauzak askoz okerrago joan dira eta nire buruan imajinatzen dudan gizarte post-apokaliptikoa irudikatu nahi izan dut. Hala ere, nahiz eta mundua guztiz aldatu den eta bizitzeko leku askoz latzagoa bihurtu den, pertsonen arteko harremanetan oraindik fedea dago, horrelako momentu hain zail bat pasatu eta gero, hauen arteko harremanak indartu baino ezin baitira egin.

Beste alde batetik, spray-aren erabilerak sentsazio guzti hauek bultzatu eta indartu egiten ditu, figura apur bat distortsionatuz adibidez, edo pinturaren tanten laguntzaz, mundua urtuz doala adieraziz.

Nombre: sin nombre.

Técnica: spray sobre cartón piedra.

Tamaño: 0,75 x 1,05 m.

Precio: 195,00 €

Descripción: este trabajo forma parte de una obra principal compuesta por ocho cuadros (de momento, es posible que surjan más). El nombre de esa obra es «un mundo mejor o un mundo peor, pero un mundo diferente». Esto hace referencia a la pandemia que ha paralizado todo el mundo, utilizando como inspiración la situación que estamos sufriendo. El foco, sin embargo, no está puesto en el presente, sino en el futuro. Este trabajo muestra el estado post-apocalíptico tras la pandemia, observándolo desde un punto de vista negativo del problema.

Los colores del mundo han cambiado, el mar y el cielo ya no son azules, y por culpa de los gases y los polvos que bailan en el aire la atmósfera es mucho más densa. En la necesidad de adaptarse a las condiciones de este nuevo mundo, el ser humano ha tenido que evolucionar, cambiando él mismo de complexión y piel.

La sociedad y el sistema de hoy en día se tambalean, lo que nos ha traído la oportunidad de conseguir una nueva sociedad y un nuevo sistema, y hay que aprovechar esa oportunidad. La gente está deseosa de volver a la normalidad que había antes tras la pandemia, pero no se puede dejar pasar la oportunidad de salir adelante porque este es el momento de conseguir una sociedad más empática, respetuosa y colaboradora.

En este trabajo, sin embargo, las cosas han ido mucho peor y he querido imaginar en mi cabeza una sociedad post-apocalíptica. Sin embargo, a pesar de que el mundo ha cambiado por completo y se ha convertido en un lugar mucho más duro para la vida, todavía hay fe en las relaciones entre personas que, pasado un momento tan difícil como éste, no pueden más que fortalecerse.

Por otro lado, el uso del spray favorece y refuerza todas estas sensaciones, distorsionando un poco la figura, por ejemplo, o apoyándose en las gotas de la pintura, indicando que el mundo se va derritiendo.

Biografia

Unai Madariaga Zabala.

1996an Bilbon jaioa, txikitatik musika eta artearekiko interes handia izan dut. EHUn Sorkuntza eta Diseinuko gradua ikasten ari naiz, aurtengoa laugarren eta azken urtea izanik.

Orain argazkilaritzan oso zentratua egon arren, pintura, collagea eta bideoa ere lantzea gustuko dut.

Biografía

Unai Madariaga Zabala.

Nacido en Bilbao en 1996, desde pequeño he tenido un gran interés por la música y el arte. Estoy estudiando el Grado en Creación y Diseño de UPV, siendo este año el cuarto y último.

Aunque ahora esté muy centrado en la fotografía, me gusta trabajar también la pintura, el collage y el vídeo.

Uxue Bereziartua

ETXE BAT SORTU NUEN BEHIN HORRELAKO EGUNETARAKO

Izena Etxe bat sortu nuen behin horrelako egunetarako I, II eta III

Egilea BEREXI ART, Uxue Bereziartua Lonbide

Data 2020ko martxoa

Teknika Sorkuntza digitala. Inprimaketa 300 gramajeko mate lamina zurian

Neurriak 420×297 cm

Prezioa 90,00  €/ilustrazioa

Obraren deskribapena

Azken asteetan etxetik kanpo egotearen gogoaz jende pila entzun dut hitz eta hitz. Itolarriak jota etxean egon ezin direla oihukatuz etxeetako lau pareten zirrikituren batetik ihes egin eta norbaitek entzungo dituelakoan. Etxean egotekoa naiz, batzuetan besteetan baino gehiago, baina bertatik ateratzea debekatua edukitzeak ere ito egiten dit niri. Ariketa hau egin nuen beraz, barrura begirada bat. Dudanaz gozatzea eta deserosotasunak erosotasun bilakatzea.

Etxe bat sortu nuen behin horrelako egunetarako. Non badudan zer egina, orduak motz geratzeraino. Non badakidan bakarrik egoten, sarri gogorra egiten den arren; bai eta jendearekin ere, eta gustura nago haiekin. Non onartzen dudan batzuetan aspertu egingo naizela, eta besteetan ingurukoak asperrarazi.

Denbora luzeko lana da etxe bat sortzea. Loreak bezain beste zaindu behar dira xehetasun txikienak. Denbora hartu behar da eta bakardadeak bilatu, deserosoak badira ere. Zuretzako, haientzako, haizearentzako. Gustuko gauzak egin eta ez hain gustukoak. Bizitza bat sortu behar da espazio batean, mikroklima bat. Eta nik etxe bat sortu nuen behin horrelako egunetarako, ikusi ezin dena. Eta zuk ez baduzu, inoiz ez da berandu.

ETXE BAT SORTU NUEN BEHIN HORRELAKO EGUNETARAKO

Nombre: Etxe bat sortu nuen behin horrelako egunetarako I, II eta III

Autor: Berexi art, Uxue Bereziartua Lonbide

Fecha: Marzo 2020

Creación Técnica Digital. Impresión en lámina blanca mate de 300 gramos

Dimensiones 420×297 cm

Precio: 90,00  €/ ilustración

Descripción de la obra

En las últimas semanas he oído hablar a mucha gente del deseo de estar fuera de casa. Al grito de que no pueden estar en casa, asfixiados, se escapan por alguna rendija de las cuatro paredes de las casas y esperan que alguien los oiga. Soy de estar en casa, a veces más que a veces, pero también me asfixia tener prohibido salir de ella. Así que hice este ejercicio, una mirada hacia adentro. Disfrutar de lo que tengo y convertir las incomodidades en comodidad.

Una vez creé una casa para este tipo de días. Dónde tengo algo que hacer, hasta el punto de que las horas se quedan cortas. Sé dónde estar solo, aunque a menudo se hace duro; también con la gente, y estoy encantado con ellos. Donde admito que unas veces me aburriré, y otras aburriré a los demás.

Es un trabajo de mucho tiempo crear una casa. Los detalles más pequeños deben cuidarse tanto como las flores. Hay que tomarse el tiempo y buscar soledades, aunque sean incómodas. Para ti, para ellos, para el viento. Hacer cosas que te gusten y no tan agradables. Hay que crear una vida en un espacio, un microclima. Y yo creé una casa una vez para este tipo de días, que no se puede ver. Y si tú no lo tienes, nunca es tarde.

Artistaren biografia

Uxue Bereziartua Lonbide (Hernani,1996)

Ezin ulertu nezake nire ibilbide feminista nire sorkuntza lana gabe, ez eta sorkuntza ibilbidea ikuspegi feminista gabe. Gorputza jarri nahi izan dut erdian. Gizena, iletsua, elbarria, emakumezkoa, edo ez, disidentea.

Berexi Art militantzia izan da. Ideia batzuk zabaltzeko bidea, pentsamendu bat lantzekoa, errealitate bat erdian jartzekoa, komunitate bat sortzekoa. Baina terapia ere izan da. Gorputzarekin lanketa bat, zerotik haste bat. Autozaintza eta ahalduntzea.

Ilustrazio bakoitza benetan existituko litzakeen pertsona bat bezala margotzen saiatzen naiz. Bizipen hori zentroan jartzen, bere zauriekin, minekin, pozekin edo orbanekin. Ikusteko, gustatzen zaiguna onartu eta gustatzen ez zaiguna zalantzan jartzeko, akatsak onartzeko, ondokoa miresten hasteko eta gure burua zaintzeko. Besteak maitatzeko guretik hasi behar garelako, barruak irekitzea da nire proiektua, ondoren kanpora askatzeko.

berexi.art@gmail.com

Instagram: @berexiart

Facebook: @berexiart

Biografía de la artista

Uxue Bereziartua Lonbide (Hernani, 1996)

No podría entender mi trayectoria feminista sin mi trabajo creativo, ni mi trayectoria creativa sin mi visión feminista. He querido poner el cuerpo en el centro. Gordo, peludo, minusválido, femenino, o no, disidente.

Berexi Art ha sido militante. El camino de abrir algunas ideas, de trabajar un pensamiento, de poner en el centro una realidad, de crear una comunidad. Pero también ha sido terapia. Una elaboración con el cuerpo, una iniciación desde cero. Autocuidado y empoderamiento.

Intento pintar cada ilustración como una persona que realmente existiría. Poniendo esa vivencia en el centro, con sus heridas, sus dolores, sus alegrías o sus manchas. Para ver, para aceptar lo que nos gusta y para dudar de lo que no nos gusta, para reconocer los errores, para empezar a admirar al de al lado y cuidarnos a nosotros mismos. Porque tenemos que empezar por lo nuestro para amar a los demás, mi proyecto es abrir los interiores para luego liberarlos al exterior.

berexi.art@gmail.com

Instagram: @berexiart

Facebook: @berexiart

Aitor Salazar

Kaleen argazkia

Batzuek diote egoera bakoitzetik ikasi egiten dela. Azkenaldian bizitzea egokitu zaiguna zaila da, nahiz eta testuinguru globalean ikusita pribilegiatu batzuk garen, zalantzarik gabe. Gure kondena txikia urrezko kaiola batean garatzen da. Etxe bakoitzaren barruan bakoitzak bere burua antolatzen du. Saiatu aurrekoak ordezkatu eta asebetetzen gaituzten errutinak sortzen. Zinema eta telesailak ikusten ditugu, txateatu eta bideoak partekatzen ditugu, irakurri, prestatu, gimnastika egiten dugu Youtubeko bideoak ikusiz… Gure kaiolak ondo hornituta daude.

Gure kasuan, ohitura horietako asko gure Mikel semearen inguruan bueltaka zeuden. Gainerakoak: gure interesak, lana, pertsonen arteko harremanak. gero etortzen ziren. Haurrek errutina maite dute. Haiek badakite gosaldu ondoren parkera goazela, edo eskolara, edo ludotekara, jolastera. Badakite bazkaldu eta siesta egingo dutela. Gure errutina oso kanpokoa zen. Senideak bisitatzea, kalean jolastea eta paseatzea ziren honen zatirik handiena. Hala, egun batetik bestera, eskola eta parkea leihotik ikusten hasi ginen, eta familia eta lagunak bideo-dei bidez. Apenas genuen jostailurik.

Horren ondorioz, cachivache pila bat sortu dugu beti pilatzea gustatu izan zaidan alferrikako gauza guztiekin: poltsak, kutxak, boli zaharrak, CDak… Burutazio horietako bat izan zen hiri txiki bat sortzea, Mikelen jostailuzko autoak etorbideetatik ibili zitezen. Haurrak epaile gupidagabeak dira. Bai prestatzen dugun janariarena, bai kontatzen dizkiegun ipuinena edo bai antolatzen ditugun jolasena, haien erantzuna zintzoa da beti.

Mikelek asko maite izan du argazkigintzaren gure hiria.


 

Nire kaleen argazki-proiektu txikia bi argazkiz osatuta dago. Instanteko bi kopiako tirada mugatu baten parte dira. Hahnnemühle paperean inprimatuta daude.

Neurriak:

  1. Fotografía de calles………………………………………….  40 x 45
  2. Fotografía de calles 2….……………………………………. 30 x 45

             (Prezioa 78,00 €)

Fotografía de calles

Hay quien dice que de cada situación se aprende. La que nos ha tocado vivir últimamente es difícil, aunque visto en el contexto global, somos sin duda unos privilegiados. Nuestra pequeña condena se desarrolla en una jaula de oro. Dentro de cada casa cada uno se organiza. Procura crear rutinas que sustituyan a las anteriores y nos satisfagan. Vemos cine y series, chateamos y compartimos videos, leemos, cocinamos, hacemos gimnasia viendo videos de YoutubeNuestras jaulas están bien equipadas. 

En nuestro caso, muchos de esos hábitos giraban en torno a nuestro hijo Mikel. El resto: nuestros intereses, el trabajo, las relaciones interpersonales, venían después. Los niños adoran la rutina. Ellos saben que después de desayunar vamos al parque, o al cole, o a la ludoteca a jugar. Saben que después comerán y echaran una siesta. Nuestra rutina era muy exterior. Visitar a familiares, jugar en la calle y pasear formaban la mayor parte de esta. Así, de un día para otro empezamos a ver el cole y el parque por la ventana y a la familia y amigos por videollamada. Apenas teníamos juguetes. 

Como consecuencia, hemos creado un montón de cachivaches con toda las cosas inútiles que siempre me ha gustado acumular: bolsas, cajas, bolis viejos, CDs… Una de esas ocurrencias fue crear una pequeña ciudad por cuyas avenidas circulasen los coches de juguete de Mikel. Los niños son unos jueces implacables. Ya sea de la comida que preparamos, de los cuentos que les contamos o de los juegos que organizamos, su respuesta siempre es sincera

A Mikel le encantó nuestra ciudad de la fotografía. 


Mi mini-proyecto FOTOGRAFÍA DE CALLES se compone de dos fotos. Forman parte de una tirada limitada de dos copias por instantánea. Están impresas en papel Hahnnemühle. 

Sus medidas son:

  1. Fotografía de calles………………………………………….  40 x 45
  2. Fotografía de calles 2….……………………………………. 30 x 45

             (Precio invidual 78,00 €)

 

NI

Aitor Salazar naiz, argazkilari gasteiztarra. Nire prestakuntza artistikoa Arte eta Lanbide Eskolarekin lotuta dago, eta bertan 7 urtez gozatu nuen pintura tailerrean. Han bertan, heriotzaz hozka egin zidaten, pasiloetan argazkiak atera eta laborategi izeneko gela ilun hartan sartzen ziren ikasle haien jakin-minak eraginda. Hainbeste erakartzen ninduen, non tailerrez aldatu eta hiru urtez egon nintzen argia, abiadura eta diafragma zer ziren ikasten. Ordutik, leihatila baten bidez ikusten dut mundua. Une oro izozten eta irensten ditut beste argazkilari batzuen liburuak eta erakusketak, artearen historia osoa argazki bakar batean plagiatzeko betiereko ahaleginean. Azken aldian, nire semeari, Mikel, argazki asko egiten dizkiot. Bi urte baino ez dituen arren, atzoko argazkiko umearen antza berehala uzten saiatzen da. Brown ahizpak etxe bakoitzean daude.

salazaraitor@hotmail.com

 

YO

Soy Aitor Salazar, fotógrafo vitoriano. Mi formación artística está ligada a la Escuela de Artes y Oficios, donde disfruté de 7 años en el taller de pintura. Allí mismo, fui mordido de muerte por la curiosidad de aquellos alumnos que hacían fotos por los pasillos y entraban en aquella sala oscura llamada laboratorio. Me intrigaba tanto que  cambié de taller y estuve 3 años aprendiendo lo que era la luz, la velocidad y el diafragma. Desde entonces veo el mundo a través de una ventanilla. Congelo cada instante y devoro libros y exposiciones de otros y otras fotógrafas en un intento eterno de plagiar en una sola fotografía toda la historia del arte. Últimamente hago muchas fotos a mi hijo Mikel, que se empeña, a sus dos años, en dejar rápidamente de parecerse al niño de la foto de ayer. Las hermanas Brown están en cada casa. 

salazaraitor@hotmail.com

Uxue Martín

Obrak

Bi obrek esposizio bikoitza izeneko teknikarekin eginda daude. Hots, geruzak fusio bidez uztartzen dira eta efektu propioak eta bereziak sortzen dituzte. Gainera, oleo pintzelen bidez detaileak nabarmendu dira.

Obras

Ambas obras están realizadas con la técnica denominada doble exposición. Es decir, las capas se combinan por fusión y producen efectos propios y especiales. Además, se han destacado los detalles a través de pinceles de óleos.

Hegan

29,7×42

65,00 €

Covid-19 deituriko birusak kanpoko mundua kendu dio gizarteari. Badaude pertsonak non hegan egin behar duten, zeruarekin bat egin alegia. Eta ezin. Askatasuna joan egin
da. Adibidez, Usoa aireportuan lan egiten duen piloto baten sentimendua. Hegan egin gabe, ezin daiteke bizi. Ezinegonak hartuko du, behingoz, airera gerturatzen ez bada.

Hegan

29,7×42

65,00 €

El virus llamado Covid-19 ha arrebatado el mundo exterior a la sociedad. Hay personas que tienen que volar, unirse al cielo. Y no pueden. La libertad se ha ido. Por ejemplo, el sentimiento de un piloto que trabaja en el aeropuerto de Usoa. Sin volar, no se puede vivir. Se impacientará, por una vez, si no se acerca al aire.

Zein egun da gaur?

29,7×42

65,00 €

Bada denbora ihes egin duela. Egunak monotonian erori dira, nahiz eta gertu, gomendioak egon burua oskarbi izateko. Etxeko lau parteak lausotzen dute momentua. Kaleko argiak ez du laguntzen testuingurua ezagutzen, bakarrik gaueko txaloek. Esaten dute denbora relatiboa dela, eta bai, relatibotik ahaztura izatera igaro da.

Zein egun da gaur?

29,7×42

65,00 €

Hay tiempo que se ha escapado. Los días han caído en monotonía, aunque cerca, hay recomendaciones para que la cabeza esté despejada. Las cuatro partes de la casa difuminan el momento. La luz de la calle no ayuda a conocer el contexto, solo los aplausos de la noche. Dicen que el tiempo es relativo, y sí, ha pasado de lo relativo a lo olvidado.

Biografia

Kaixo, Uxue Martin naiz izenez, baina artearen munduan nahiago dut Uxusofia izatea, eta artista bisuala naiz; ikasketez kazetaria izan arren. Txikitakik izan naiz irudiaren zalea, izan ere, filmak, saioak ikustera animatzen nintzen argazkiagatik. Horrela, argiarez garrantziaz oharturik kamerarekin probatzen hasi nintzen, nire ereduak ziren irudiak Uxusofia bihurtzea. Alegia, Emmanuel Lubezkiren edo Francesca Woodmanen estiloak nire errealitatera aplikatzeari ekin nion.

uxusofia@gmail.com

Instagram: @uxusofia

Biografía

Hola, soy Uxue Martin, pero en el mundo del arte prefiero ser Uxusofia, y soy una artista visual, aunque sea periodista por estudios. Desde pequeña he sido una gran aficionada a la imagen, ya que me animaba a ver películas, sesiones por la fotografía. Así, notando la importancia de la luz, empecé a probar con la cámara que las imágenes que eran mis modelos se convirtieran en Uxusofia. Es decir, empecé a aplicar los estilos de Emmanuel Lubezki o Francesca Woodman a mi realidad.

uxusofia@gmail.com

Instagram: @uxusofia

David F. Brandon

Giza paisaia

Paisaietan ez dago jendea bistan. Pertsonak izaki intrusoak izango lirateke, eta Gizateria paisaian sartu da dagoeneko, nahiko bortizkeriaz, eta gupidagabeki, Betiko itxura aldatzeko moduan. Gizateria egon da eta joan da, eta ¡rauten duena mendeetan zehar moldekatutako eta manipulatutako mundu baten irudia da. Paisaia gizakiak egindako eraikina da, eta horrelako sorkuntzaren aurrean aurkeztuak. Bakarrik egin behar diogu aurre.

Behatzen duenak, nostalgia mota jakin bati buruz, gainbeherari buruz edo ausentziaren eta desagertzearen gainbehera, edo une horren gainbehera, edo bere burua etorkizuneko une batean, baizik eta gizabanakoak gauzen emaitzak senti ditzakeen gizakien ekintzak, aldaketa isilak baina etengabeak, denbora-tarteak…Tartean sartzen da, pixka bat umiliatuta agian, eta konturatzen da: Banako gisa, errepresentatutako gauzen eskala unibertsalaren aurrean, honako hau egin behar du: Galdera egitea …

«Izan ote nintekeen ni, noizbait, ikusten dudanaren ondorio? «

David F. Brandon, 2020

 

Bi obrak, The Violet Garden IIX eta The Violet Garden IX, foto-muntaiak dira. Paisaien eta bestelako xehetasunen argazkiak ez ezik, Pintura akrilikoak.

Tamaina aldakorra da bezeroaren eskakizunen arabera (papera/aluminioa, etab.), baina Inprimaketa-tamaina ideala 70 x 105 cm izango litzateke aluminioan.

– prezioa: 332,80 €.

El paisaje humano

En los paisajes no hay gente a la vista. Las personas serían seres intrusos y es que la humanidad se ha inmiscuido ya en el paisaje con la violencia suficiente, e implacable, como para cambiar su aspecto para siempre. La humanidad ha estado y se ha ido y lo que permanece es la imagen de un mundo, moldeado y manipulado durante siglos. El paisaje es una construcción hecha por el hombre, y presentados ante semejante creación tenemos que enfrentarla solos.

Quien observa no sólo podrá meditar sobre un cierto tipo de nostalgia, sobre el declive o la decadencia, sobre la ausencia y la desaparición, o sobre este instante, o proyectarse a sí mismo en un momento futuro, sino que se le invita a reflexionar sobre su posición en el esquema de las cosas en las que el individuo puede sentir los resultados de las acciones de los seres humanos, cambios silenciosos pero constantes durante inmensos períodos de tiempo. Se involucra, humillado un poco tal vez, y se da cuenta de que como individuo, frente a la escala universal de las cosas representadas, tiene que plantarse la pregunta, –

«¿Podría haber sido yo alguna vez, soy yo, alguna vez seré, puedo ser una parte de aquello cuyas consecuencias veo?»

Texto © David F. Brandon, 2020

Las dos obras, The Violet Garden IIX, y The Violet Garden IX, son foto-montajes.

Estos incluyen fotografías no solo de paisajes y otros detalles, sino también de mis pinturas acrílicas.

El tamaño es variable según los requisitos del cliente (papel / aluminio, etc.) pero el tamaño de impresión ideal sería 70 x 105 cm en aluminio.

– Precio 332,80 €.

DAVID F. BRANDON

Arte Ederretan lizentziatua Kingstongo Politeknikoan 1976an. 1980an Londresko Royal College of Art-en Arte Ederretako graduondokoa. Gasteizen bizi da 1985etik.

Azkenengo erakusketa kolektiboak: 2010 «Sustaining the Future» argazki Man saria, Royal College of Art, Courtyard Galleries, Londres. 2016-2019 «Zas Kabinetea, 2. zk. – 5. zk.», Kultur Zas, Vitoria-Gasteiz.

Azkenengo bakarkako erakusketak: 2010 «ideia baten espektroa». UPV Unibertsitate pabiloia. Gasteiz. 2016 «BLINK». Amarika aretoa, Gasteiz

Argitaratutako artikulu  berriak: 2018, Carlos Marcoteren lanari buruzko «las Sombras Ausentes de un Paisaje», Bilboko Juan Manuel Lumbreras galeriaren webgunean argitaratua, David F. Brandon. 2016, «Autorretrato introspectivo», David F. Brandonen obrari buruz Javier Hernández Landazabalek idatzia, «BLINK» erakusketaren katalogorako.Arte Ederretan lizentziatua Kingstongo Politeknikoan 1976an. 1980an Londresko Royal College of Art-en Arte Ederretako graduondokoa. Gasteizen bizi da 1985etik.

DAVID F. BRANDON

Licenciado en Bellas Artes en el Politécnico de Kingston en 1976. Postgraduado en Bellas Artes en el Royal College of Art de Londres en 1980. Residente en Vitoria-Gasteiz desde 1985. 

Exposiciones Colectivas Recientes, 2010 “Sustaining the Future” El premio MAN de fotografía,  Royal College of Art, Courtyard Galleries, Londres. 2016-2019 “Gabinete Zas, Nº2 – Nº5”, Zas Kultur, Vitoria-Gasteiz.

Exposiciones Individuales Recientes, 2010 “El Espectro de una Idea”. Pabellón Universitario UPV. Vitoria-Gasteiz. 2016  “ Blink”. Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz

Artículos recientes publicados, 2018,  “Las Sombras Ausentes de un Paisaje” sobre la obra de Carlos Marcote, publicada en la web de la Galería Juan Manuel Lumbreras de Bilbao, David F. Brandon. 2016,   “AUTORRETRATO INTROSPECTIVO”, escrito por Javier Hernández Landazabal sobre la obra de David F. Brandon para el catalogo del exposición “Blink”.

Yone Estívariz

«Kanpokoa desagertzen eta iluntzen denean, eta eskuraezinak diren desioak irrikatzen direnean… barrena limurtu nahian ibiltzen da, irudikatu eta infinituaren indarrarekin azaltzen da. Horrela oihukatzen du edertasunaren suminak, lausotu egiten da izateari utzi arte.»


«Cuando el afuera se desvanece, se ensombrece y se anhela como deseo inalcanzable… el adentro se insinúa, se hace figura y se desvela con la fuerza de lo finito. Así es como la furia de la belleza grita y se difumina hasta de dejar de ser.»

 

TÍTULO 1: IN/OUT TAMAÑO: 30X45

TÉCNICA: DIGITAL IMPRESIÓN PAPEL SMOOTH PEARL 310GR

PRECIO: 104,00 €

TÍTULO 2: ESTADO DIFUSO 

TAMAÑO: 60X25 TÉCNICA:ESCANEO POLAROID MPRESIÓN PAPEL SMOOTH PEARL 310GR 

PRECIO: 130,00 €

Selección de dos imágenes dentro del proyecto IN_OUT en relacción a la pandemia del Covid 19. Proyecto íntimo describiendo el paso del tiempo. Las luces y las sombras que invaden el día a día

BIO

Argazkilaria, begiratzea ekintza inkontzientea izatetik kontzientea izatera pasatu zen egunetik. Eszena bat osatzen duten xehetasunei erreparatzen hasi nintzen, eta argia bidaia-lagun leial gisa integratzen. 2008tik 2011ra argazkilaritza ikasketak Gasteizko Arte eta Lanbide Eskolan eta ID-Artean hasi nituen. 2009an Gaste Klik argazki lehiaketako irabazleetako bat izan nintzen. Hortik, ehunka kilometro hegoalderago joan nintzen, Madrilera, EFTIko plantillako kide izateko, eta han Luis Maliban eta Miguel Oriolarekin elkarlanean aritzeko plazera izan nuen, besteak beste. Hainbesteko gogoa nuen urrutira hegan egiteko, non Indian bukatu bainuen lanean, Anantapurren. Leku bat non hainbat emakumeren errealitateari argazkia atera ahal izan nion hainbat ospitaletan, Vicente Ferrer Fundazioari esker. Eta istorioak kontatzen hasi nintzen, argazkien bidez. 2011n Londresera joan nintzen, eta han LSP eskolan ikasi nuen. Argazki sozial gisa hasi nintzen lanean, familiei erreportajeak egiten, ezkontzak… gaur egun ere jarraitzen duen lana, «Nimbo, lifestyle photography» zigiluaren bidez. 2018tik 2020ra arte, Vital Fundazioarentzat eta Gasteizko Udalaren «go Gasteiz Kultra» plataforma digitalarentzat ere aritu naiz lanean. Azken honetan 2019tik gaur egunera arte. 2019an Artgiak aukeratu ninduen «nomadak, el trenico» proiektuan argazkigintzako egoitza artistiko bat egiteko, eta urte horren amaieran EMart bekaren irabazleetako bat izan nintzen. Hautatutako «gu, latxa» proiektua 2020an jarri zen ikusgai Artgia sorgune artetoa galerian. Gasteiz, Madril, Tarazona eta Londresko hainbat lekutan bakarkako eta taldekako hainbat erakusketarekin, 2017an Metamorfosia Gasteizko Amarica aretoan eta 2018an Madrilgo Blanca Soto galerian Aquí y Ahora proiektuaren bidez ikusgai jartzea nabarmendu nahi dut.

yone.estibariz@gmail.com

Instagram: @yone_estivariz

Facebook: Yone Estivariz

BIO

Fotógrafa, desde el día en que mirar pasó de ser un acto inconsciente a consciente. Pasé a observar los detalles que componen una escena e integrar la luz como fiel compañera de viaje. Del 2008 al 2011 comencé mis estudios de fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria y en ID-Arte. En el 2009 fui una de las ganadoras del concurso de fotografía Gaste klik. De ahí, marché unos cientos de kilómetros más al sur, a Madrid, para formar parte de la plantilla de EFTI, donde tuve el placer de colaborar con Luis Malibán y Miguel Oriola entre otros. Tenía tantas ganas de volar lejos que acabé trabajando en la India, en Anantapur. Un lugar donde pude fotografiar la realidad de varias mujeres en diferentes hospitales, gracias a la Fundación Vicente Ferrer. Y comencé a contar historias, a través de fotografías. En 2011 llegué a Londres, donde realicé una formación en la escuela LSP. Comencé a trabajar de fotografa social, haceiendo reportajes a familias, bodas… trabajo que continuo a día de hoy a través de mi sello «Nimbo, lifestyle photography». Desde el 2018 hasta el 2020 he estado trabajando también para la Fundación Vital y para la plataforma digital del ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz «Go Gasteiz Kultra» siendo la encargada de realizar las fotografía. Este último desde el 2019 hasta la actualidad. En 2019 fui seleccionada por Artgia para realizar una residencia artística de fotografía en el proyecto “Nomadak, el trenico» y a finales de ese mismo año fui una de las ganadoras de la beca EMart. El proyecto seleccionado «gu, LATXA fue expuesto en 2020 en la galería ARTgia sorgune artetoa. Con varias exposiciones individuales y colectivas por diferentes lugares de Vitoria, Madrid, Tarazona y Londres, destaco exponer en el 2017 Metamorfosis en la sala Amarica de Vitoria-Gasteiz y en 2018 en la galería de Blanca Soto de Madrid a través del proyecto Aquí y Ahora.

yone.estibariz@gmail.com

Instagram: @yone_estivariz

Facebook: Yone Estivariz

Edurne Herrán

Seriearen izenburua:

Das Leben ist kein Ponyhof (La vida no es una granja de ponies)

Deskribapena

Margolan sorta honek nire konfinamenduaren lehen astean jasan nituen emozioen errusiar mendia islatzen du. Haurrentzako irudiek kolore alaiak dituzte eta testu-mezuek (ez dira batere itxaropentsuak) nolabaiteko harridura sortzen dute.

Ficha técnica

  1. Cat Appetite 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  2. Everyone hates you 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  3. Punk’s not dead (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  4. No Future (1) 2020 21 x 29,7 | 162,50 €
  5. No Future (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  6. Nobody cares about you (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  7. Nobody cares about you (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  8. Punk’s not dead (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  9. No problem! 2020 21 x 29,7 cm |  162,50 €

Título de la serie:

Das Leben ist kein Ponyhof (La vida no es una granja de ponies)

Descripción

Esta serie de pinturas reflejan la montaña rusa de emociones que sufrí durante la primera semana de mi confinamiento. Las imágenes infantiles de alegres colores y los mensajes textuales (poco esperanzadores) se yuxtaponen creando cierto extrañamiento.

Ficha técnica

  1. Cat Appetite 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  2. Everyone hates you 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  3. Punk’s not dead (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  4. No Future (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  5. No Future (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  6. Nobody cares about you (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  7. Nobody cares about you (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  8. Punk’s not dead (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  9. No problem! 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €

Edurne Herrán

Ingolstadt-Donau (1978) Gasteiz eta Berlin artean bizi eta lan egiten du

Arte Ederretan lizentziatua da [EHU, Bilbo/Escultura en la KBW, Berlin], eta hainbat maisutasun: arte eta Sormen Ikerketa Masterra [UCM Madril], Kudeaketa Masterra Kulturala [UC3M] eta Argazkigintza Garaikidea eta Proiektu Pertsonalak Masterra [EFTI Madrid].

Industria Estilismoko Goi Mailako Ikasketak [Arte2 Madril] eta Solfeok osatu dute bere prestakuntza.

Bere lanak lotura zuzena du egunerokotasunarekin, topaketarekin eta banakoak.

Teknologia berriek eta sareak, egoera emozionalak komunikazio-sistema sozial eta dinamika berri hauetaz baliatzen dira. Bere proposamenetako batzuk testuinguruan jartzeko; horietako askotan, Obrari zentzua ematen dion eta izaera performatiboa ematen dion publikoa.

C.C. Montehermoso bezalako sorkuntza-beka eta -sariekin saritu dute [Gasteiz], El Ranchito Matadero-Madrilen, Artista Gazteen I. Topaketa, Beka Roberto Villagraz eta Propuestas VEGAP, besteak beste. Artium Museoan erakutsi du bere obra [Gasteiz], Argazkigintzaren Andaluziako Zentroa [Almeria], Barjola Museoa [Gijon], Stand ABC Cultural de arco [Madril], Komunikazioaren Museoa [Frankfurt], baita hainbat galeriatan ere. Gaur egun, bere lan artistikoa eta hitzaldiak eta tailerrak ematen ditu hainbat diziplinatan, eta HND In irakasle laguntzailea da Tai Arteen Unibertsitate Zentroaren art. & Design.

Edurne Herrán

Ingolstadt-Donau (1978) Vive y trabaja entre Vitoria-Gasteiz y Berlín.

Es Licenciada en Bellas Artes [UPV-EHU, Bilbao / Escultura en la KBW, Berlín] y ha realizado varias maestrías: Máster en Investigación en Arte y Creación [UCM Madrid], Máster en Gestión Cultural [UC3M] y Máster en Fotografía Contemporánea y proyectos Personales [EFTI Madrid].

Estudios Superiores en Estilismo de Indumentaria [Arte2 Madrid] y Solfeo completa su formación.

Su obra tiene una conexión directa con la cotidianidad, el encuentro y la comunicación entre los individuos. Consciente de cómo las nuevas tecnologías y la red catalizan y magnifican los estados emocionales, se sirve de estos nuevos sistemas sociales y dinámicas de comunicación para contextualizar algunas de sus propuestas; en muchas de ellas es la participación del público la que da sentido a la obra y la dota de un carácter performativo.

Ha sido galardonada con becas y premios de creación tales como C. C. Montehermoso [Vitoria-Gasteiz], El Ranchito en Matadero-Madrid, I Encontro de Artistas Jóvenes, Beca Roberto Villagraz y Propuestas VEGAP, entre otros. Ha expuesto su obra en Museo ARTIUM [Vitoria-Gasteiz], Centro Andaluz de la Fotografía [Almería], Museo Barjola [Gijón], Stand ABC Cultural de ARCO [Madrid], Museo de la Comunicación [Frankfurt], así como en varias galerías e instituciones nacionales e internacionales. Actualmente desarrolla su trabajo artístico e imparte conferencias y talleres en varias disciplinas y es profesora colaboradora en el HND in Art & Design del Centro Universitario de Artes TAI.

Carmen Araujo

130,00 €

BIO

Margolaria eta irakaslea bokazioz. Etxean dudan tailer txikiaren eta eskolako ikasgelen artean igarotzen ditut nire egunak, non adin guztietako pinturazaleei ematen dizkiet klaseak.

Amak beti gogoratzen zidan, lau urte besterik ez nituela, nire pintura-kutxa hartu eta peluxe-untxiari marrazten irakasten niola. Azken finean, nire etorkizun profesionalaren hari gidari bihurtu den oroitzapena. Arte Ederretako karrera amaitzean, pintura akademia batean hasi nintzen lanean astean pare bat egunetan. Bi egun horiek hiru bihurtu ziren, gero lau … eta hogei urte geroago, han jarraitzen dut. Egunero margotzen, irakasten eta teknika berriak ikasten. Zalantzarik gabe, nire lana maite dut.

Nire irakaskuntza-orduak proiektu artistiko pertsonalekin osatzen ditut, eta horien bidez nire emozioak, bizipenak eta esperientziak islatzen saiatzen naiz. Ukitzen, usaintzen, dastatzen eta sentitzen dudan guztia pinturaren bidez adierazten saiatzen naiz. Nire zentzumenetako bakoitza arte bihurtua.

BIO

Pintora y profesora por vocación. Mis días transcurren entre el pequeño taller que tengo en mi casa y las aulas de la escuela donde doy clase a amantes de la pintura de todas las edades.

Mi madre siempre solía recordarme como cuando, con apenas cuatro añitos, cogía mi estuche de pinturas y le enseñaba a dibujar a mi conejo de peluche. En fin, un recuerdo, que se convirtió en el hilo conductor de mi futuro profesional. Al finalizar la carrera de Bellas Artes, comencé a trabajar en una academia de pintura un par de días por semana. Esos dos días se convirtieron en tres, luego en cuatro…y veinte años después, allí sigo. Pintando, enseñando y aprendiendo nuevas técnicas cada día. Sin duda, amo mi trabajo.

Complemento mis horas de enseñanza con proyectos artísticos personales a través de los cuales intento plasmar mis emociones, vivencias y experiencias. Trato de expresar a través de la pintura todo aquello que toco, huelo, saboreo y siento. Cada uno de mis sentidos convertidos en arte.

Estíbaliz Díaz

Gustatzen zait esaldi honetan pentsatzea: “Imajinatzen duzu guda bat dagoela eta ez doala inor?”

Teknikaren deskribapena, neurriak, izenburua eta prezioa. Pantailan bistaratzeko koloretako argazki digitalak.

Edizio irekia:
Posta formatua. Paper matean inprimatzea. Tamaina 10×15 cm: : 10,00  €/unitatea

Edizio mugatua:

50 irudi sinatu eta zenbakitu.

Fineart paperean inprimatzea (Hahnemühle edo baritatua, %100 zuntz/kotoizkoa pigmentu naturalen tintekin)

Inprimatze-tamaina 15 x 20 cm, marjina zuri txiki batekin: 50,00€/unitatea

Me gustan los almuerzos de domingo aunque sea cualquier otro día de la semana.

Descripción de técnica, dimensiones, título y precio.

Fotografías digitales en color realizadas para visualizar en pantalla.

Formato postal. Impresión en papel mate. Tamaño 10×15 cm: 10,00 €

Edición limitada:

50 ejemplares de imágenes firmadas y numeradas.

Impresión en papel Fineart (Hahnemühle o baritado, de fibra/algodón 100% con tintas de pigmentos naturales)

Tamaño de impresión 15 x 20cm, con un pequeño margen blanco: 50,00 €

*Para otros tamaños o fotografías enmarcadas contactar

BIO

Betidanik interesatu zitzaidan irudiaren eta artearen indarra, argazkigintza zehazki. Nire prestakuntza akademikoa Argazkigintza Artistikoko goi mailako teknikaria eta Diseinu eta Ekoizpen Editorialeko goi mailako teknikaria da. Argazkigintza eta ikus-entzunezkoak ere ikasi nituen EAOn, eta hainbat tailer eta mintegitan izan nintzen. 2008az geroztik, argazkilari gisa lan egiten du, enpresa edo erakundeentzako mandatuak egiten; adin guztietako jendearentzako eskolak eta ikastaroak ematen ditu EAOn, udaletan edo elkarteetan; eta proiektu artistikoagoak koordinatzen eta garatzen ditu. Banakako eta taldeko erakusketa ugari egin ditut, hainbat beka lortu ditut eta lehiaketa batzuk irabazi ditut. Gaur egun, hezkuntzako argazki-enkarguak egiten ditut, eta proiektu pertsonalagoak sortzen jarraitzen dut.

*Gizakiarekin eta haren ingurunearekin zerikusia duten gai sozialak (egunerokoa, jasangarritasuna edo batez besteko masak, besteak beste) eta parte hartzaileko proiektuak interesatzen zaizkit.

Web: estibalizdiaz.com (en construcción)

 

BIO

Siempre me interesó la fuerza de la imagen y el arte, en concreto la fotografía . Mi formación académica es Técnico Superior Fotografía Artística y Técnico Superior en Diseño y Producción Editorial. También estudié Fotografía y Audiovisuales en EAO y asistí a diversos talleres y seminarios. Desde el 2008 trabajo como fotógrafa realizando encargos para empresas o instituciones; impartiendo clases y cursos para públicos de todas las edades en EAO, ayuntamientos o asociaciones; y también coordinando y desarrollando proyectos de carácter más artístico. He realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, conseguido varias becas y ganado algunos concursos. Actualmente compagino encargos fotográficos con la educación y también sigo creando proyectos de carácter más personal.

*Me interesan temas de contenido social relacionados con el ser humano y su entorno (lo cotidiano, la sostenibilidad o los mass media entre otros) y los proyectos participativos.

Web: estibalizdiaz.com (en construcción)

 

iF Matxikote

Kuraia

Azalpena

Akerbeltzen irudia akelarreen giro askeari eta ondorioz askatasunari lotzen diogu.
Gure burua identifikatzeko baliatu dut hortaz, egoerari buruz dugun irakurketa edozein izanik ere, denok izanen dugulakoan Askatasuna amets.
Mundu libre batean bizi garela diote batzuek. Alta, pandemia gabeko garaietan ere, soldata minimoa edo gutxiagoko lansaritzat duena, ala karrikan bizi dena, egunerokotasuna bizirauteko borroka astun eta nekagarri bezain bortitza bezala halabeharrez pairatzen duenak askatasun hori gozatzen al du? Zentralizazioen ondorioz “basamortu” ahantzi eta gero aberatsen eremu bilakatzen diren eskualdeetako herritarrak libre ote dira? Eta generoagatik, orientazio sexualagatik, azal koloreagatik edota bertako hizkuntzan mintzatzeagatik zapalduak direnak?
Mundu Libre batek egin al diezaioke kalte bere buruari, bizitzeko beharrezkoa duen Amalurrari?
Jendarte eri eta itsutuan bizi garela iduritzen zait eta horregatik Akerbeltzen aurpegia zauriturik aurkezten dizuet.

Koronabirusak testuinguru horretan jo gaitu. Pandemiak ateak itxi dizkigu, etxeetako ateak. Ametsetako etxea, onarpen sozialerako objektua, obsesiorako gaia; babeserako aterpe batzuentzat, espekulatzeko gauza materiala besterik ez besteentzat, baina denen buruan. Gehienontzat etxea intimitate eremua da, eta egungo egoerak presondegi arraro bihurtu digu.

Zientzia fikziotik ateratako garai honetan denok gaude konektatuta, harreman sozial zabalerako gelditzen zaigun unibertso numerikoari lotuta, sarean harrapatuak… eta zainduak.
Hesiak altxatu dira, ez zen Akerbeltz, ez zen askatasunaren bidea, zomorro ilun baten iruzurra baizik, eta bere zepoan erori gara. Kontrola mundu birtualean, kontrola karriketan, errepideetan. Mila begi guri so.

Urtez urte, hamarkadatan soka ezberdinak ugaritzen joan zaizkigu. Soka zatiak tramankulu orokorrago baten osagaiak ziren. Mugimendu aukera oro ezin bilakatzen duten loturak. Zomorroaren hankak.

Hala ere, egoera oker horrek zenbait gogoeta eta galdeketa piztu ditu gure artean (behar bada betiko utopiston burutan?). Hor dugu Akerbeltz berpizteko gogoz; begi bat, beharturik bada ere, erne dauka, zertan garen ohartzeko.

Dena den, aldaketa ez dago osoki gure esku… betiko interesatu aberatsek eta segitzen/babesten dituztenek errutina berraktibatu lezakete deus izan ez balitz bezala, askatasun gutxiagorekin guretzat hain segur. Iruzurrekoa izan ala ez, Akerbeltz musukatuko dugu, ilusioan biziz ala beste eredu batez gozatuz.

Obra honek tresna magiko batek bezala eragin dezan opa dezagun, okerrena irudikatuz, berau usatu eta garai hobeak ekartzeko. Kasu guztietan kuraia eta kemena beharko ditugu.

 

Obraren fitxa

Neurriak: obraren izaera berezia dela-eta aurkezpen lekuaren arabera egoki daiteke. Horregatik neurriak era ezberdinetan proposatzen dizkizuet:
– masakara bizarra barne: 80 x 54 x 40 cm.
– Sokak kontuan hartuz eta aurkeztu bezala: 190 x 225 x 40 cm (sokek espazio gutxiago har lezakete-eta).

 

Prezioa: 900,00 €

 

Deskribapena

“Kuraia” egurrezko maskara bat da, akerbeltz baten buruaren antzera bi adar dituela dirudiena. Zurdezko bizar luzea du.

Kopetan etxetxo bat dago, zurezkoa, zuriz emokatua.

Akerbeltzen maskarak bizirik dirudi, zauriturik: aurpegiaren erdia zarakar lodi batez estalia (egur azala arinki gain errea). Alde horretako begia itxita dago, beharrez, metalezko puntuekin.

Beste aldea sutan belztua da eta bertako begia berriz, bortxaz zabaldurik dago, begia bera (zurezko kanika akrilikoz margotua) bere lekutik aterata eta guri so.
Begien ingurua emokatzekoaz egina da, akrilikoz margoturik.

Aurpegiaren ingurune osoan burdinezko 10 makil beltz daude, maskaran sartuak, izpien atzera ateratzen direnak. Denak batzen dituen eta horiei jarraikiz biraka ehundutako kotoizko hari batez armiarma sare baten antzeko zepoa dago; horrek denak hesitura handi bat osatzen du.

Makil bakoitzaren puntan begiak daude (zurezko kanika akrilikoz margotuak), alanbre puntatan, guri so. Amaitzeko, sei kalamuzko soka agertzen dira, maskaran batzen direnak.

Kuraia

Exposición:

“Txakurrak itzultzen dira Betiko lepoko berakin Salbuespen egoerak Negua du betikotzen”

Kuraia – Akerbeltz – 2003

La figura de Akerbeltz se asocia al ambiente libre de akelarres y en consecuencia a la libertad. Por lo tanto, he aprovechado para identificarnos, independientemente de nuestra lectura de la situación, esperando que todos podamos soñar con la libertad. Algunos dicen que vivimos en un mundo libre.

Pero, aun en tiempos sin pandemia, el que tiene un salario mínimo o inferior, o el que vive en la calle, el que sufre la cotidianidad como una lucha pesada y penosa, pero violenta, para sobrevivir, ¿disfruta de esa libertad? ¿Son libres los ciudadanos de las regiones que, como consecuencia de las centralizaciones, olvidan el «desierto» y se convierten en zonas de ricos? ¿Y los que son oprimidos por el género, la orientación sexual, el color de piel o la lengua autóctona? ¿Puede un mundo libre dañarse a sí mismo, al Amalur necesario para vivir? Me parece que vivimos en una sociedad enferma y cegada, por lo que les presento la cara de Akerbeltz herida.

El Coronavirus nos ha tocado en ese contexto. La pandemia nos ha cerrado las puertas, las puertas de las casas.

La casa de los sueños, el objeto de la aceptación social, el tema de la obsesión; para unos refugios de protección, nada más que cosa material para especular, pero en mente de todos.

Para la mayoría la casa es un campo de intimidad y la situación actual nos ha convertido en una prisión extraña.

En esta época extraída de la ciencia ficción todos estamos conectados, unidos al universo numérico que nos queda para una amplia relación social, atrapados en la red… y cuidados. Se han levantado barreras, no era Akerbeltz, no era el camino de la libertad, sino el timo de un bicho oscuro, y hemos caído en su cepo. Control en el mundo virtual, control en las calles, en las carreteras. Mil ojos mirándonos.

Año tras año, durante décadas nos han ido proliferando las diferentes cuerdas. Los trozos de cuerda formaban parte de un artefacto más general. Enlaces que no pueden transformar toda posibilidad de movimiento. Las piernas del bicho.

Sin embargo, esta situación errónea ha suscitado algunas reflexiones e interrogantes entre nosotros (¿acaso en la mente de los utopistas de siempre?). Ahí tenemos a Akerbeltz con ganas de revivir; un ojo, aunque forzado, tiene alerta para darse cuenta de lo que somos.

Sin embargo, el cambio no está del todo en nuestras manos… Los ricos interesados de siempre y los que siguen/protegen podrían reactivar la rutina como si nada, con menos libertad para nosotros tan seguro. Sea o no fraudulento, besaremos a Akerbeltz, viviéndolo en ilusión o disfrutando de otro modelo.

Deseamos que esta obra actúe como un instrumento mágico, imaginando lo peor, para usarlo y traer tiempos mejores. En todos los casos necesitaremos valor y coraje.

 

Ficha de la obra

Nombre de la obra: Kuraia

Dimensiones: por el carácter especial de la obra se puede adaptar en función del lugar de presentación. Por eso os propongo medidas de diferentes formas: – Incluida la barba masacre: 80 x 54 x 40 cm. – Teniendo en cuenta las cuerdas y tal y como se han presentado: 190 x 225 x 40 cm. (porque las cuerdas podrían ocupar menos espacio).

 

Precio: 900,00 €

 

Descripción

El «valor» es una máscara de madera que parece tener dos ramas como la cabeza de un akerbeltz. Tiene una larga barba de madera.

En la frente hay una casita de madera enlucida de blanco.

La máscara de Akerbeltz parece viva, herida: la mitad de la cara cubierta de una gruesa costra (corteza de madera ligeramente quemada). El ojo de este lado está cerrado, por necesidad, con puntos metálicos.

El otro lado está ennegrecido por el fuego y el ojo está abierto violentamente, el ojo mismo (pintado con canicas acrílicas de madera) salido de su sitio y mirándonos. El contorno de los ojos es de revoco, pintado con acrílicos.

En todo el entorno de la cara hay 10 palos negros de hierro, enmascarados, que salen detrás de los rayos. Con un hilo de algodón que los une a todos y que se va tejiendo, hay un cepo parecido a una red de arañas que forma un gran cercado.

En la punta de cada palo hay ojos (pintados con canicas acrílicas de madera), en puntas de alambre, mirándonos. Para terminar, aparecen seis cuerdas de cáñamo que se unen en la mascarilla.

BIO

iF-ek (Yves Matxikote Jorajuria, 1977) batez ere tinduan garatzen badu ere bere desmartxa, Baionako eta Bordaleko Arte Ederretako goi eskoletan euskarri eta teknika ezberdinak probatzeko barneratu zuen ohiturarekin segitzen du.

Funtsean ez zaio gustatzen ez arlo batera ez estilo batera mugatzea. Esploratzea du gustuko eta ikerketa horretan gaiak du garrantzia.

Arte engaiatua garatzen du. Jendartea eta gizakiaren baldintzak ditu inspirazio iturri.

Gauzak bizitzen dituen bezala, zeharkako biderik gabe, gordinki, ekartzen ditu; eta bere munduan murgiltzen laguntzeko formatu handiak ditu gogoko.

Gizakiak margotzen eta soldatzen dituenean, gu margotzen eta soldatzen gaitu. Ingurumena eta hiria modelatzen dituenean, gu jartzen gaitu erdigunean.

Zer gara? zertan ari gara? guhaur, gure jendartea, agintzen dugunok, jasaiten dugunok? Zer ondorio ditu edozerk gure bizian, gure larruan eta ondokoenetan?

Galderak atertu gabe eta erantzun aukerak beste horrenbeste, irudikapen bideak nahi beste.

Arrak eta Garrak (2011), Isilduak (2012-2019), Hirisilduak (2018-) eta etorriko direnak zentzu horretan kokatzen diren puzzle baten piezak dirudite… Hausnarketaren eiherari goroldioa atera ez dakion eta itaunak zintzurrean ito ez daitezen piezak.

Gauzak ezberdinak izan daitezkeelako beti

BIO

Si bien iF (Yves Matxikote Jorajuria, 1977) desarrolla sobre todo en tinte, continúa con la costumbre de probar diferentes soportes y técnicas en las escuelas superiores de Bellas Artes de Bayona y Bordal.

En el fondo no le gusta limitarse a un área ni a un estilo. Le gusta explorar y en esa investigación importa el tema.

Desarrolla un arte comprometido. Se inspira en la sociedad y en las condiciones del hombre.

Tal y como vive las cosas, las trae sin medios indirectos, brutalmente, y le gustan los grandes formatos que le ayudan a sumergirse en su mundo.

Cuando el ser humano pinta y suelta, a nosotros nos pinta y nos suelta. Cuando modeliza el medio ambiente y la ciudad, nos pone a nosotros en el centro.

¿Qué somos? ¿Qué estamos haciendo? ¿Qué consecuencias tiene cualquier cosa en nuestra vida, en nuestra piel y en la de los demás?

No se atascan las preguntas y las opciones de respuesta sean tantas como se quiera.

Machos y Fuegos (2011), Silenciados (2012-2019), Hirisilduak (2018-) y los que vendrán parecen piezas de un puzzle que se enmarcan en ese sentido … para que no se saque el musgo a la jungla de la reflexión y no se ahoguen en la garganta los interrogantes.

Porque las cosas pueden ser siempre diferentes.

Javier Berasaluce

Fitxa teknikoa (1. eta 2. txakurrak):

  • Errebelatze kimikoko paper baritoaren gaineko kopia
  • Irudiaren tamaina: 42 x 56 cm
  • Artxibo iraunkor bermatuaren tratamendua, 100 urtekoa
  • Prezioa: 390,00 € bakoitza

Deskribapena Orain inoiz baino gehiago ikusten dugun bizitza kristal batetik…

Ficha técnica (Perro1 y Perro2):

  • Copia sobre papel baritado de revelado químico
  • Tamaño de la imagen: 42 x 56 cm
  • Tratamiento de archivo perdurabilidad garantizada de 100 años
  • Precio: 390,00 € cada una

Descripción La vida que observamos ahora más que nunca a través de un cristal…

Javier Berasaluce Bajo

Javier Berasaluce Bajo (Madril, 1957ko uztailaren 5a) arkitekto tekniko gisa titulatua, Javier Berasaluceren lan- eta arte-bizitza argazkigintzaren inguruan garatzen da, helduen etengabeko hezkuntzako (HHE) zentroetan arte horretako irakasle izatetik hasi eta Gasteizko Udal Artxiboko argazki-bildumen kontserbatzaile izatera arte, non 1989tik aurrera bere argazki-laborategiaren arduradun gisa lan egiten baitu.

Azken urteotan, argazkilaritza zaharraren tratamenduan eta kontserbazioan espezializatutako hainbat tailer eta mintegitan parte hartu du.

Egile gisa, Xabierren argazki estiloa zuri-beltzaren teknika tradizionaletatik egindako hautuagatik nabarmentzen da. Bere irudi askok konposizio zainduko hiri-gai bat dute protagonista, gehiegizko elementuei ihes egiten diena, eta oso gogorarazleak dira: bakardadeari, denboraren joanari…

javierberasalucebajo@gmail.com

Instagram: @javierberasalucebajo

Facebook: Javier Berasaluce Bajo

Javier Berasaluce Bajo (Madrid, 5 de julio de 1957) Titulado como arquitecto técnico, la vida laboral y artística de Javier Berasaluce transcurre en torno a la fotografía, desde haber sido profesor de este arte en centros de educación permanente de adultos (EPA) hasta su trabajo creativo más personal o su faceta como conservador de las colecciones fotográficas del Archivo Municipal de Vitoria-Gasteiz, donde trabaja como responsable de su laboratorio fotográfico desde el año 1989.

En calidad de tal, ha participado durante los últimos años en numerosos talleres y seminarios especializados en tratamiento y conservación de fotografía antigua.

Como autor, el estilo fotográfico de Javier destaca por su elección de las técnicas tradicionales del blanco y negro. Muchas de sus imágenes están protagonizadas por una temática urbana de composición cuidada que huye del exceso de elementos y son fuertemente evocadoras: a la soledad, al paso del tiempo…

javierberasalucebajo@gmail.com

Instagram: @javierberasalucebajo

Facebook: Javier Berasaluce Bajo

Sortwo

Obraren izena: SAFE / BABESA:

Materialak: Ilustrazio digitala. 300 gramoko Canson papelean imprimatua. (5 edo 10 unitate limitatu).

Deskribapena: Izaki bakoitzak ongi izatea bermatzeko, eta eragozpenei aurre egiteko sortzen duen espazio fisiko zein emozionala isladatu nahi izan dut.

60,00 €

Nombre de la obra: SAFE/BABESA:

Materiales: ilustración digital. Impreso en papel Canson de 300 gramos. (5 o 10 unidades limitadas).

Descripción: he querido reflejar el espacio físico y emocional que crea cada ser para garantizar su bienestar y hacer frente a las molestias.

60,00 €

BIO

Sortwo Euskal Herriko herri txiki batean jaio eta hezi zen. Bere auzoko artearengandik erakarrita, 12 urterekin graffiti-ak margotzen hasi zen, geroago bere bizimodu bihurtuz. Arteak ate asko ireki dizkio, baita munduan zehar bidaiatzeko ere.

Bere lanetan metodo desberdinekin lan egiten du, irudimena mugatu gabe. Bere lan nagusiak pintura akrilikoa eta spray-a erabiliz sortutako muralak eta lientzoak dira, surrealismo itxurako pinturak sortuz.

Azkenengo erakusketa Australian izan du eta mundu osoko Kale Arteko Jaialdietan parte hartu du.

Instagram: @mr.sor2

Facebook: @mr.sor2

 

BIO

Sortwo nació y se educó en un pequeño pueblo de Euskal Herria. Atraído por el arte de su barrio, a los 12 años empezó a pintar graffitis, convirtiéndose más tarde en su forma de vida. El arte le ha abierto muchas puertas, incluso para viajar por el mundo.

En sus trabajos trabaja con métodos diferentes, sin limitar la imaginación. Sus principales obras son murales y lienzos creados utilizando pintura acrílica y spray, creando pinturas en forma de surrealismo.

Su última exposición ha sido en Australia y ha participado en festivales intercallejeros de todo el mundo.

Instagram: @mr.sor2

Facebook: @mr.sor2

Josu Errasti

«Bajo el Manto del Silencio» bere lehen liburukiarekin hasten da: el enigma de la

Metropolia.

Fantasia eta zientzia fikziozko liburu elektronikoa da.

Obraren helburua ez da soilik ludikoa. Bere barnean honako kontzeptu hauek ditu:

Borroka soziala bilbearen ardatz nagusi gisa. Honako kontzeptu hauek agertzen dira:

Klaseak edo hegemonismoa.

Baina… hau lan iraultzailea da, ez entziklopedia bat. Beraz, modu batean

Azkar eta entretenigarri, aurreko gaiak lotzen dira, eta begi-bistako hondoko kolorearekin,

Gizarte antolamenduaren garrantziaz gogoeta egiten da.

 

Sinopsia:

Klaseen arteko borroka hasi da…

Báguer, kortex kulturalki aldatzea helburu duen graffitigile gaztea

Ezkutuko metropoli bateko gizabanakoen garuna. Herritarrak kontzientziatu eta bateratze aldera

Langile guztiak aurrez aurre jarri eta zatitu zituen,

Klase zapaltzailea.

Artearen eta irudimenaren hiriburu hau oligarkia goseti batek zuzentzen du.

Itzaletik gobernatzen duen finantzarioa, benetako pertsona bat funtsean asetzeko

Munstroa…

Nahi ala ez… borroka hasita dago.

Zer jarrera hartuko duzu zuk?

Prezioa: 5,187 €

“Bajo El Manto Del Silencio” comienza su saga con su primer tomo: El enigma de la metrópolis.

Es un libro electrónico de fantasía y ciencia ficción.

El objetivo de la obra, no es meramente lúdico. Contiene en su interior conceptos de lucha social como ejes centrales de la trama. Aparecen conceptos como la lucha de clases o el hegemonismo.

Pero… esta es una obra revolucionaria, no una enciclopedia. Por lo que de una manera rápida y entretenida, se enlazan los temas anteriores y con un color de fondo evidente, se hace reflexionar sobre la importancia de la organización social.

 

Sinopsis:

La batalla entre clases ha comenzado…

Báguer, un joven graffitero que tiene como objetivo, alterar culturalmente el córtex cerebral de individuos de una metrópolis oculta. Con el fin de concienciar y unificar al enfrentado y dividió conjunto de la clase trabajadora para evitar un agresivo plan de la clase opresora.

Esta capital del arte y la imaginación, está dirigida por una hambrienta oligarquía financiera que gobierna desde la sombra para satisfacer en el fondo a un verdadero monstruo…

Quieras o no… la batalla está ya iniciada. ¿Qué actitud tomarás tú?

 

Detalles de la obra

Descripción: Libro de fantasía y ciencia ficción en formato digital. Dimensiones: 68pag.

Título: Bajo El Manto Del Silencio y el enigma de la metrópolis

Precio: 5,187 €

Descripción obra

«Bajo el Manto del Silencio» bere lehen liburukiarekin hasten da: el enigma de la

Metropolia.

Fantasia eta zientzia fikziozko liburu elektronikoa da.

Obraren helburua ez da soilik ludikoa. Bere barnean honako kontzeptu hauek ditu:

Borroka soziala bilbearen ardatz nagusi gisa. Honako kontzeptu hauek agertzen dira:

Klaseak edo hegemonismoa.

Baina… hau lan iraultzailea da, ez entziklopedia bat. Beraz, modu batean

Azkar eta entretenigarri, aurreko gaiak lotzen dira, eta begi-bistako hondoko kolorearekin,

Gizarte antolamenduaren garrantziaz gogoeta egiten da.

 

Sinopsia:

Klaseen arteko borroka hasi da…

Báguer, kortex kulturalki aldatzea helburu duen graffitigile gaztea

Ezkutuko metropoli bateko gizabanakoen garuna. Herritarrak kontzientziatu eta bateratze aldera

Langile guztiak aurrez aurre jarri eta zatitu zituen,

Klase zapaltzailea.

Artearen eta irudimenaren hiriburu hau oligarkia goseti batek zuzentzen du.

Itzaletik gobernatzen duen finantzarioa, benetako pertsona bat funtsean asetzeko

Munstroa…

Nahi ala ez… borroka hasita dago.

Zer jarrera hartuko duzu zuk?

Instagram: @j_diibuk_errasti

Facebook: @j_diibuk_errasti

Diibuk Errasti (Vitoria-Gasteiz, 1994) es un joven crecido en el ámbito de la cultura Hip Hop.

Con 15 años comienza con sus amigos a escribir sus primeras letras de rap y boceteando sus primeros diseños para más tarde llevarlos a la pared.

Pasando un tiempo y con el inicio de las batallas de gallos a nivel nacional, comienza, con sus amigos, a improvisar. Son varios los intentos de crear un grupo de rap con los amigos. Al no ver avance, la idea se desmorona.

Pero Diibuk continúa con sus escritos y bocetos para posterior graffiti.

En el año 2011, comienza a fusionar ambas facetas en un mismo contenido. Comienza a crear un comic que sin una clara idea de marketing, apenas alza el vuelo.

Con la idea fija de movilizarse en la cabeza, decide iniciarse en el mundo de la animación 2D de una forma autodidacta, para sacar un producto más fácil de consumir por el público.

Son estos años, en los que tras problemas con la justicia, se tira varios años en el mundillo de la animación. Consigue sacar dos pequeños cortos de muy poca calidad y con escasa conciencia de base. Desilusionado y saturado del trabajo a realizar abandona el proyecto.

 

Sinopsis

La batalla entre clases ha comenzado…

El nuevo superhéroe del color, es un joven emigrante que ha descubierto un tenebroso plan de saqueo y dominación por parte de una pequeña elite. La oscuridad acecha sobre toda una metrópolis, capital del arte, el color y la imaginación.

Báguer, será el encargado de iniciar el proceso de concienciación y de unificar a una sociedad desorientada, individualizada y enfrentada entre si.

Su tarea no será fácil y la batalla ya comenzado…

¿En qué punto te encuentras tú?

“Como Tormenta De Verano”.

Sus letras comienzan a llevar un mensaje más definido, gracias a la cultura ganada años atrás en charlas comunistas.

Su último trabajo sale en 2020, un libro en formato electrónico: Bajo El Manto Del Silencio y el enigma de la metrópolis.

Instagram: @j_diibuk_errasti

Facebook: @j_diibuk_errasti

Marco Sanz

OREKAN

Técnica.

Hormigón reforzado con mortero y armado mediante estructura forjada de hierro. Realizada mediante la técnica de encofrado en madera. La base es de pizarra de origen gallego.

Medidas y peso.

Orekan 30,4 cm alto, 24 cm de ancho y 9 cm de profundo. 8.088Kg.

4.810,00 €

OREKAN

Teknikak

Hormigoia morteroz eta burdinazko egituraz armatuta. Egur kofratzearen teknikaren

bitartez egina. Oinarria galiziar jatorriko arbelaz eginikoa da.

Neurriak eta pisua.

Orekan zatia soilik: 30,4 cm altueraz, 24 cm zabaleraz eta 9 cm sakoneraz. 8.088 Kg.

4.810,00 €

ILUNETAN

Técnica

ULTRA BLACK III pintura akrilikoa Garza natural woollen felt 300 grms. artisau paperaren  gainean. Dimentsioak: 32,9 × 48,3 cm.

Prezioa: 1.170,00 € lan originala.
Canvas HP A3 paperezko 5 inprimatze seriea sinatuak eta zebatuak: 351,00 € unitate bakoitza.

ILUNETAN

Teknikak

Pintura acrílica ULTRA BLACK III sobre papel artesano Garza natural woollen felt 300 grms.   Dimensiones: 32,9 × 48,3 cm.

Precio: 1.170,00 € obra original.
Serie de 5 impresiones digitales en papel Canvas HP A3+ firmadas y numeradas: 351,00 € unidad.

Marco Sanz Aparicio

1973an Burgosen jaioa, euskal kulturaren influentzia handia izango du Gernikan (Bizkaia), haurtzaroaren zati handiena pasa eta gero.

Diseinu grafikoan graduatua, irudi korporatiboaren espezializazioarekin.

2016an Llotja-ko (Bartzelona) Arte eta Diseinu Goi Mailako Eskolan matrikulatzen da. 2017an Brontzezko Orekan lanarekin 2017b Artista Berriaren sarirako aukeratzen dute.

2018an Bartzelonako Udalaren “Tangències, Festival de les Arte de l’Eixample” festibalean parte hartzeko aukeratzen dute “Suspensió” lanarekin.

2018an, eta ikasketak amaitu ondoren, brontze galdaketa eta argizari galdurako modelatzeari buruzko monografiko batean parte hartzen du.

2019an , IBERIA Sarietan (Madril),Orekan lan grafikoarekin (gofratze), aukeratuen lanen erakusketarako aukeratzen dute.

https://www.marcsanz.co.uk/ilunetan/

Instagram: @_orekan

Facebook:https://www.facebook.com/orekaaan/

LinkedIN: https://www.linkedin.com/in/marcsanz/

Marco Sanz Aparicio

Nacido en 1973 en Burgos es muy influencia por la cultura vasca en Gernika (Bizkaia) donde pasara gran parte de su infancia.

Graduado en diseño gráfico con la especialización en imagen corporativa.

En 2016 se matricula en la Escuela superior de Arte y Diseño LLotja (Barcelona)

En 2017 es seleccionado como Artista Emergente 2017b con el trabajo Orekan bronce.

En 2018 es seleccionado para participar en el festival “Tangències, Festival de les Arts de l’Eixample” del ayuntamiento de Barcelona con la obra “suspensió”.

En 2018 y tras terminar los estudios participa en un monográfico de Fundicion de Bronce y modelado a la cera perdida.

En 2019 es seleccionado con la obra gráfica Orekan (gofrado) en los premios IBERIA (Madrid) para la exposición de obras seleccionadas.

https://www.marcsanz.co.uk/ilunetan/

Instagram: @_orekan

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Zirika

Eta berriro kolorez beteko da

«Eta berriz kolorez beteko da» Zarate Araba herriko baserri batean egindako obra da (2017/18).

Hostotza ikusgarri batek, landare igokari batek, Viña virgen edo parra virgen «parthenocisus» ak (ziklikoki ñabardurak aldatzen dituena eta udazkenean benetako kolore-leherketa bat jasaten duena) estaltzen dutelako deigarria egiten zaidan etxe bat.

Etxean konfinatuta nagoenez, obrak eta argazkiak ordenatzeko aprobetxatzen ari naiz. Urtebete baino gehixeagoz jarraipena eginez egin nuen serie hau ikustean, berehala ikusi nuen primeran kontatzen zuela bizitzen ari garen egoera: sistema erori egin zaigu, gelditu egin dira edo, zenbat eta motelago, ahalik eta gehien moteldu dira gure harremanak, gure dibertitzeko modua, gure ekonomia. Hibernazio moduko batean gaude, berriro ere gure jarduerari ekin ahal izango diogun esperantzan, nora garamatzan oso ondo ez dakigun jarduera frenetiko horri.

Jende askok pandemaia honek sortutako krisi honetatik ateratzeko aukera desberdinak ikusten ditu. Asmatzeke dagoen modu bat.

Agian naturak hitz egingo digu. Naturak milioika urte daramatza eboluzionatzen, ziklikoki. Ez da inoiz hiltzen, bakarrik birziklatzen da. Aldi tragiko bakoitzetik, bera beti ateratzen da errekuperatuta, indartuta. Denbora eta atsedena besterik ez du behar. Ez al dugu hori behar izango?

Espezieen bilakaerari erreparatu besterik ez dugu egin behar, bilakaera egokitzapena dela konturatzeko.

Konfinamendu horrek, atsedenak, ondoko bizilaguna ezagutarazi digu, haurrekin jolasa berriz deskubritzera, sortzera, antzekoan sinestera, hurbilekoaren garrantzia berraurkitzera, norberaren ekoizpenarena, naturak atseden hartzen duela eta azkar errekuperatzen dela ikusten dugu…

Obra honek zikloei buruz hitz egin nahi du, berritzeari buruz, itxaropenari buruz. Gris absolututik kolore eztandara, etsipenetik ilusiora. Agian berekoikeriatik elkartasunera, justiziarekiko errepresiotik, planetaren ezkortasunetik bere ikasgaien erabilerara, bere zikloak errespetatuz baino, etsipenetik naturari atseden bat ematen badiogu hau bere onera etorriko dela sinestera…

Bizi-kantua da ziklo berriari, berritzeari, biziberritzeari, itxaropenari…

Euskara menperatzen ez dudan arren, beti erabiltzen dut adierazpen hizkuntza gisa nire obran.

1.800,00 €

Eta berriro kolorez beteko da

“Eta berriro kolorez beteko da” Es una obra realizada en un caserío del pueblo de Zarate Araba (2017/18).

Una casa que llamo mi atención por estar cubierta de un espectacular follaje, una planta trepadora, la “parthenocisus” viña virgen o parra virgen, que cíclicamente cambia de matices y en otoño sufre una verdadera explosión de color.

Al estar confinado en casa, estoy aprovechando para ordenar obras y fotos. Al ver esta serie que realicé haciendo un seguimiento durante algo más de un año, inmediatamente vi que relataba perfectamente la situación que estamos viviendo: se nos ha caído el sistema, se han paralizado o cuanto menos ralentizado al máximo nuestras relaciones, nuestra forma de divertirnos, nuestra economía. Estamos en una especie de hibernación, esperando que de nuevo podamos retomar nuestra actividad, esa actividad frenética que no sabemos muy bien a donde nos lleva.

Mucha gente ve una oportunidad para salir de esta crisis, generada por la pandemia, de otra forma. Una forma que esta por inventar.

Quizá la naturaleza nos esté hablando. La naturaleza lleva millones de años evolucionando, cíclicamente. Nunca muere, solo se recicla. De cada periodo trágico, ella, siempre sale recuperada, reforzada. Solo necesita tiempo y reposo. ¿No estaremos necesitando precisamente eso?

Solo tenemos que fijarnos en la evolución de las especies para darnos cuenta de que la evolución es adaptación.

Este confinamiento, descanso, nos ha hecho conocer al vecino vecina, a redescubrir el juego con los niños y niñas, a crear, a creer en el semejante, a redescubrir la importancia de lo cercano, de la producción propia, vemos como la naturaleza descansa y se recupera rápidamente…

Esta obra quiere hablar de los ciclos, de la renovación, de la esperanza. Del gris absoluto, a la explosión de color, de la desesperanza a la ilusión. Tal vez del egoísmo a la solidaridad, de la represión a la justicia, de la esquilmación del planeta a un uso de sus materias que respetando sus ciclos, de la desesperanza a creer que si damos un descanso a la naturaleza esta se recuperará…

Es un canto de vida al nuevo ciclo, a la renovación, a la regeneración, a la esperanza…

Aunque no domino el euskera, siempre lo utilizo como lengua de expresión en mi obra.

1.800,00 €