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Inge Arin Larrañaga

Karnibirus

«Collage», 20 zm x 20 zm , eskuz eginiko paperean 65,00 €.

Erabat murgildua giren sistema kapitalistak egunerokotasunean jaten digu burua. Batzutan ez girelarik ohartzen ere. Teknologia garapenaren atzaparrek harrapatzen gaituzte. Kontsumitzea eginbeharra bilakatu zaigu. Humanoa izatetik haragia izatera. Objektuak gira. Dena da neurrian, dena neurtzen dugu. Dena da notatua, denak gira zenbakiak. Egunero, etengabe, burmuina garbitzen. Kapitalismoaren ideiak txertatzen. Drogatuak gira denak. Baina, nork egiten du sistema? Nork sortzen gaitu haragi zati, objektu? Gizakia bere burua jaten. Gizakiak bilakatzen du objektu gizakia. Gizakiak jaten du gizakia.

Karnibirus deituriko «collage» hau eskuz eginiko paperean egin dut. Papera, egunkari edota paper zatiak urarekin nahasiz osatua da. Eskuz eginiko moldeei esker egina. «Collage»-a sortzeko, egunkari eta aldizkarietako irudiak erabili ditut. Testura eta irudiak kolatzeazgain, detaile batzuk marraztu ditut. Haragia xehatzeko makina eta burmuinaren behe aldeko partea,diana baten kutxuarekin. Haragiaren odola errepresentatzeko «spray» gorria erabili dut.

Karnibirus

“Collage”, 20 cm. x 20 cm. en papel hecho a mano 65,00 €.

El sistema capitalista en que vivimos nos come la cabeza en el día a día. A veces ni siquiera nos damos cuenta. Nos atrapan las garras del desarrollo tecnológico. Consumir se ha convertido en un deber. De ser humano a ser carne. Somos objetos. Todo tiene su medida, todo lo medimos. Todo es notado, todos somos números. Todos los días, continuamente, limpiando el cerebro. Incorporando las ideas del capitalismo.Estamos drogados. Pero, ¿quién hace el sistema? ¿Quién nos combierte en trozo de carne, en objeto? El ser humano se come a sí mismo. El hombre convierte al hombre en objeto. El ser humano se come al ser humano.

Este “collage” llamado Karnibirus lo he hecho en un papel hecho a mano. El papel se compone de una mezcla de trozos de periódico o papel con agua. Realizado gracias a moldes a mano. Para crear el “collage” he utilizado imágenes de periódicos y revistas. Además de pegar texturas e imágenes, he dibujado algunos detalles. Máquina de picar carne y parte inferior del cerebro con caja de diana. He utilizado el “spray” rojo para representar la sangre de la carne.

Eztanda

“Collage”,  20 zm x 20 zm, eskuz eginiko paperean 65,00 €.

Teknologiaren bidez erabat kontrolatuak izatetik etxean preso izatera iritsi gira. Etxean, intimitatean, kontrolatuak. Badira konfinamenduan salbuespenak; enpresa jakin batzuk lanean segitzen dute ekonomia bertan behera gera ez dadin aitzakiarekin. Osasunari, ekonomiari baino garrantzi gehiago ematen bazaio, kapitalismoak ezin du iraun. Nola aurre egin diezaioke sistema kapitalistak osasun krisi honi? Baina gizartea geroz eta indibidualista bihurtzen den heinean, amorrua eta haserreak emendatuz doaz. Gizartean geroz eta desberdintasun haundiagoak sortzen diren heinean, egoerak eztanda egiten du. Zer izango da COVITE-19 birusaren biharamuna? Zer egingo dugu etxetik atera ahal izango girenean?

Eztanda deitu dudan “Collage” honetan, egungo egoera eta biharamuna erakutsi nahi izan ditut. Egun, korona birusa dela eta konfinatuak agertzen dira etxeetan. Batzuk bakarrik edo kideekin,pozik, triste, auzoari zelatan. Bizi dugun sistema kontrolatu honetan, norbera kontrolatzera iristeraino. Geroa, karrikan agertzen da. Batetik, poderea bere tresnak martxan dituela; nuklearrak eta eraikuntza masiboa. Militarrak borrokara atera diren herritarrak suntsitzera. Bestetik, mundua eta gizakiaren arteko harremana. Gizakiak eramaten du mundua; gizakiak drogatzen du mundua edota sendatzen du mundua.

“Collage” hau eskuz eginiko paperean egin dut. Papera, egunkari edota paper zatiak urarekin nahasiz osatua da. Eskuz eginiko moldeei esker egina.

Eztanda

“Collage”, 20 cm. x 20 cm. en papel hecho a mano 65,00 €.

Hemos pasado de ser totalmente controlados por la tecnología a ser reclusos en casa. En casa, en la intimidad, controlados. Hay excepciones en el confinamiento; determinadas empresas siguen trabajando con la excusa de que la economía no se desmorona. Si a la salud se le da más importancia que a la economía, el capitalismo no puede perdurar. ¿Cómo puede el sistema capitalista hacer frente a esta crisis sanitaria? Pero a medida que la sociedad se vuelve cada vez más individualista, la rabia y los enfados van aumentando. A medida que se van generando mayores desigualdades en la sociedad, la situación se dispara.  ¿Como será la resaca del virus COVID-19?

¿Qué haremos cuando podamos salir de casa?

En este “collage” que he llamado Eztanda, he querido mostrar la situación actual y la resaca. Actualmente aparecen confinados por el coronavirus en las casas. Algunos solos o con compañeros, contentos, tristes, vigilando al vecino.En este sistema controlado en el que vivimos, hasta llegar a controlar a uno mismo. El futuro se ve en la calle. Por un lado,  el poder con sus instrumentos en marcha; nucleares y la construcción masiva. Militares, a destruir a los ciudadanos que luchan, que han salido a la calle.

Por otro, la relación entre el mundo y el ser humano. El ser humano se lleva el mundo; el ser humano droga el mundo o cura el mundo.

Este “collage” lo he hecho en un papel hecho a mano. El papel se compone de una mezcla de trozos de periódico o papel con agua. Realizado gracias a moldes a mano.

Inge Arin Larrañaga, 1991an Baionan sortua.

Komunikazioa eta irudiaren inguruan sortu naiz;

Aitak kamararekin pasaturiko orduak eta amaren kazetaritza urteak eragina izan dute nere ibilbidean.

Nerabetasunean Leioako kazetaritza lizentzia hasi nuen.

Kazetaritzak baino, irudiaren indarrak gehiago betetzen nauenez, bideo eskolara pasatu nintzen.

2013 urtean, Ikusentzunezko eta Ikuskizunen Errealizazio Titulua lortu nuen.

Orduz geroztik, Donibane Lohizunen Patxi Laskarai argazkilariarekin lan egiten dut.

Hortik nere lehen urratsak artean.

Argazki formakuntza etengabea jasotzen dut;

Irudia zer den, nola tratatu daitekeen, euskarri ezberdinak (argentikoak zein numerikoak) …

Eta nola ez, argazkitik urrunago, artista ezberdinen ezagutza.

Artearen ezagutza.

Inge Arin Larrañaga, nació en Baiona en 1991.

He nacido en torno a la comunicación y la imagen;

Las horas que pasó mi padre con la cámara y el año de periodismo de mi madre han influido en mi carrera.

En la adolescencia empecé mi licenciatura de Periodismo en Leioa.

Más que el periodismo, que me llena más la fuerza de la imagen, pasé a la escuela de vídeo.

En 2013 obtuve el Título de Realización Audiovisual y de Espectáculos.

Desde entonces trabajo en San Juan de Luz con el fotógrafo Patxi Laskarai. De ahí mis primeros pasos. Recibo una formación fotográfica continua;

Qué es la imagen, cómo se puede tratar, los diferentes soportes -tanto argentinos como numéricos…

Y cómo no, más lejos de la foto, el conocimiento de diferentes artistas. Conocimiento del arte.

Iñaki Ruiz de Eguino

Kalichromatic 538 / Akrilikoak eta arkatzak / Lanaroyal Paper, 300 g. % 100 kotoizko kotoia

H.57 x 75.5 cm   / Hondarribia tailerra

 

Kaligcromiak – Espazio kaligrafikoa

Kolorea. Margolanean antolatzeko modua pinturaren funtsa da.

80ko hamarkadaren hasieratik garatu dudan geometriaren alde antagonikoan, s. Hasieran. XXIk apustu bizigarri bat osatzen duten koadro batzuk sortu zituen, eta bertan bat egiten dute mugimendu abstraktu ezberdinak. Automatikaren, arte informalaren, ekintza-pinturaren eta abarren erara antolatutako forma estrukturalaren urruntzea da. Landu pigmentuak, arkatzak, tintak … kotoizko oihaletan eta paperetan.

«Caligcromía», Iñaki Ruiz de Eguinok adostutako terminoa da, zeinu estetiko zurrungarrien ugaritasunez aipatuz.

Aukeraren konplizitateak bultzatuta, margolanak labirinto formal eta kromatiko eder bat eskaintzen du. Erritmo zuzen bati erantzuten dioten keinu ziklikoek filigrana sarearen ilusioa agerian uzten zuten. Kaligrafia eraldatuak eta kromatismo biziak aurrekaririk gabeko espazio plastikoa sortzen dute: «Kaligrafia».

Calicromático 538

Acrílicos y lápices / Papel Lanaroyal, 300 gs. 100% algodón-coton

H.57 x 75,5 cm

Taller Hondarribia. 28/12/2019

Sig. “Ruiz de Eguino”

P.V.P. 637,00 €

 

Caligcromías – Espacio Caligcromatico

Color.  La manera de disponerlo en el cuadro es la sustancia de la pintura.

En el lado antagónico a la geometría que he desarrollado desde los primeros años 80, al comenzar el s. XXI creo una serie de pinturas que conforman una apuesta estimulante, donde convergen distintos movimientos abstractos. Existe un alejamiento sobre la forma estructural organizada al modo del automatismo, arte informal, la action painting, etc.  Trabaja con pigmentos, lápices, tintas… sobre telas y papeles de algodón.

Procura poner en práctica la definición de Hayek:” el orden espontáneo es siempre superior al orden decretado”.

“Caligcromía”, es un término convenido por Iñaki Ruiz de Eguino, aludiendo con él a la abundancia de signos estéticos hilvanados.

Propiciada por la complicidad del azar, sedimenta en el cuadro un bello laberinto formal y cromático. Gestos cíclicos, que responden a un ritmo directo, embaucados en revelar la ilusión de una red afiligranada. Caligrafía transformada y vivaz cromatismo, crean un inédito espacio plástico: las “Caligcromías”.

Eskultura

Argiaren pultsua / 2. sinfonia. (477 argiaren geometria /

 

Hegazkinean / EZ horman egiten du lan.

Argiaren geometriari eskainitako eskultura sorta. Horietan, Eguinok gainazal lau batean lan egiten du zeinu geometrikoez hustuz, argiak protagonismoa lortzeko asmoarekin. Argia motibazio bihurtzen da luzapen laua lantzeko, horma txiki bat bezala. Plano honetan artistak konposizio linealen segida bat diseinatzen du, non argiak eta geometriak kate plastikozko disertazioa biltzen duten. Planoaren / hormaren zulaketa linealak husteko aukera ematen du, argiak protagonista gisa esku har dezan. Erretzen den gainazalak argia onartzen du, mutur batetik bestera zulatua, konposizio adierazkorra sortuz. Eskulturak, beraz, diskurtsoa eraikitzen du.

Escultura

El pulso de la luz / Sinfonía nº 2 (Geometría de la luz 477/ Geometry of light)

1990 / 2011

Acero / ST.  H. 37 x 43 x 8 cm.

Sig. En la base de la pieza RE

PVP. 3.770,00

Trabajos sobre el plano / NO-muro.

Serie de esculturas dedicadas a la geometría de la luz. En ellas Eguino trabaja sobre una superficie plana vaciándola con signos geométricos, con la intención de que la luz logre protagonismo. La luz, se convierte en motivación para trabajar sobre la extensión plana, a modo de pequeña pared. Sobre este plano el artista diseña una sucesión de composiciones lineales donde luz y geometría hilvanan una disertación plástica. El vaciamiento, la perforación lineal del plano/muro permite, que la luz intervenga como protagonista. La superficie bruñida admite la luz, siendo atravesada de un extremo a otro, creando una composición expresiva. La escultura construye así un discurso.

Iñaki Ruiz de Eguino

(Donostia, 1953) Pintore, eskultore eta arte kritikari espainiarrak Europako eszena geometriko artista ospetsuenetarikoa izan zen. Zaragozako Arte Eskolan trebatua eta Forma Taldeko kide aktiboa, Iñaki Ruiz de Eguinok pintura landu zuen lehen garaian, lerro espresionista abstraktu batean, eta horrek laster merezi zuen errekonozimendua: hogeita bat urte baino ez zituen Euskal Pinturaren Sari Nagusia lortu eta konturatu zen. bere lehenengo bakarkako ikuskizuna.

977an hasita, espazio plastikoari buruzko ikerketa jakin bat egin zuen Errealismo Kosmogoniko Magikoa (1977-1980) eta Lau dimentsioko Pintura (1980-1985) lanetan. Bere ospea gero eta handiagoari esker, 1982an Donostian, Bilbon, Gasteizen eta Iruñean ikusgai zegoen «Euskal Geometria» erakusketa ospetsua antolatzea eta Eduardo Chillida, Jorge Oteiza edo Françoise Morellet-en garaierako artistekin harremanetan jartzea eta aurkezpena egiteaz gain. Bere lanaren lehen atzera begirakoak 1986an, Donostiako San Telmo Museoan eta Salamanca Museoan.

Hurrengo hamarkadetan material eta euskarri berriekin zabaldu zuen horizontea. Egurra, burdina, aluminioa, brontzea eta altzairu herdoilgaitza lantzen ditu eskulturan, eta erliebeek eta grabitateekiko interesa du. Euskal tresneriaren elementuak (1985), Kordak + Papera (1988) eta Landa arkitektura (1989) bezalako sailak nabarmentzen dira, 90. hamarkadan jada, Hormigoiaren Kontaminazioa, Intimitate Isila eta Espazio Plastikotasuna. Sari eta bereizketa ugarirekin, bere lan zabala (Europako eta Amerikako hainbat museo, erakunde eta espazio publikok banatuta) gehitu behar zaio arte teoriko eta erakusketako komisario gisa egindako lanari.

www.egino.es

Iñaki Ruiz de Eguino

(San Sebastián, 1953) Pintor, escultor y crítico de arte español considerado uno de los más prestigiosos artistas geométricos del panorama europeo. Formado en la Escuela de Arte de Zaragoza y miembro activo del Grupo Forma, Iñaki Ruiz de Eguino cultivó en sus inicios la pintura, en una línea expresionista abstracta, que mereció pronto reconocimiento: con sólo veintiún años obtuvo el Gran Premio de Pintura Vasca y realizó su primera exposición individual.

Apartir de 1977 emprende una particular investigación sobre el espacio plástico en series de obras como Realismo Cosmogónico Mágico (1977-1980) y Pintura tetradimensional (1980-1985). Su creciente prestigio le permitió organizar la emblemática muestra «Geométricos vascos», que se exhibió en San Sebastián, Bilbao, Vitoria y Pamplona en 1982, y relacionarse con artistas vascos de la talla de Eduardo Chillida, Jorge Oteiza o Agustín Ibarrola, así como presentar la primera retrospectiva de su obra en 1986, en el Museo de San Telmo de San Sebastián.

En las décadas siguientes amplió sus horizontes con nuevos materiales y soportes. En escultura trabaja la madera, el hierro, el aluminio, el bronce y el acero inoxidable, y se interesa por los relieves y las gravitaciones. Destacan series como Elementos de utillaje vascos (1985), Cuerdas + Papel (1988) y Arquitecturas rurales (1989), a las que siguieron, ya en los 90, Contemplación concreta, Intimidad callada y Plástica espacial.

Galardonado con numerosos premios y distinciones, a su extensa obra (repartida por diversos museos europeos, instituciones y espacios públicos) hay que agregar su destacada labor como teórico del arte y comisario de exposiciones.

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/ruiz_de_eguino.htm

Juan Arrosagaray

Arnasaren dentsitatea

Proiektu organikoa da bere adiera guztietan, eta, beraz, prozesuan jarraitzen du.

Bizirik egotea aldarrikatzen du.

Durero eta bere belar marrazkiak ditu buruan (transzendentziara hurbiltzeko modu apala). Baita «Berlin gaineko zerua» ko Wim Wenders ere.

Lau marrazki eta ikus-entzunezko pieza bat ditu. Proiektuaren baldintzak direla eta, jatorrizko marrazkiak niretzat ezinbestekoak diren lau pertsonari oparitu dizkiete.

Bere bertsio digitalek, eskala handian, espazio emozional bat sortuko lukete, non ikus-entzunezkoa kokatuko litzatekeen (konfinamendutik ateraz gero).

Ikus-entzunezko pieza prozesuan dago, beraz, lehen hurbilketa eransten dut.

Irudien neurriak aldakorrak dira (jatorrizkoak ez daude salgai) eta doakoak. Marrazkietan erabilitako teknika kartoi gaineko tempera izan zen, ondoren digitalizatua eta azetato gaineko errotuladorea, idem.

Bideoa, bere garaian, CC ere izango da.

Prezioa: 130,00 €

LA DENSIDAD DEL ALIENTO

Es un proyecto orgánico en todas sus acepciones y, por lo tanto, sigue en proceso.

Reivindica el hecho de estar en/con vida.

Tiene en mente a Durero y sus dibujos de hierbas (una manera humilde de acercarse a la transcendencia). También al Wim Wenders de “El cielo sobre Berlin”.

Consta de cuatro dibujos y una pieza audiovisual. Por las condiciones del proyecto, los dibujos originales han sido regalados a cuatro personas imprescindibles para mí.

Sus versiones digitales, a gran escala, crearían un espacio emocional donde se ubicaría el audiovisual (en el caso de salir del confinamiento).

La pieza audiovisual está en proceso por lo que adjunto un primer acercamiento.

Las dimensiones de las imágenes son variables (los originales no están en venta) y gratuitas. La técnica utilizada en los dibujos fue témpera sobre cartón, posteriormente digitalizado y rotulador sobre acetato, ídem.

El video, en su momento, también será CC.

Precio: 130,00 €

Prestakuntzari dagokionez, hiru une garrantzitsu: Leioako BBAAko lizentziatura 1991n, Erasmus eta Luminyko L ‘École d’ Art-eko graduondokoa Marseillen (1991-1992) eta IZTko kidea. (Irudi eta Teknologia Berrien Gasteizko Zentroa) (1992-1993).

Lan-jarduerari dagokionez, dekoratuak eraikitzeko eta multimedia-ikuskizunak diseinatzeko aldiaren ondoren, gehien eta ondoen definitzen nauena Gasteizko Arte eta Lanbide Eskolan izandako irakaskuntza-esperientzia da. 2000. urteaz geroztik, bideo edo zinema digitaleko tailerra sortu eta koordinatzen dut. Arte digitaleko tailerretan, proiektuetan eta oinarrizko marrazketan ere lan egiten dut.

Nire lan ildo nagusia kolektiboa izan da beti. Bakarka, «Blanco y en botella/Argi eta garbi» proiektua nabarmenduko nuke, eztabaida ibiltariko plataforma gisa sortutako ikus-entzunezko autorretratu politikoko proiektua, Iruña, Bilbo, Gasteiz, Marseille, Donostia, Madril, Bartzelona, Badajoz eta Berriozarren erakutsi zena. Zein da proiektua jasotzen duen bloga?

http://blancoyenbotella-juan.blogspot.com/

A nivel formativo, tres momentos importantes: licenciatura en BBAA de Leioa en 1991, Erasmus y post-grado en l’École d’Art de Luminy en Marseille (1991-1992) e integrante del C.I.N.T. (Centro de Imagen y Nuevas Tecnologías) de Vitoria-Gasteiz (1992-1993).

En cuanto a la actividad laboral, tras el periodo de construcción de decorados y diseño de espectáculos multimedia, el hecho que más y mejor me define es la experiencia docente en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria-Gasteiz. Desde el año 2000, creo y coordino el taller de video o cine digital. También trabajo en los talleres de arte digital, proyectos y dibujo básico.

Mi principal línea de trabajo ha sido siempre colectiva. A título individual, destacaría el proyecto “Blanco y en botella / Argi eta garbi”, un proyecto de autorretrato político audiovisual concebido como plataforma de debate itinerante y que se mostró en Iruña, Bilbo, Gasteiz, Marseille, Donostia, Madrid, Barcelona, Badajoz y Berriozar. El blog que recoge el proyecto es:

http://blancoyenbotella-juan.blogspot.com/

Karmele Etxeandia

ÍCARO, 2020

Ícaro neure buruari ipini nion erronka sortzaile batetik sortu zen. Hamalau auto- erretratu egin nituen murgilduta gauden aldi honen buruzko hitzekin edo kontzeptuekin. Hauen guztien artean, esanguratsuenak “Gauzi” eta “Errautz” hitzak, Ícaro greziar mitoarekin harreman handi bat ikusi nuen. Ícaro-ren erorketa argazki horiekin irudikatu nuen eta gaur egungo egoerarekin lotu nuen: Askatasun nahia, gizartearen erorketa…

Gizakia hainbeste aurreratu da (edo hori pentsatzen dugu), baina azkenenan, planeta honetan bizi garen beste izaki bizidun bat bezalakoak gara. Teknologia, batzuetan huts egiten duen biziraupen tresna bat da. Ez gaude prest buru jainkoak garela sinesteko, eta azkenenan hori bera gure aurka bihurtzen baita. Mitologian bezala, Ícaro uste zuen ez zitzaiola ezer gertatuko eguzki ondoan hegan egiteagaitik, eta bere harrokeriagaitik, hegoak erre zitzaizkion eta itsasora jauzi zen. Guri, gauza bera gertatu zaigu.

Argazki hauek errealitatearen eta mitoaren arteko alderaketa bat da, metáfora bat.

Izenburua: ÍCARO

Teknika: Adobe Photoshop-en egindako autoerretratuak .
Neurriak eta Papera: Fineart Photo rag papera 40 x 40 cm-ko neurrian.

Prezioa: 111,80 € (argazki bakoitza)

ÍCARO, 2020

La serie Ícaro, nació de un reto creativo que me propuse para esta cuarentena. Realice 14 autorretratos con palabras y/o conceptos sobre este periodo en el que estamos inmersos, y cree uno por día. De entre todos ellos, los mas significativos para mi, fueron las palabras “Caer” y “Ceniza” a los cuales vi mucha relación con el mito griego de “Ícaro”. Vi representada la caída de Ícaro con estas fotografías y como estas se podían relacionar con la situación que vivimos hoy en día: El deseo de libertad, la caída de la sociedad…

El ser humano ha avanzado tanto (o creíamos que habíamos avanzado mucho) pero al final, no dejamos de ser un ser vivo mas en este planeta, en el cual, la tecnología es una herramienta mas de supervivencia que a veces falla. No estamos preparados para creernos dioses y echar a volar, porque al final, eso mismo se nos vuelve en contra, muchas veces por el ego. Y al igual que en la mitología, que Ícaro creyó que por volar cerca del sol nunca le pasaría nada y al final cayo, al ser humano nos ha pasado lo mismo. Volamos muy cerca del sol, y nuestras alas ardieron.

Esta pequeña serie no deja de ser una comparación, una metáfora, entre la realidad y un mito.

Titulo: ÍCARO

Técnica: Autorretratos realizados con fotomontaje en Adobe Photoshop. Tamaño: Poster Fineart en papel Photo rag de tamaño 40 x 40 cm

Precio: 111,80 € (cada fotografía)

Karmele-Etxeandia

Karmele Etxeandia Cayon

Leioan jaio nintzen 1992an, eta 27 urte ditut. Txikia nintzenetik marrazketa eta mitología, batez ere greziar eta erromatarra, interesatzen zitzaidan. Urteetan zehar, eta marrazketagaitik, diseinu grafikoa ikasi nuen.

Duela 2-3 urte inguru, argazkigintza
ezagutu nuen. Nahiko autodidakta izan naiz
argazkigintzarekin, onairrizko tailer bat egin
nuen nire auzoan, beste guztia nire kabuz
ikasi dut. Joan den udazkenean, nire
bakarkako lehen erakusketa zabaldu nuen
Portugaleten: “Nire begietatik”. Azken urte
eta erdian egindako paisai argazkien
konpilazio bat izan zen. Argazkilaritzan hasi
nintzenetik gehiago konturatu naiz gizakiok naturan daukagun eragina. Berari esker, turismoaren industria itsasoan duen eragina aztertu dut, bai animalietan bai ingurumenenan.

Ondoren, eta denboraldi tzar bategaitik, autoerretratuak egiten hasi nintzen, eta ondorioz nire buruari gehiago begira jarri nintzen. Argazki eta literaturari buruzko tailer batera joan nintzen eta han, hiru hilabetetan argazki proiektu txiki bat egin behar nuen. Han argazkigintza ihesbide bat izan zitekeela konturatu nintzen eta artista gisa nire burua ezagutzeko beste modu bat. Handik nire lehenengo proiektua sortua zen: “Greta Oto”. Bertan, 15 auto-erretratuetan, nire eboluzio pertsonala ikusi daiteke.

Karmele Etxeandia Cayon

Nací en Leioa en 1992, y tengo 27 años. Desde pequeña me intereso dibujar y todos los mundos fantásticos de la mitología, la griega y la romana sobre todo. Con el paso de los años, y por mi gusto al dibujo, estudie diseño grafico para poder darle una salida a aquello que me gustaba.

Hace 2-3 años aproximadamente, descubrí la fotografía. He sido bastante autodidacta con ella, solo realice un taller muy básico en mi barrio pero que me sirvió para ir tirando del hilo y ver que camino fotográfico me interesaba mas. El otoño pasado, inaugure mi primera exposición en solitario en la localidad de Portugalete. “Desde mis ojos” fue como se llamo la exposición. Fue una recopilación de los paisajes que había retratado en el ultimo año y medio, y como este había cambiado mi forma de ver el mundo y el impacto que el ser humano estaba teniendo en la naturaleza. Gracias a el, estudie el impacto que la industria del turismo tenia en los seres marinos, como el delfín o las tortugas. A como los residuos plásticos vertidos al mar afectaban a las ballenas y a su población o la pesca masiva de tiburones había diezmado a mas de la mitad su población en todo el mundo.

Después de esto, me metí de lleno en el autorretrato y a mirar mas hacia mi misma, hacia dentro. Volví a realizar un pequeño taller sobre fotografía y literatura en el cual teníamos que realizar un pequeño proyecto fotográfico en tres meses. Allí descubrí que la fotografía también podía ser una vía de escape, una forma mas de realizarme como artista, y de ahí cree mi primer proyecto “Greta oto” en el cual hablo sobre como he evolucionado como persona en una serie de 15 autorretratos.

Cova Orgaz

ESKULTURA

Kartoi berrerabili eta polikromatuarekin egindako eskultura da nire proposamena, kalitatezko berniz mate akriliko batekin amaitua. Gorila-kume bat irudikatzen duen busto luze bat da.

PROZESUA

Hau kartoizko eskultura da eta barrualdea ere kartoizkoa da. Ez ditut nire eskulturen barruko egiturak egiten, eta ez dut aurretiazko zirriborroekin lan egiten, ezta ereduekin ere.

Nire piezak modu zuzenean burutzen ditut, aldi berean eraikiz eta zuzenduz. Azken akabera oso ezkutukeria adierazkorra da, informala eta hiri-itxurakoa.

Eskulturare mantenimendua liburu batek eska dezakeen berbera da: ez busti, ez igurtzi eta ez busti. Luma edo ganuza leun batekin garbitzen da.

Prezioa 715,00 € 

ESCULTURA

La propuesta trata de una escultura realizada con cartón reutilizado y policromado, acabada con un barniz mate acrílico de calidad. Consiste en un busto largo que representa una cría de gorila.

PROCESO

Ésta es una escultura de cartón y el interior también es de cartón. No fabrico estructuras interiores a mis esculturas y no trabajo con bocetos previos ni modelos.

Esculpo mis piezas de forma directa, construyendo y corrigiendo al mismo tiempo. El acabado final es una escutura muy expresiva, informal y de aspecto urbano.

El mantenimiento es el mismo que puede requerir un libro: no mojar, no frotar y no rociar. Se limpia con un plumero o gamuza suave.

El precio final es de 715,00 €

cova-orgaz

BIO

Duela bi urtetik, gutxi gorabehera, kartoiarekin egiten dut lan, eta hori da gustatzen zaidana. Egia esan, kartoiarekin lan egin izan dut beti, baina ez behin betiko material gisa, zirriborro edo prototipoetarako baizik. Kartoizko animaliak egiten ditut. Animaliek forma desberdin asko dituzte, gizakiek ez. Animaliek bolumen ezberdin asko dituzte, ehundura desberdin askorekin, pisu eta mugimendu desberdinekin. Hori kopiatzeko gai izan nahi dut. Eta kartoiarekin, tiroz ere obeditzen ez duen materiala dela. Berrerabilitako kartoiarekin, zikinduta edo erabileraren zimurrekin datorrena, baina piezari berezko nortasuna ematen diona.

Nire piezak eraikitzeko ez dut inoiz zirriborrorik egiten, ibilera gainean eraikitzen eta korritzen dut. Lan informala da, zuzena eta behin betikoa. Gustuko dudan argazki batetik abiatzen naiz, baina inoiz ez hiru dimentsioko zerbaitetik. Motelagoa izan daiteke, baina espazio-gaitasun ona dut. Emaitza bat-batekoa eta gordina da.

WEB: covaorgaz.com

INSTAGRAM: @covaorgaz

FACEBOOK: Cova Orgaz

EMAIL: cova.orgaz@gmail.com

BIO

Desde que estudié arte en la Escuela de Artes aplicadas y Oficios de Burgos fui durante años recorriendo talleres de autores a los que admiraba, como Mikel Campo Argote, Amaia Conde Chiralt o Agustine Bukari, y escuelas como la ya desaparecida Debako Arte Eskola.

Aprendí y trabajé en las distintas disciplinas escultóricas.
Hice forja, fundición, moldes, cerámica y alfarería, esmaltes al fuego, talla de madera, labrado en piedra y, sobretodo, modelado.

Probé todo tipo de materiales: ceras, siliconas, resinas y cargas, metales y pátinas, maderas, arcillas y vidrio para soplar. Y trabajé para otros artistas construyendo moldes y estructuras. He tenido pupas de todos los colores.
Cuando instalé mi taller definitivamente en el País Vasco comencé a construir obra propia modelando cuerpos humanos y animales en tamaño natural.

Soy muy buena copista, hubiera sido una gran falsificadora.

WEB: covaorgaz.com

INSTAGRAM: @covaorgaz

FACEBOOK: Cova Orgaz

EMAIL: cova.orgaz@gmail.com

Colin Hoisington

Obraren azalpena

ArtDemia deialdira aurkezten dudan margolan hau lantzen ari naizen serie baten parte da. “Blackfoot solo” izeneko honek, bereziki, isolamendu eta bakardade sentimenduak nabarmendu nahi ditu, hain ezagunak ditugunak Covid-19aren pandemia dela eta bizi dugun konfinamendu garaian. Aurkezten dudan progtagonistak kontenplazio-sentsazioa proiektatzen du, bere buruarekin eta ingurugiroarekin duen harremanaren inguruan hausnartzen duen bitartean.

Posible al da egoa gailentzen ez duen gizateria batera itzultzea? Testuinguru handiago baten parte garela sinesten duenera? izaki gorenak bihurtzen ez gaituen batera? Margolan hau parte den sortaren bitartez, galdera hauei erantzun irekia eman nahi diet. Indigenak irudikatzen ditut eta ohoratzen ditut. Beraien ingurune naturalean daudela, pentsamenduaren maila sakonagoetara garraiatzen gaituzte.

Herriak, kultura gutxituak eta planeta bera erasotzen dituen suntsipen garaia bizi dugu, Euskal Herritik Amazoniara arte. Krisi global honetatik ateratzeko elkarrekin lan egin behar dugu. Ezagutzak partekatu. Hain zuzen ere, agian, gehien behar dugun ezagutza mota da gutxien ezagutzen duguna; lurrarekin konektatzeko aukera ematen duen jakinduria. Ingurunea, flora eta fauna behatzearen bidez ikastean oinarritzen dena. Adimen mota hau milaka urtetan naturarekin harmonian bizi izan diren kultura indigenetan aurkitzen dugu. Eta, zorionez, ez dugu oso urrutira joan behar hori egiaztatzeko, euskal kulturan horren adibideak ditugu eta.

Nire lanak errealismoa, surrealismoa, psikodelia ukituak, keinu eta forma abstraktuak konbinatzen ditu… horietako bat ere ez dela nagusi. Konposizioek aukera zabala eskaintzen diote ikusleari, ezarritako sinesmen-mugak askatzen laguntzeko asmoz. Pintzelkada eta erabaki piktoriko bakoitzaren helburua da aukera sorta bat irekitzea, eraldaketa eragiteko eta pentsamendu desberdina pizteko. Existentzia nabarmentzea eta pentsamendu desberdina piztea, norberaren mikrokosmosa sendatzetik makrokosmos unibertsala eskuratzeko. Gizabanakoaren mugak desegiteko bultzada adierazten duen mundu bat irudikatzen dut, banandu beharrean, sintesi bidezko giza elkartasuna sustatuz.

Título: Blackfoot Solo

Dimensiones: 160 x 100 cm

Técnica: Óleo sobre lienzo

Precio: 2.600,00 €

Descripción de la obra

La pintura que presento a ArtDemia forma parte de una serie en la que estoy trabajando. Ésta en particular, titulada “Blackfoot solo”, enfatiza sentimientos de aislamiento y soledad tan extendidos en este momento actual de confinamiento debido a la crisis por la pandemia del Covid-19 . La figura proyecta una sensación de contemplación, de reevaluar su relación consigo mismo y su medio ambiente al fondo.

¿Es posible cambiar la perspectiva y volver a una humanidad donde el ego no nos coloque como seres superiores, sino como individuos que forman parte de un contexto más grande, de planeta y evolución? Ésta serie es una respuesta abierta a esta pregunta. Represento personas indígenas honrándolas en su ambiente natural, que sirven de vehículo para atraer y guiar hacia niveles más profundos de pensamiento.

Vivimos en un época de destrucción que afecta a nuestro planeta y a las culturas y pueblos minoritarios, desde Euskal Herria hasta la Amazonía. Para poder salir de ésta profunda crisis global vamos a tener que trabajar unidos y poner en común todos los conocimientos posibles. Precisamente, quizás el tipo de conocimiento que más necesitamos sea el que más ignoramos; una sabiduría que permite la conexión con la tierra, que se basa en nutrir, cuidar, sanar, explorar el medio ambiente y en el aprendizaje a través de la observación del entorno, la flora y la fauna. Este tipo de inteligencia la encontramos, sin embargo, en las culturas indígenas que han vivido en armonía con la naturaleza durante milenios. Y, afortunadamente, no tenemos que ir muy lejos para comprobarlo, ya que en la cultura vasca podemos ver ejemplos de ello.

Mi obra combina aspectos del realismo con el surrealismo, toques de psicodelia, gestos y formas abstractas… sin que ninguno de estos aspectos sea predominante. Las composiciones albergan múltiples opciones para facilitar la liberación de las limitaciones de creencias establecidas. Cada trazo y decisión pictórica tiene el propósito de abrir un abanico de posibilidades para provocar transformación y estimular un pensamiento diferente, intensificar la existencia y facilitar la sanación del microcosmos de uno mismo hasta el macrocosmos universal. Un mundo que expresa el impulso de disolución de los límites del individuo, promoviendo la solidaridad humana por síntesis en lugar de separación.

Título: Blackfoot Solo

Dimensiones: 160 x 100 cm

Técnica: Óleo sobre lienzo

Precio: 2.600,00 €

BIO

Colin Hoisington Kalifornian (AEB) jaio zen, eta Seattle kanpoaldean (Washington) hazi zen. 17 urterekin, Kaliforniara itzuli zen eta bi lizentziatura ikasi zituen, Arte Ederrak eta Zientzia Biologikoak, Kaliforniako Unibertsitatean (Santa Barbara). Ikasketak amaituta, hainbat urtez San Frantziskon (Kalifornia) bizi izan zen, eta hango galeria txikietan eta erakusketa kolektiboetan erakutsi zituen bere lanak.

2007an Nikaraguara joan zen bizitzera, bi urtez; han, muturreko pobrezian bizi diren auzo eskoletan irakasle boluntario gisa aritu zen artea irakasten gazteei. Geroago, Madrilera (Espainia) joan zen, eta han Gizarte Zentro bateko doako eskola baten garapenean parte hartu zuen, Arte Sozialeko tailerrak eta proiektuak sortuz.

Gaur egun Euskal Herrian bizi da artista, eta 2014an master bat egin zuen Euskal Herriko Unibertsitatean (EHU) Artearen Sorkuntzan eta Ikerketan.

Orain EHUko irakaslea da pintura masterreko eskolan. Gaur egun, arte doktoretza egiten du, Bilboko bere estudioan praktikatzen jarraitzen duen bitartean.

BIO

Colin Hoisington, nacido en California, EEUU, creció en las afueras de Seattle (Washington). Con 17 años, regresó a California donde estudió dos licenciaturas al mismo tiempo, Bellas Artes y Ciencias Biológicas, en la Universidad de California (Santa Bárbara). Acabados sus estudios, vivió varios años en San Francisco (California) donde expuso sus obras en pequeñas galerías y en exhibiciones colectivas.

En 2007 se mudó a Nicaragua por dos años, allí estuvo enseñando arte como profesor voluntario a jóvenes en escuelas de barrios de pobreza extrema. Más tarde, se trasladó a Madrid (España) donde participó en el desarrollo de una escuela gratuita de un Centro Social, creando talleres y proyectos de Arte Social.

El artista actualmente vive en el País Vasco, (España) donde estudió un máster en 2014 en Creación e Investigación en Arte por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU).

Ahora es profesor de la UPV/EHU en la escuela de máster de pintura. Actualmente realiza el doctorado en arte mientras sigue practicando en su estudio de Bilbao.

iF Matxikote

Kuraia

Azalpena

Akerbeltzen irudia akelarreen giro askeari eta ondorioz askatasunari lotzen diogu.
Gure burua identifikatzeko baliatu dut hortaz, egoerari buruz dugun irakurketa edozein izanik ere, denok izanen dugulakoan Askatasuna amets.
Mundu libre batean bizi garela diote batzuek. Alta, pandemia gabeko garaietan ere, soldata minimoa edo gutxiagoko lansaritzat duena, ala karrikan bizi dena, egunerokotasuna bizirauteko borroka astun eta nekagarri bezain bortitza bezala halabeharrez pairatzen duenak askatasun hori gozatzen al du? Zentralizazioen ondorioz “basamortu” ahantzi eta gero aberatsen eremu bilakatzen diren eskualdeetako herritarrak libre ote dira? Eta generoagatik, orientazio sexualagatik, azal koloreagatik edota bertako hizkuntzan mintzatzeagatik zapalduak direnak?
Mundu Libre batek egin al diezaioke kalte bere buruari, bizitzeko beharrezkoa duen Amalurrari?
Jendarte eri eta itsutuan bizi garela iduritzen zait eta horregatik Akerbeltzen aurpegia zauriturik aurkezten dizuet.

Koronabirusak testuinguru horretan jo gaitu. Pandemiak ateak itxi dizkigu, etxeetako ateak. Ametsetako etxea, onarpen sozialerako objektua, obsesiorako gaia; babeserako aterpe batzuentzat, espekulatzeko gauza materiala besterik ez besteentzat, baina denen buruan. Gehienontzat etxea intimitate eremua da, eta egungo egoerak presondegi arraro bihurtu digu.

Zientzia fikziotik ateratako garai honetan denok gaude konektatuta, harreman sozial zabalerako gelditzen zaigun unibertso numerikoari lotuta, sarean harrapatuak… eta zainduak.
Hesiak altxatu dira, ez zen Akerbeltz, ez zen askatasunaren bidea, zomorro ilun baten iruzurra baizik, eta bere zepoan erori gara. Kontrola mundu birtualean, kontrola karriketan, errepideetan. Mila begi guri so.

Urtez urte, hamarkadatan soka ezberdinak ugaritzen joan zaizkigu. Soka zatiak tramankulu orokorrago baten osagaiak ziren. Mugimendu aukera oro ezin bilakatzen duten loturak. Zomorroaren hankak.

Hala ere, egoera oker horrek zenbait gogoeta eta galdeketa piztu ditu gure artean (behar bada betiko utopiston burutan?). Hor dugu Akerbeltz berpizteko gogoz; begi bat, beharturik bada ere, erne dauka, zertan garen ohartzeko.

Dena den, aldaketa ez dago osoki gure esku… betiko interesatu aberatsek eta segitzen/babesten dituztenek errutina berraktibatu lezakete deus izan ez balitz bezala, askatasun gutxiagorekin guretzat hain segur. Iruzurrekoa izan ala ez, Akerbeltz musukatuko dugu, ilusioan biziz ala beste eredu batez gozatuz.

Obra honek tresna magiko batek bezala eragin dezan opa dezagun, okerrena irudikatuz, berau usatu eta garai hobeak ekartzeko. Kasu guztietan kuraia eta kemena beharko ditugu.

 

Obraren fitxa

Neurriak: obraren izaera berezia dela-eta aurkezpen lekuaren arabera egoki daiteke. Horregatik neurriak era ezberdinetan proposatzen dizkizuet:
– masakara bizarra barne: 80 x 54 x 40 cm.
– Sokak kontuan hartuz eta aurkeztu bezala: 190 x 225 x 40 cm (sokek espazio gutxiago har lezakete-eta).

 

Prezioa: 900,00 €

 

Deskribapena

“Kuraia” egurrezko maskara bat da, akerbeltz baten buruaren antzera bi adar dituela dirudiena. Zurdezko bizar luzea du.

Kopetan etxetxo bat dago, zurezkoa, zuriz emokatua.

Akerbeltzen maskarak bizirik dirudi, zauriturik: aurpegiaren erdia zarakar lodi batez estalia (egur azala arinki gain errea). Alde horretako begia itxita dago, beharrez, metalezko puntuekin.

Beste aldea sutan belztua da eta bertako begia berriz, bortxaz zabaldurik dago, begia bera (zurezko kanika akrilikoz margotua) bere lekutik aterata eta guri so.
Begien ingurua emokatzekoaz egina da, akrilikoz margoturik.

Aurpegiaren ingurune osoan burdinezko 10 makil beltz daude, maskaran sartuak, izpien atzera ateratzen direnak. Denak batzen dituen eta horiei jarraikiz biraka ehundutako kotoizko hari batez armiarma sare baten antzeko zepoa dago; horrek denak hesitura handi bat osatzen du.

Makil bakoitzaren puntan begiak daude (zurezko kanika akrilikoz margotuak), alanbre puntatan, guri so. Amaitzeko, sei kalamuzko soka agertzen dira, maskaran batzen direnak.

Kuraia

Exposición:

“Txakurrak itzultzen dira Betiko lepoko berakin Salbuespen egoerak Negua du betikotzen”

Kuraia – Akerbeltz – 2003

La figura de Akerbeltz se asocia al ambiente libre de akelarres y en consecuencia a la libertad. Por lo tanto, he aprovechado para identificarnos, independientemente de nuestra lectura de la situación, esperando que todos podamos soñar con la libertad. Algunos dicen que vivimos en un mundo libre.

Pero, aun en tiempos sin pandemia, el que tiene un salario mínimo o inferior, o el que vive en la calle, el que sufre la cotidianidad como una lucha pesada y penosa, pero violenta, para sobrevivir, ¿disfruta de esa libertad? ¿Son libres los ciudadanos de las regiones que, como consecuencia de las centralizaciones, olvidan el «desierto» y se convierten en zonas de ricos? ¿Y los que son oprimidos por el género, la orientación sexual, el color de piel o la lengua autóctona? ¿Puede un mundo libre dañarse a sí mismo, al Amalur necesario para vivir? Me parece que vivimos en una sociedad enferma y cegada, por lo que les presento la cara de Akerbeltz herida.

El Coronavirus nos ha tocado en ese contexto. La pandemia nos ha cerrado las puertas, las puertas de las casas.

La casa de los sueños, el objeto de la aceptación social, el tema de la obsesión; para unos refugios de protección, nada más que cosa material para especular, pero en mente de todos.

Para la mayoría la casa es un campo de intimidad y la situación actual nos ha convertido en una prisión extraña.

En esta época extraída de la ciencia ficción todos estamos conectados, unidos al universo numérico que nos queda para una amplia relación social, atrapados en la red… y cuidados. Se han levantado barreras, no era Akerbeltz, no era el camino de la libertad, sino el timo de un bicho oscuro, y hemos caído en su cepo. Control en el mundo virtual, control en las calles, en las carreteras. Mil ojos mirándonos.

Año tras año, durante décadas nos han ido proliferando las diferentes cuerdas. Los trozos de cuerda formaban parte de un artefacto más general. Enlaces que no pueden transformar toda posibilidad de movimiento. Las piernas del bicho.

Sin embargo, esta situación errónea ha suscitado algunas reflexiones e interrogantes entre nosotros (¿acaso en la mente de los utopistas de siempre?). Ahí tenemos a Akerbeltz con ganas de revivir; un ojo, aunque forzado, tiene alerta para darse cuenta de lo que somos.

Sin embargo, el cambio no está del todo en nuestras manos… Los ricos interesados de siempre y los que siguen/protegen podrían reactivar la rutina como si nada, con menos libertad para nosotros tan seguro. Sea o no fraudulento, besaremos a Akerbeltz, viviéndolo en ilusión o disfrutando de otro modelo.

Deseamos que esta obra actúe como un instrumento mágico, imaginando lo peor, para usarlo y traer tiempos mejores. En todos los casos necesitaremos valor y coraje.

 

Ficha de la obra

Nombre de la obra: Kuraia

Dimensiones: por el carácter especial de la obra se puede adaptar en función del lugar de presentación. Por eso os propongo medidas de diferentes formas: – Incluida la barba masacre: 80 x 54 x 40 cm. – Teniendo en cuenta las cuerdas y tal y como se han presentado: 190 x 225 x 40 cm. (porque las cuerdas podrían ocupar menos espacio).

 

Precio: 900,00 €

 

Descripción

El «valor» es una máscara de madera que parece tener dos ramas como la cabeza de un akerbeltz. Tiene una larga barba de madera.

En la frente hay una casita de madera enlucida de blanco.

La máscara de Akerbeltz parece viva, herida: la mitad de la cara cubierta de una gruesa costra (corteza de madera ligeramente quemada). El ojo de este lado está cerrado, por necesidad, con puntos metálicos.

El otro lado está ennegrecido por el fuego y el ojo está abierto violentamente, el ojo mismo (pintado con canicas acrílicas de madera) salido de su sitio y mirándonos. El contorno de los ojos es de revoco, pintado con acrílicos.

En todo el entorno de la cara hay 10 palos negros de hierro, enmascarados, que salen detrás de los rayos. Con un hilo de algodón que los une a todos y que se va tejiendo, hay un cepo parecido a una red de arañas que forma un gran cercado.

En la punta de cada palo hay ojos (pintados con canicas acrílicas de madera), en puntas de alambre, mirándonos. Para terminar, aparecen seis cuerdas de cáñamo que se unen en la mascarilla.

BIO

iF-ek (Yves Matxikote Jorajuria, 1977) batez ere tinduan garatzen badu ere bere desmartxa, Baionako eta Bordaleko Arte Ederretako goi eskoletan euskarri eta teknika ezberdinak probatzeko barneratu zuen ohiturarekin segitzen du.

Funtsean ez zaio gustatzen ez arlo batera ez estilo batera mugatzea. Esploratzea du gustuko eta ikerketa horretan gaiak du garrantzia.

Arte engaiatua garatzen du. Jendartea eta gizakiaren baldintzak ditu inspirazio iturri.

Gauzak bizitzen dituen bezala, zeharkako biderik gabe, gordinki, ekartzen ditu; eta bere munduan murgiltzen laguntzeko formatu handiak ditu gogoko.

Gizakiak margotzen eta soldatzen dituenean, gu margotzen eta soldatzen gaitu. Ingurumena eta hiria modelatzen dituenean, gu jartzen gaitu erdigunean.

Zer gara? zertan ari gara? guhaur, gure jendartea, agintzen dugunok, jasaiten dugunok? Zer ondorio ditu edozerk gure bizian, gure larruan eta ondokoenetan?

Galderak atertu gabe eta erantzun aukerak beste horrenbeste, irudikapen bideak nahi beste.

Arrak eta Garrak (2011), Isilduak (2012-2019), Hirisilduak (2018-) eta etorriko direnak zentzu horretan kokatzen diren puzzle baten piezak dirudite… Hausnarketaren eiherari goroldioa atera ez dakion eta itaunak zintzurrean ito ez daitezen piezak.

Gauzak ezberdinak izan daitezkeelako beti

BIO

Si bien iF (Yves Matxikote Jorajuria, 1977) desarrolla sobre todo en tinte, continúa con la costumbre de probar diferentes soportes y técnicas en las escuelas superiores de Bellas Artes de Bayona y Bordal.

En el fondo no le gusta limitarse a un área ni a un estilo. Le gusta explorar y en esa investigación importa el tema.

Desarrolla un arte comprometido. Se inspira en la sociedad y en las condiciones del hombre.

Tal y como vive las cosas, las trae sin medios indirectos, brutalmente, y le gustan los grandes formatos que le ayudan a sumergirse en su mundo.

Cuando el ser humano pinta y suelta, a nosotros nos pinta y nos suelta. Cuando modeliza el medio ambiente y la ciudad, nos pone a nosotros en el centro.

¿Qué somos? ¿Qué estamos haciendo? ¿Qué consecuencias tiene cualquier cosa en nuestra vida, en nuestra piel y en la de los demás?

No se atascan las preguntas y las opciones de respuesta sean tantas como se quiera.

Machos y Fuegos (2011), Silenciados (2012-2019), Hirisilduak (2018-) y los que vendrán parecen piezas de un puzzle que se enmarcan en ese sentido … para que no se saque el musgo a la jungla de la reflexión y no se ahoguen en la garganta los interrogantes.

Porque las cosas pueden ser siempre diferentes.

Uxue Bereziartua

ETXE BAT SORTU NUEN BEHIN HORRELAKO EGUNETARAKO

Izena Etxe bat sortu nuen behin horrelako egunetarako I, II eta III

Egilea BEREXI ART, Uxue Bereziartua Lonbide

Data 2020ko martxoa

Teknika Sorkuntza digitala. Inprimaketa 300 gramajeko mate lamina zurian

Neurriak 420×297 cm

Prezioa 90,00  €/ilustrazioa

Obraren deskribapena

Azken asteetan etxetik kanpo egotearen gogoaz jende pila entzun dut hitz eta hitz. Itolarriak jota etxean egon ezin direla oihukatuz etxeetako lau pareten zirrikituren batetik ihes egin eta norbaitek entzungo dituelakoan. Etxean egotekoa naiz, batzuetan besteetan baino gehiago, baina bertatik ateratzea debekatua edukitzeak ere ito egiten dit niri. Ariketa hau egin nuen beraz, barrura begirada bat. Dudanaz gozatzea eta deserosotasunak erosotasun bilakatzea.

Etxe bat sortu nuen behin horrelako egunetarako. Non badudan zer egina, orduak motz geratzeraino. Non badakidan bakarrik egoten, sarri gogorra egiten den arren; bai eta jendearekin ere, eta gustura nago haiekin. Non onartzen dudan batzuetan aspertu egingo naizela, eta besteetan ingurukoak asperrarazi.

Denbora luzeko lana da etxe bat sortzea. Loreak bezain beste zaindu behar dira xehetasun txikienak. Denbora hartu behar da eta bakardadeak bilatu, deserosoak badira ere. Zuretzako, haientzako, haizearentzako. Gustuko gauzak egin eta ez hain gustukoak. Bizitza bat sortu behar da espazio batean, mikroklima bat. Eta nik etxe bat sortu nuen behin horrelako egunetarako, ikusi ezin dena. Eta zuk ez baduzu, inoiz ez da berandu.

ETXE BAT SORTU NUEN BEHIN HORRELAKO EGUNETARAKO

Nombre: Etxe bat sortu nuen behin horrelako egunetarako I, II eta III

Autor: Berexi art, Uxue Bereziartua Lonbide

Fecha: Marzo 2020

Creación Técnica Digital. Impresión en lámina blanca mate de 300 gramos

Dimensiones 420×297 cm

Precio: 90,00  €/ ilustración

Descripción de la obra

En las últimas semanas he oído hablar a mucha gente del deseo de estar fuera de casa. Al grito de que no pueden estar en casa, asfixiados, se escapan por alguna rendija de las cuatro paredes de las casas y esperan que alguien los oiga. Soy de estar en casa, a veces más que a veces, pero también me asfixia tener prohibido salir de ella. Así que hice este ejercicio, una mirada hacia adentro. Disfrutar de lo que tengo y convertir las incomodidades en comodidad.

Una vez creé una casa para este tipo de días. Dónde tengo algo que hacer, hasta el punto de que las horas se quedan cortas. Sé dónde estar solo, aunque a menudo se hace duro; también con la gente, y estoy encantado con ellos. Donde admito que unas veces me aburriré, y otras aburriré a los demás.

Es un trabajo de mucho tiempo crear una casa. Los detalles más pequeños deben cuidarse tanto como las flores. Hay que tomarse el tiempo y buscar soledades, aunque sean incómodas. Para ti, para ellos, para el viento. Hacer cosas que te gusten y no tan agradables. Hay que crear una vida en un espacio, un microclima. Y yo creé una casa una vez para este tipo de días, que no se puede ver. Y si tú no lo tienes, nunca es tarde.

Artistaren biografia

Uxue Bereziartua Lonbide (Hernani,1996)

Ezin ulertu nezake nire ibilbide feminista nire sorkuntza lana gabe, ez eta sorkuntza ibilbidea ikuspegi feminista gabe. Gorputza jarri nahi izan dut erdian. Gizena, iletsua, elbarria, emakumezkoa, edo ez, disidentea.

Berexi Art militantzia izan da. Ideia batzuk zabaltzeko bidea, pentsamendu bat lantzekoa, errealitate bat erdian jartzekoa, komunitate bat sortzekoa. Baina terapia ere izan da. Gorputzarekin lanketa bat, zerotik haste bat. Autozaintza eta ahalduntzea.

Ilustrazio bakoitza benetan existituko litzakeen pertsona bat bezala margotzen saiatzen naiz. Bizipen hori zentroan jartzen, bere zauriekin, minekin, pozekin edo orbanekin. Ikusteko, gustatzen zaiguna onartu eta gustatzen ez zaiguna zalantzan jartzeko, akatsak onartzeko, ondokoa miresten hasteko eta gure burua zaintzeko. Besteak maitatzeko guretik hasi behar garelako, barruak irekitzea da nire proiektua, ondoren kanpora askatzeko.

berexi.art@gmail.com

Instagram: @berexiart

Facebook: @berexiart

Biografía de la artista

Uxue Bereziartua Lonbide (Hernani, 1996)

No podría entender mi trayectoria feminista sin mi trabajo creativo, ni mi trayectoria creativa sin mi visión feminista. He querido poner el cuerpo en el centro. Gordo, peludo, minusválido, femenino, o no, disidente.

Berexi Art ha sido militante. El camino de abrir algunas ideas, de trabajar un pensamiento, de poner en el centro una realidad, de crear una comunidad. Pero también ha sido terapia. Una elaboración con el cuerpo, una iniciación desde cero. Autocuidado y empoderamiento.

Intento pintar cada ilustración como una persona que realmente existiría. Poniendo esa vivencia en el centro, con sus heridas, sus dolores, sus alegrías o sus manchas. Para ver, para aceptar lo que nos gusta y para dudar de lo que no nos gusta, para reconocer los errores, para empezar a admirar al de al lado y cuidarnos a nosotros mismos. Porque tenemos que empezar por lo nuestro para amar a los demás, mi proyecto es abrir los interiores para luego liberarlos al exterior.

berexi.art@gmail.com

Instagram: @berexiart

Facebook: @berexiart

Uxue Martín

Obrak

Bi obrek esposizio bikoitza izeneko teknikarekin eginda daude. Hots, geruzak fusio bidez uztartzen dira eta efektu propioak eta bereziak sortzen dituzte. Gainera, oleo pintzelen bidez detaileak nabarmendu dira.

Obras

Ambas obras están realizadas con la técnica denominada doble exposición. Es decir, las capas se combinan por fusión y producen efectos propios y especiales. Además, se han destacado los detalles a través de pinceles de óleos.

Hegan

29,7×42

65,00 €

Covid-19 deituriko birusak kanpoko mundua kendu dio gizarteari. Badaude pertsonak non hegan egin behar duten, zeruarekin bat egin alegia. Eta ezin. Askatasuna joan egin
da. Adibidez, Usoa aireportuan lan egiten duen piloto baten sentimendua. Hegan egin gabe, ezin daiteke bizi. Ezinegonak hartuko du, behingoz, airera gerturatzen ez bada.

Hegan

29,7×42

65,00 €

El virus llamado Covid-19 ha arrebatado el mundo exterior a la sociedad. Hay personas que tienen que volar, unirse al cielo. Y no pueden. La libertad se ha ido. Por ejemplo, el sentimiento de un piloto que trabaja en el aeropuerto de Usoa. Sin volar, no se puede vivir. Se impacientará, por una vez, si no se acerca al aire.

Zein egun da gaur?

29,7×42

65,00 €

Bada denbora ihes egin duela. Egunak monotonian erori dira, nahiz eta gertu, gomendioak egon burua oskarbi izateko. Etxeko lau parteak lausotzen dute momentua. Kaleko argiak ez du laguntzen testuingurua ezagutzen, bakarrik gaueko txaloek. Esaten dute denbora relatiboa dela, eta bai, relatibotik ahaztura izatera igaro da.

Zein egun da gaur?

29,7×42

65,00 €

Hay tiempo que se ha escapado. Los días han caído en monotonía, aunque cerca, hay recomendaciones para que la cabeza esté despejada. Las cuatro partes de la casa difuminan el momento. La luz de la calle no ayuda a conocer el contexto, solo los aplausos de la noche. Dicen que el tiempo es relativo, y sí, ha pasado de lo relativo a lo olvidado.

Biografia

Kaixo, Uxue Martin naiz izenez, baina artearen munduan nahiago dut Uxusofia izatea, eta artista bisuala naiz; ikasketez kazetaria izan arren. Txikitakik izan naiz irudiaren zalea, izan ere, filmak, saioak ikustera animatzen nintzen argazkiagatik. Horrela, argiarez garrantziaz oharturik kamerarekin probatzen hasi nintzen, nire ereduak ziren irudiak Uxusofia bihurtzea. Alegia, Emmanuel Lubezkiren edo Francesca Woodmanen estiloak nire errealitatera aplikatzeari ekin nion.

uxusofia@gmail.com

Instagram: @uxusofia

Biografía

Hola, soy Uxue Martin, pero en el mundo del arte prefiero ser Uxusofia, y soy una artista visual, aunque sea periodista por estudios. Desde pequeña he sido una gran aficionada a la imagen, ya que me animaba a ver películas, sesiones por la fotografía. Así, notando la importancia de la luz, empecé a probar con la cámara que las imágenes que eran mis modelos se convirtieran en Uxusofia. Es decir, empecé a aplicar los estilos de Emmanuel Lubezki o Francesca Woodman a mi realidad.

uxusofia@gmail.com

Instagram: @uxusofia

Yone Estívariz

«Kanpokoa desagertzen eta iluntzen denean, eta eskuraezinak diren desioak irrikatzen direnean… barrena limurtu nahian ibiltzen da, irudikatu eta infinituaren indarrarekin azaltzen da. Horrela oihukatzen du edertasunaren suminak, lausotu egiten da izateari utzi arte.»


«Cuando el afuera se desvanece, se ensombrece y se anhela como deseo inalcanzable… el adentro se insinúa, se hace figura y se desvela con la fuerza de lo finito. Así es como la furia de la belleza grita y se difumina hasta de dejar de ser.»

 

TÍTULO 1: IN/OUT TAMAÑO: 30X45

TÉCNICA: DIGITAL IMPRESIÓN PAPEL SMOOTH PEARL 310GR

PRECIO: 104,00 €

TÍTULO 2: ESTADO DIFUSO 

TAMAÑO: 60X25 TÉCNICA:ESCANEO POLAROID MPRESIÓN PAPEL SMOOTH PEARL 310GR 

PRECIO: 130,00 €

Selección de dos imágenes dentro del proyecto IN_OUT en relacción a la pandemia del Covid 19. Proyecto íntimo describiendo el paso del tiempo. Las luces y las sombras que invaden el día a día

BIO

Argazkilaria, begiratzea ekintza inkontzientea izatetik kontzientea izatera pasatu zen egunetik. Eszena bat osatzen duten xehetasunei erreparatzen hasi nintzen, eta argia bidaia-lagun leial gisa integratzen. 2008tik 2011ra argazkilaritza ikasketak Gasteizko Arte eta Lanbide Eskolan eta ID-Artean hasi nituen. 2009an Gaste Klik argazki lehiaketako irabazleetako bat izan nintzen. Hortik, ehunka kilometro hegoalderago joan nintzen, Madrilera, EFTIko plantillako kide izateko, eta han Luis Maliban eta Miguel Oriolarekin elkarlanean aritzeko plazera izan nuen, besteak beste. Hainbesteko gogoa nuen urrutira hegan egiteko, non Indian bukatu bainuen lanean, Anantapurren. Leku bat non hainbat emakumeren errealitateari argazkia atera ahal izan nion hainbat ospitaletan, Vicente Ferrer Fundazioari esker. Eta istorioak kontatzen hasi nintzen, argazkien bidez. 2011n Londresera joan nintzen, eta han LSP eskolan ikasi nuen. Argazki sozial gisa hasi nintzen lanean, familiei erreportajeak egiten, ezkontzak… gaur egun ere jarraitzen duen lana, «Nimbo, lifestyle photography» zigiluaren bidez. 2018tik 2020ra arte, Vital Fundazioarentzat eta Gasteizko Udalaren «go Gasteiz Kultra» plataforma digitalarentzat ere aritu naiz lanean. Azken honetan 2019tik gaur egunera arte. 2019an Artgiak aukeratu ninduen «nomadak, el trenico» proiektuan argazkigintzako egoitza artistiko bat egiteko, eta urte horren amaieran EMart bekaren irabazleetako bat izan nintzen. Hautatutako «gu, latxa» proiektua 2020an jarri zen ikusgai Artgia sorgune artetoa galerian. Gasteiz, Madril, Tarazona eta Londresko hainbat lekutan bakarkako eta taldekako hainbat erakusketarekin, 2017an Metamorfosia Gasteizko Amarica aretoan eta 2018an Madrilgo Blanca Soto galerian Aquí y Ahora proiektuaren bidez ikusgai jartzea nabarmendu nahi dut.

yone.estibariz@gmail.com

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BIO

Fotógrafa, desde el día en que mirar pasó de ser un acto inconsciente a consciente. Pasé a observar los detalles que componen una escena e integrar la luz como fiel compañera de viaje. Del 2008 al 2011 comencé mis estudios de fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria y en ID-Arte. En el 2009 fui una de las ganadoras del concurso de fotografía Gaste klik. De ahí, marché unos cientos de kilómetros más al sur, a Madrid, para formar parte de la plantilla de EFTI, donde tuve el placer de colaborar con Luis Malibán y Miguel Oriola entre otros. Tenía tantas ganas de volar lejos que acabé trabajando en la India, en Anantapur. Un lugar donde pude fotografiar la realidad de varias mujeres en diferentes hospitales, gracias a la Fundación Vicente Ferrer. Y comencé a contar historias, a través de fotografías. En 2011 llegué a Londres, donde realicé una formación en la escuela LSP. Comencé a trabajar de fotografa social, haceiendo reportajes a familias, bodas… trabajo que continuo a día de hoy a través de mi sello «Nimbo, lifestyle photography». Desde el 2018 hasta el 2020 he estado trabajando también para la Fundación Vital y para la plataforma digital del ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz «Go Gasteiz Kultra» siendo la encargada de realizar las fotografía. Este último desde el 2019 hasta la actualidad. En 2019 fui seleccionada por Artgia para realizar una residencia artística de fotografía en el proyecto “Nomadak, el trenico» y a finales de ese mismo año fui una de las ganadoras de la beca EMart. El proyecto seleccionado «gu, LATXA fue expuesto en 2020 en la galería ARTgia sorgune artetoa. Con varias exposiciones individuales y colectivas por diferentes lugares de Vitoria, Madrid, Tarazona y Londres, destaco exponer en el 2017 Metamorfosis en la sala Amarica de Vitoria-Gasteiz y en 2018 en la galería de Blanca Soto de Madrid a través del proyecto Aquí y Ahora.

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Javier Berasaluce

Fitxa teknikoa (1. eta 2. txakurrak):

  • Errebelatze kimikoko paper baritoaren gaineko kopia
  • Irudiaren tamaina: 42 x 56 cm
  • Artxibo iraunkor bermatuaren tratamendua, 100 urtekoa
  • Prezioa: 390,00 € bakoitza

Deskribapena Orain inoiz baino gehiago ikusten dugun bizitza kristal batetik…

Ficha técnica (Perro1 y Perro2):

  • Copia sobre papel baritado de revelado químico
  • Tamaño de la imagen: 42 x 56 cm
  • Tratamiento de archivo perdurabilidad garantizada de 100 años
  • Precio: 390,00 € cada una

Descripción La vida que observamos ahora más que nunca a través de un cristal…

Javier Berasaluce Bajo

Javier Berasaluce Bajo (Madril, 1957ko uztailaren 5a) arkitekto tekniko gisa titulatua, Javier Berasaluceren lan- eta arte-bizitza argazkigintzaren inguruan garatzen da, helduen etengabeko hezkuntzako (HHE) zentroetan arte horretako irakasle izatetik hasi eta Gasteizko Udal Artxiboko argazki-bildumen kontserbatzaile izatera arte, non 1989tik aurrera bere argazki-laborategiaren arduradun gisa lan egiten baitu.

Azken urteotan, argazkilaritza zaharraren tratamenduan eta kontserbazioan espezializatutako hainbat tailer eta mintegitan parte hartu du.

Egile gisa, Xabierren argazki estiloa zuri-beltzaren teknika tradizionaletatik egindako hautuagatik nabarmentzen da. Bere irudi askok konposizio zainduko hiri-gai bat dute protagonista, gehiegizko elementuei ihes egiten diena, eta oso gogorarazleak dira: bakardadeari, denboraren joanari…

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Javier Berasaluce Bajo (Madrid, 5 de julio de 1957) Titulado como arquitecto técnico, la vida laboral y artística de Javier Berasaluce transcurre en torno a la fotografía, desde haber sido profesor de este arte en centros de educación permanente de adultos (EPA) hasta su trabajo creativo más personal o su faceta como conservador de las colecciones fotográficas del Archivo Municipal de Vitoria-Gasteiz, donde trabaja como responsable de su laboratorio fotográfico desde el año 1989.

En calidad de tal, ha participado durante los últimos años en numerosos talleres y seminarios especializados en tratamiento y conservación de fotografía antigua.

Como autor, el estilo fotográfico de Javier destaca por su elección de las técnicas tradicionales del blanco y negro. Muchas de sus imágenes están protagonizadas por una temática urbana de composición cuidada que huye del exceso de elementos y son fuertemente evocadoras: a la soledad, al paso del tiempo…

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Instagram: @javierberasalucebajo

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Carmen Araujo

130,00 €

BIO

Margolaria eta irakaslea bokazioz. Etxean dudan tailer txikiaren eta eskolako ikasgelen artean igarotzen ditut nire egunak, non adin guztietako pinturazaleei ematen dizkiet klaseak.

Amak beti gogoratzen zidan, lau urte besterik ez nituela, nire pintura-kutxa hartu eta peluxe-untxiari marrazten irakasten niola. Azken finean, nire etorkizun profesionalaren hari gidari bihurtu den oroitzapena. Arte Ederretako karrera amaitzean, pintura akademia batean hasi nintzen lanean astean pare bat egunetan. Bi egun horiek hiru bihurtu ziren, gero lau … eta hogei urte geroago, han jarraitzen dut. Egunero margotzen, irakasten eta teknika berriak ikasten. Zalantzarik gabe, nire lana maite dut.

Nire irakaskuntza-orduak proiektu artistiko pertsonalekin osatzen ditut, eta horien bidez nire emozioak, bizipenak eta esperientziak islatzen saiatzen naiz. Ukitzen, usaintzen, dastatzen eta sentitzen dudan guztia pinturaren bidez adierazten saiatzen naiz. Nire zentzumenetako bakoitza arte bihurtua.

BIO

Pintora y profesora por vocación. Mis días transcurren entre el pequeño taller que tengo en mi casa y las aulas de la escuela donde doy clase a amantes de la pintura de todas las edades.

Mi madre siempre solía recordarme como cuando, con apenas cuatro añitos, cogía mi estuche de pinturas y le enseñaba a dibujar a mi conejo de peluche. En fin, un recuerdo, que se convirtió en el hilo conductor de mi futuro profesional. Al finalizar la carrera de Bellas Artes, comencé a trabajar en una academia de pintura un par de días por semana. Esos dos días se convirtieron en tres, luego en cuatro…y veinte años después, allí sigo. Pintando, enseñando y aprendiendo nuevas técnicas cada día. Sin duda, amo mi trabajo.

Complemento mis horas de enseñanza con proyectos artísticos personales a través de los cuales intento plasmar mis emociones, vivencias y experiencias. Trato de expresar a través de la pintura todo aquello que toco, huelo, saboreo y siento. Cada uno de mis sentidos convertidos en arte.

Sortwo

Obraren izena: SAFE / BABESA:

Materialak: Ilustrazio digitala. 300 gramoko Canson papelean imprimatua. (5 edo 10 unitate limitatu).

Deskribapena: Izaki bakoitzak ongi izatea bermatzeko, eta eragozpenei aurre egiteko sortzen duen espazio fisiko zein emozionala isladatu nahi izan dut.

60,00 €

Nombre de la obra: SAFE/BABESA:

Materiales: ilustración digital. Impreso en papel Canson de 300 gramos. (5 o 10 unidades limitadas).

Descripción: he querido reflejar el espacio físico y emocional que crea cada ser para garantizar su bienestar y hacer frente a las molestias.

60,00 €

BIO

Sortwo Euskal Herriko herri txiki batean jaio eta hezi zen. Bere auzoko artearengandik erakarrita, 12 urterekin graffiti-ak margotzen hasi zen, geroago bere bizimodu bihurtuz. Arteak ate asko ireki dizkio, baita munduan zehar bidaiatzeko ere.

Bere lanetan metodo desberdinekin lan egiten du, irudimena mugatu gabe. Bere lan nagusiak pintura akrilikoa eta spray-a erabiliz sortutako muralak eta lientzoak dira, surrealismo itxurako pinturak sortuz.

Azkenengo erakusketa Australian izan du eta mundu osoko Kale Arteko Jaialdietan parte hartu du.

Instagram: @mr.sor2

Facebook: @mr.sor2

 

BIO

Sortwo nació y se educó en un pequeño pueblo de Euskal Herria. Atraído por el arte de su barrio, a los 12 años empezó a pintar graffitis, convirtiéndose más tarde en su forma de vida. El arte le ha abierto muchas puertas, incluso para viajar por el mundo.

En sus trabajos trabaja con métodos diferentes, sin limitar la imaginación. Sus principales obras son murales y lienzos creados utilizando pintura acrílica y spray, creando pinturas en forma de surrealismo.

Su última exposición ha sido en Australia y ha participado en festivales intercallejeros de todo el mundo.

Instagram: @mr.sor2

Facebook: @mr.sor2

Josu Errasti

«Bajo el Manto del Silencio» bere lehen liburukiarekin hasten da: el enigma de la

Metropolia.

Fantasia eta zientzia fikziozko liburu elektronikoa da.

Obraren helburua ez da soilik ludikoa. Bere barnean honako kontzeptu hauek ditu:

Borroka soziala bilbearen ardatz nagusi gisa. Honako kontzeptu hauek agertzen dira:

Klaseak edo hegemonismoa.

Baina… hau lan iraultzailea da, ez entziklopedia bat. Beraz, modu batean

Azkar eta entretenigarri, aurreko gaiak lotzen dira, eta begi-bistako hondoko kolorearekin,

Gizarte antolamenduaren garrantziaz gogoeta egiten da.

 

Sinopsia:

Klaseen arteko borroka hasi da…

Báguer, kortex kulturalki aldatzea helburu duen graffitigile gaztea

Ezkutuko metropoli bateko gizabanakoen garuna. Herritarrak kontzientziatu eta bateratze aldera

Langile guztiak aurrez aurre jarri eta zatitu zituen,

Klase zapaltzailea.

Artearen eta irudimenaren hiriburu hau oligarkia goseti batek zuzentzen du.

Itzaletik gobernatzen duen finantzarioa, benetako pertsona bat funtsean asetzeko

Munstroa…

Nahi ala ez… borroka hasita dago.

Zer jarrera hartuko duzu zuk?

Prezioa: 5,187 €

“Bajo El Manto Del Silencio” comienza su saga con su primer tomo: El enigma de la metrópolis.

Es un libro electrónico de fantasía y ciencia ficción.

El objetivo de la obra, no es meramente lúdico. Contiene en su interior conceptos de lucha social como ejes centrales de la trama. Aparecen conceptos como la lucha de clases o el hegemonismo.

Pero… esta es una obra revolucionaria, no una enciclopedia. Por lo que de una manera rápida y entretenida, se enlazan los temas anteriores y con un color de fondo evidente, se hace reflexionar sobre la importancia de la organización social.

 

Sinopsis:

La batalla entre clases ha comenzado…

Báguer, un joven graffitero que tiene como objetivo, alterar culturalmente el córtex cerebral de individuos de una metrópolis oculta. Con el fin de concienciar y unificar al enfrentado y dividió conjunto de la clase trabajadora para evitar un agresivo plan de la clase opresora.

Esta capital del arte y la imaginación, está dirigida por una hambrienta oligarquía financiera que gobierna desde la sombra para satisfacer en el fondo a un verdadero monstruo…

Quieras o no… la batalla está ya iniciada. ¿Qué actitud tomarás tú?

 

Detalles de la obra

Descripción: Libro de fantasía y ciencia ficción en formato digital. Dimensiones: 68pag.

Título: Bajo El Manto Del Silencio y el enigma de la metrópolis

Precio: 5,187 €

Descripción obra

«Bajo el Manto del Silencio» bere lehen liburukiarekin hasten da: el enigma de la

Metropolia.

Fantasia eta zientzia fikziozko liburu elektronikoa da.

Obraren helburua ez da soilik ludikoa. Bere barnean honako kontzeptu hauek ditu:

Borroka soziala bilbearen ardatz nagusi gisa. Honako kontzeptu hauek agertzen dira:

Klaseak edo hegemonismoa.

Baina… hau lan iraultzailea da, ez entziklopedia bat. Beraz, modu batean

Azkar eta entretenigarri, aurreko gaiak lotzen dira, eta begi-bistako hondoko kolorearekin,

Gizarte antolamenduaren garrantziaz gogoeta egiten da.

 

Sinopsia:

Klaseen arteko borroka hasi da…

Báguer, kortex kulturalki aldatzea helburu duen graffitigile gaztea

Ezkutuko metropoli bateko gizabanakoen garuna. Herritarrak kontzientziatu eta bateratze aldera

Langile guztiak aurrez aurre jarri eta zatitu zituen,

Klase zapaltzailea.

Artearen eta irudimenaren hiriburu hau oligarkia goseti batek zuzentzen du.

Itzaletik gobernatzen duen finantzarioa, benetako pertsona bat funtsean asetzeko

Munstroa…

Nahi ala ez… borroka hasita dago.

Zer jarrera hartuko duzu zuk?

Instagram: @j_diibuk_errasti

Facebook: @j_diibuk_errasti

Diibuk Errasti (Vitoria-Gasteiz, 1994) es un joven crecido en el ámbito de la cultura Hip Hop.

Con 15 años comienza con sus amigos a escribir sus primeras letras de rap y boceteando sus primeros diseños para más tarde llevarlos a la pared.

Pasando un tiempo y con el inicio de las batallas de gallos a nivel nacional, comienza, con sus amigos, a improvisar. Son varios los intentos de crear un grupo de rap con los amigos. Al no ver avance, la idea se desmorona.

Pero Diibuk continúa con sus escritos y bocetos para posterior graffiti.

En el año 2011, comienza a fusionar ambas facetas en un mismo contenido. Comienza a crear un comic que sin una clara idea de marketing, apenas alza el vuelo.

Con la idea fija de movilizarse en la cabeza, decide iniciarse en el mundo de la animación 2D de una forma autodidacta, para sacar un producto más fácil de consumir por el público.

Son estos años, en los que tras problemas con la justicia, se tira varios años en el mundillo de la animación. Consigue sacar dos pequeños cortos de muy poca calidad y con escasa conciencia de base. Desilusionado y saturado del trabajo a realizar abandona el proyecto.

 

Sinopsis

La batalla entre clases ha comenzado…

El nuevo superhéroe del color, es un joven emigrante que ha descubierto un tenebroso plan de saqueo y dominación por parte de una pequeña elite. La oscuridad acecha sobre toda una metrópolis, capital del arte, el color y la imaginación.

Báguer, será el encargado de iniciar el proceso de concienciación y de unificar a una sociedad desorientada, individualizada y enfrentada entre si.

Su tarea no será fácil y la batalla ya comenzado…

¿En qué punto te encuentras tú?

“Como Tormenta De Verano”.

Sus letras comienzan a llevar un mensaje más definido, gracias a la cultura ganada años atrás en charlas comunistas.

Su último trabajo sale en 2020, un libro en formato electrónico: Bajo El Manto Del Silencio y el enigma de la metrópolis.

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Edurne Herrán

Seriearen izenburua:

Das Leben ist kein Ponyhof (La vida no es una granja de ponies)

Deskribapena

Margolan sorta honek nire konfinamenduaren lehen astean jasan nituen emozioen errusiar mendia islatzen du. Haurrentzako irudiek kolore alaiak dituzte eta testu-mezuek (ez dira batere itxaropentsuak) nolabaiteko harridura sortzen dute.

Ficha técnica

  1. Cat Appetite 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  2. Everyone hates you 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  3. Punk’s not dead (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  4. No Future (1) 2020 21 x 29,7 | 162,50 €
  5. No Future (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  6. Nobody cares about you (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  7. Nobody cares about you (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  8. Punk’s not dead (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  9. No problem! 2020 21 x 29,7 cm |  162,50 €

Título de la serie:

Das Leben ist kein Ponyhof (La vida no es una granja de ponies)

Descripción

Esta serie de pinturas reflejan la montaña rusa de emociones que sufrí durante la primera semana de mi confinamiento. Las imágenes infantiles de alegres colores y los mensajes textuales (poco esperanzadores) se yuxtaponen creando cierto extrañamiento.

Ficha técnica

  1. Cat Appetite 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  2. Everyone hates you 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  3. Punk’s not dead (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  4. No Future (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  5. No Future (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  6. Nobody cares about you (1) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  7. Nobody cares about you (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  8. Punk’s not dead (2) 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €
  9. No problem! 2020 21 x 29,7 cm | 162,50 €

Edurne Herrán

Ingolstadt-Donau (1978) Gasteiz eta Berlin artean bizi eta lan egiten du

Arte Ederretan lizentziatua da [EHU, Bilbo/Escultura en la KBW, Berlin], eta hainbat maisutasun: arte eta Sormen Ikerketa Masterra [UCM Madril], Kudeaketa Masterra Kulturala [UC3M] eta Argazkigintza Garaikidea eta Proiektu Pertsonalak Masterra [EFTI Madrid].

Industria Estilismoko Goi Mailako Ikasketak [Arte2 Madril] eta Solfeok osatu dute bere prestakuntza.

Bere lanak lotura zuzena du egunerokotasunarekin, topaketarekin eta banakoak.

Teknologia berriek eta sareak, egoera emozionalak komunikazio-sistema sozial eta dinamika berri hauetaz baliatzen dira. Bere proposamenetako batzuk testuinguruan jartzeko; horietako askotan, Obrari zentzua ematen dion eta izaera performatiboa ematen dion publikoa.

C.C. Montehermoso bezalako sorkuntza-beka eta -sariekin saritu dute [Gasteiz], El Ranchito Matadero-Madrilen, Artista Gazteen I. Topaketa, Beka Roberto Villagraz eta Propuestas VEGAP, besteak beste. Artium Museoan erakutsi du bere obra [Gasteiz], Argazkigintzaren Andaluziako Zentroa [Almeria], Barjola Museoa [Gijon], Stand ABC Cultural de arco [Madril], Komunikazioaren Museoa [Frankfurt], baita hainbat galeriatan ere. Gaur egun, bere lan artistikoa eta hitzaldiak eta tailerrak ematen ditu hainbat diziplinatan, eta HND In irakasle laguntzailea da Tai Arteen Unibertsitate Zentroaren art. & Design.

Edurne Herrán

Ingolstadt-Donau (1978) Vive y trabaja entre Vitoria-Gasteiz y Berlín.

Es Licenciada en Bellas Artes [UPV-EHU, Bilbao / Escultura en la KBW, Berlín] y ha realizado varias maestrías: Máster en Investigación en Arte y Creación [UCM Madrid], Máster en Gestión Cultural [UC3M] y Máster en Fotografía Contemporánea y proyectos Personales [EFTI Madrid].

Estudios Superiores en Estilismo de Indumentaria [Arte2 Madrid] y Solfeo completa su formación.

Su obra tiene una conexión directa con la cotidianidad, el encuentro y la comunicación entre los individuos. Consciente de cómo las nuevas tecnologías y la red catalizan y magnifican los estados emocionales, se sirve de estos nuevos sistemas sociales y dinámicas de comunicación para contextualizar algunas de sus propuestas; en muchas de ellas es la participación del público la que da sentido a la obra y la dota de un carácter performativo.

Ha sido galardonada con becas y premios de creación tales como C. C. Montehermoso [Vitoria-Gasteiz], El Ranchito en Matadero-Madrid, I Encontro de Artistas Jóvenes, Beca Roberto Villagraz y Propuestas VEGAP, entre otros. Ha expuesto su obra en Museo ARTIUM [Vitoria-Gasteiz], Centro Andaluz de la Fotografía [Almería], Museo Barjola [Gijón], Stand ABC Cultural de ARCO [Madrid], Museo de la Comunicación [Frankfurt], así como en varias galerías e instituciones nacionales e internacionales. Actualmente desarrolla su trabajo artístico e imparte conferencias y talleres en varias disciplinas y es profesora colaboradora en el HND in Art & Design del Centro Universitario de Artes TAI.

Marco Sanz

OREKAN

Técnica.

Hormigón reforzado con mortero y armado mediante estructura forjada de hierro. Realizada mediante la técnica de encofrado en madera. La base es de pizarra de origen gallego.

Medidas y peso.

Orekan 30,4 cm alto, 24 cm de ancho y 9 cm de profundo. 8.088Kg.

4.810,00 €

OREKAN

Teknikak

Hormigoia morteroz eta burdinazko egituraz armatuta. Egur kofratzearen teknikaren

bitartez egina. Oinarria galiziar jatorriko arbelaz eginikoa da.

Neurriak eta pisua.

Orekan zatia soilik: 30,4 cm altueraz, 24 cm zabaleraz eta 9 cm sakoneraz. 8.088 Kg.

4.810,00 €

ILUNETAN

Técnica

ULTRA BLACK III pintura akrilikoa Garza natural woollen felt 300 grms. artisau paperaren  gainean. Dimentsioak: 32,9 × 48,3 cm.

Prezioa: 1.170,00 € lan originala.
Canvas HP A3 paperezko 5 inprimatze seriea sinatuak eta zebatuak: 351,00 € unitate bakoitza.

ILUNETAN

Teknikak

Pintura acrílica ULTRA BLACK III sobre papel artesano Garza natural woollen felt 300 grms.   Dimensiones: 32,9 × 48,3 cm.

Precio: 1.170,00 € obra original.
Serie de 5 impresiones digitales en papel Canvas HP A3+ firmadas y numeradas: 351,00 € unidad.

Marco Sanz Aparicio

1973an Burgosen jaioa, euskal kulturaren influentzia handia izango du Gernikan (Bizkaia), haurtzaroaren zati handiena pasa eta gero.

Diseinu grafikoan graduatua, irudi korporatiboaren espezializazioarekin.

2016an Llotja-ko (Bartzelona) Arte eta Diseinu Goi Mailako Eskolan matrikulatzen da. 2017an Brontzezko Orekan lanarekin 2017b Artista Berriaren sarirako aukeratzen dute.

2018an Bartzelonako Udalaren “Tangències, Festival de les Arte de l’Eixample” festibalean parte hartzeko aukeratzen dute “Suspensió” lanarekin.

2018an, eta ikasketak amaitu ondoren, brontze galdaketa eta argizari galdurako modelatzeari buruzko monografiko batean parte hartzen du.

2019an , IBERIA Sarietan (Madril),Orekan lan grafikoarekin (gofratze), aukeratuen lanen erakusketarako aukeratzen dute.

https://www.marcsanz.co.uk/ilunetan/

Instagram: @_orekan

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Marco Sanz Aparicio

Nacido en 1973 en Burgos es muy influencia por la cultura vasca en Gernika (Bizkaia) donde pasara gran parte de su infancia.

Graduado en diseño gráfico con la especialización en imagen corporativa.

En 2016 se matricula en la Escuela superior de Arte y Diseño LLotja (Barcelona)

En 2017 es seleccionado como Artista Emergente 2017b con el trabajo Orekan bronce.

En 2018 es seleccionado para participar en el festival “Tangències, Festival de les Arts de l’Eixample” del ayuntamiento de Barcelona con la obra “suspensió”.

En 2018 y tras terminar los estudios participa en un monográfico de Fundicion de Bronce y modelado a la cera perdida.

En 2019 es seleccionado con la obra gráfica Orekan (gofrado) en los premios IBERIA (Madrid) para la exposición de obras seleccionadas.

https://www.marcsanz.co.uk/ilunetan/

Instagram: @_orekan

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Zirika

Eta berriro kolorez beteko da

«Eta berriz kolorez beteko da» Zarate Araba herriko baserri batean egindako obra da (2017/18).

Hostotza ikusgarri batek, landare igokari batek, Viña virgen edo parra virgen «parthenocisus» ak (ziklikoki ñabardurak aldatzen dituena eta udazkenean benetako kolore-leherketa bat jasaten duena) estaltzen dutelako deigarria egiten zaidan etxe bat.

Etxean konfinatuta nagoenez, obrak eta argazkiak ordenatzeko aprobetxatzen ari naiz. Urtebete baino gehixeagoz jarraipena eginez egin nuen serie hau ikustean, berehala ikusi nuen primeran kontatzen zuela bizitzen ari garen egoera: sistema erori egin zaigu, gelditu egin dira edo, zenbat eta motelago, ahalik eta gehien moteldu dira gure harremanak, gure dibertitzeko modua, gure ekonomia. Hibernazio moduko batean gaude, berriro ere gure jarduerari ekin ahal izango diogun esperantzan, nora garamatzan oso ondo ez dakigun jarduera frenetiko horri.

Jende askok pandemaia honek sortutako krisi honetatik ateratzeko aukera desberdinak ikusten ditu. Asmatzeke dagoen modu bat.

Agian naturak hitz egingo digu. Naturak milioika urte daramatza eboluzionatzen, ziklikoki. Ez da inoiz hiltzen, bakarrik birziklatzen da. Aldi tragiko bakoitzetik, bera beti ateratzen da errekuperatuta, indartuta. Denbora eta atsedena besterik ez du behar. Ez al dugu hori behar izango?

Espezieen bilakaerari erreparatu besterik ez dugu egin behar, bilakaera egokitzapena dela konturatzeko.

Konfinamendu horrek, atsedenak, ondoko bizilaguna ezagutarazi digu, haurrekin jolasa berriz deskubritzera, sortzera, antzekoan sinestera, hurbilekoaren garrantzia berraurkitzera, norberaren ekoizpenarena, naturak atseden hartzen duela eta azkar errekuperatzen dela ikusten dugu…

Obra honek zikloei buruz hitz egin nahi du, berritzeari buruz, itxaropenari buruz. Gris absolututik kolore eztandara, etsipenetik ilusiora. Agian berekoikeriatik elkartasunera, justiziarekiko errepresiotik, planetaren ezkortasunetik bere ikasgaien erabilerara, bere zikloak errespetatuz baino, etsipenetik naturari atseden bat ematen badiogu hau bere onera etorriko dela sinestera…

Bizi-kantua da ziklo berriari, berritzeari, biziberritzeari, itxaropenari…

Euskara menperatzen ez dudan arren, beti erabiltzen dut adierazpen hizkuntza gisa nire obran.

1.800,00 €

Eta berriro kolorez beteko da

“Eta berriro kolorez beteko da” Es una obra realizada en un caserío del pueblo de Zarate Araba (2017/18).

Una casa que llamo mi atención por estar cubierta de un espectacular follaje, una planta trepadora, la “parthenocisus” viña virgen o parra virgen, que cíclicamente cambia de matices y en otoño sufre una verdadera explosión de color.

Al estar confinado en casa, estoy aprovechando para ordenar obras y fotos. Al ver esta serie que realicé haciendo un seguimiento durante algo más de un año, inmediatamente vi que relataba perfectamente la situación que estamos viviendo: se nos ha caído el sistema, se han paralizado o cuanto menos ralentizado al máximo nuestras relaciones, nuestra forma de divertirnos, nuestra economía. Estamos en una especie de hibernación, esperando que de nuevo podamos retomar nuestra actividad, esa actividad frenética que no sabemos muy bien a donde nos lleva.

Mucha gente ve una oportunidad para salir de esta crisis, generada por la pandemia, de otra forma. Una forma que esta por inventar.

Quizá la naturaleza nos esté hablando. La naturaleza lleva millones de años evolucionando, cíclicamente. Nunca muere, solo se recicla. De cada periodo trágico, ella, siempre sale recuperada, reforzada. Solo necesita tiempo y reposo. ¿No estaremos necesitando precisamente eso?

Solo tenemos que fijarnos en la evolución de las especies para darnos cuenta de que la evolución es adaptación.

Este confinamiento, descanso, nos ha hecho conocer al vecino vecina, a redescubrir el juego con los niños y niñas, a crear, a creer en el semejante, a redescubrir la importancia de lo cercano, de la producción propia, vemos como la naturaleza descansa y se recupera rápidamente…

Esta obra quiere hablar de los ciclos, de la renovación, de la esperanza. Del gris absoluto, a la explosión de color, de la desesperanza a la ilusión. Tal vez del egoísmo a la solidaridad, de la represión a la justicia, de la esquilmación del planeta a un uso de sus materias que respetando sus ciclos, de la desesperanza a creer que si damos un descanso a la naturaleza esta se recuperará…

Es un canto de vida al nuevo ciclo, a la renovación, a la regeneración, a la esperanza…

Aunque no domino el euskera, siempre lo utilizo como lengua de expresión en mi obra.

1.800,00 €

BIO

Miguel Alfredo Hernández Busto (Zirika), Vitoria-Gasteizen jaio zen 1960ko irailaren 29an.

Lehen ere margotzen nuen arren, 1979tik «marrazketa eta pintura» ikastaro bi eta «eredu bizia» bost egin nituen Gasteizko Arte eta Lanbide Eskolan. Ordutik aurrera, neure kabuz pintatzen, ikertzen eta ikasten jarraitzen dut.

BIO

Miguel Alfredo Hernández Busto (Zirika), nacido en Vitoria-Gasteiz el 29 de septiembre de 1960, con domicilio en C/ Francisco Xabier de Landaburu 64- 7o-B, de Vitoria-Gasteiz.
Artista local, multidisciplinar, autodidacta.

Aunque ya antes pintaba, desde 1979, realizo dos cursos de “Dibujo y pintura” y cinco de “Modelo vivo” en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria- Gasteiz. A partir de entonces continúo pintando e investigando y estudiando por mi cuenta de una manera autodidacta.

Aitor Salazar

Kaleen argazkia

Batzuek diote egoera bakoitzetik ikasi egiten dela. Azkenaldian bizitzea egokitu zaiguna zaila da, nahiz eta testuinguru globalean ikusita pribilegiatu batzuk garen, zalantzarik gabe. Gure kondena txikia urrezko kaiola batean garatzen da. Etxe bakoitzaren barruan bakoitzak bere burua antolatzen du. Saiatu aurrekoak ordezkatu eta asebetetzen gaituzten errutinak sortzen. Zinema eta telesailak ikusten ditugu, txateatu eta bideoak partekatzen ditugu, irakurri, prestatu, gimnastika egiten dugu Youtubeko bideoak ikusiz… Gure kaiolak ondo hornituta daude.

Gure kasuan, ohitura horietako asko gure Mikel semearen inguruan bueltaka zeuden. Gainerakoak: gure interesak, lana, pertsonen arteko harremanak. gero etortzen ziren. Haurrek errutina maite dute. Haiek badakite gosaldu ondoren parkera goazela, edo eskolara, edo ludotekara, jolastera. Badakite bazkaldu eta siesta egingo dutela. Gure errutina oso kanpokoa zen. Senideak bisitatzea, kalean jolastea eta paseatzea ziren honen zatirik handiena. Hala, egun batetik bestera, eskola eta parkea leihotik ikusten hasi ginen, eta familia eta lagunak bideo-dei bidez. Apenas genuen jostailurik.

Horren ondorioz, cachivache pila bat sortu dugu beti pilatzea gustatu izan zaidan alferrikako gauza guztiekin: poltsak, kutxak, boli zaharrak, CDak… Burutazio horietako bat izan zen hiri txiki bat sortzea, Mikelen jostailuzko autoak etorbideetatik ibili zitezen. Haurrak epaile gupidagabeak dira. Bai prestatzen dugun janariarena, bai kontatzen dizkiegun ipuinena edo bai antolatzen ditugun jolasena, haien erantzuna zintzoa da beti.

Mikelek asko maite izan du argazkigintzaren gure hiria.


 

Nire kaleen argazki-proiektu txikia bi argazkiz osatuta dago. Instanteko bi kopiako tirada mugatu baten parte dira. Hahnnemühle paperean inprimatuta daude.

Neurriak:

  1. Fotografía de calles………………………………………….  40 x 45
  2. Fotografía de calles 2….……………………………………. 30 x 45

             (Prezioa 78,00 €)

Fotografía de calles

Hay quien dice que de cada situación se aprende. La que nos ha tocado vivir últimamente es difícil, aunque visto en el contexto global, somos sin duda unos privilegiados. Nuestra pequeña condena se desarrolla en una jaula de oro. Dentro de cada casa cada uno se organiza. Procura crear rutinas que sustituyan a las anteriores y nos satisfagan. Vemos cine y series, chateamos y compartimos videos, leemos, cocinamos, hacemos gimnasia viendo videos de YoutubeNuestras jaulas están bien equipadas. 

En nuestro caso, muchos de esos hábitos giraban en torno a nuestro hijo Mikel. El resto: nuestros intereses, el trabajo, las relaciones interpersonales, venían después. Los niños adoran la rutina. Ellos saben que después de desayunar vamos al parque, o al cole, o a la ludoteca a jugar. Saben que después comerán y echaran una siesta. Nuestra rutina era muy exterior. Visitar a familiares, jugar en la calle y pasear formaban la mayor parte de esta. Así, de un día para otro empezamos a ver el cole y el parque por la ventana y a la familia y amigos por videollamada. Apenas teníamos juguetes. 

Como consecuencia, hemos creado un montón de cachivaches con toda las cosas inútiles que siempre me ha gustado acumular: bolsas, cajas, bolis viejos, CDs… Una de esas ocurrencias fue crear una pequeña ciudad por cuyas avenidas circulasen los coches de juguete de Mikel. Los niños son unos jueces implacables. Ya sea de la comida que preparamos, de los cuentos que les contamos o de los juegos que organizamos, su respuesta siempre es sincera

A Mikel le encantó nuestra ciudad de la fotografía. 


Mi mini-proyecto FOTOGRAFÍA DE CALLES se compone de dos fotos. Forman parte de una tirada limitada de dos copias por instantánea. Están impresas en papel Hahnnemühle. 

Sus medidas son:

  1. Fotografía de calles………………………………………….  40 x 45
  2. Fotografía de calles 2….……………………………………. 30 x 45

             (Precio invidual 78,00 €)

 

NI

Aitor Salazar naiz, argazkilari gasteiztarra. Nire prestakuntza artistikoa Arte eta Lanbide Eskolarekin lotuta dago, eta bertan 7 urtez gozatu nuen pintura tailerrean. Han bertan, heriotzaz hozka egin zidaten, pasiloetan argazkiak atera eta laborategi izeneko gela ilun hartan sartzen ziren ikasle haien jakin-minak eraginda. Hainbeste erakartzen ninduen, non tailerrez aldatu eta hiru urtez egon nintzen argia, abiadura eta diafragma zer ziren ikasten. Ordutik, leihatila baten bidez ikusten dut mundua. Une oro izozten eta irensten ditut beste argazkilari batzuen liburuak eta erakusketak, artearen historia osoa argazki bakar batean plagiatzeko betiereko ahaleginean. Azken aldian, nire semeari, Mikel, argazki asko egiten dizkiot. Bi urte baino ez dituen arren, atzoko argazkiko umearen antza berehala uzten saiatzen da. Brown ahizpak etxe bakoitzean daude.

salazaraitor@hotmail.com

 

YO

Soy Aitor Salazar, fotógrafo vitoriano. Mi formación artística está ligada a la Escuela de Artes y Oficios, donde disfruté de 7 años en el taller de pintura. Allí mismo, fui mordido de muerte por la curiosidad de aquellos alumnos que hacían fotos por los pasillos y entraban en aquella sala oscura llamada laboratorio. Me intrigaba tanto que  cambié de taller y estuve 3 años aprendiendo lo que era la luz, la velocidad y el diafragma. Desde entonces veo el mundo a través de una ventanilla. Congelo cada instante y devoro libros y exposiciones de otros y otras fotógrafas en un intento eterno de plagiar en una sola fotografía toda la historia del arte. Últimamente hago muchas fotos a mi hijo Mikel, que se empeña, a sus dos años, en dejar rápidamente de parecerse al niño de la foto de ayer. Las hermanas Brown están en cada casa. 

salazaraitor@hotmail.com

Natalia Albéniz

Frágil

Rotuladores y bolígrafos en cuaderno de viaje. Reproducción tamaño DIN A4.

Convocatoria Artdemia: Arte Contemporáneo frente al Extendido Temor a Morir (2020).

Precio: 19,50 €

Aurkeztu beharreko lanak erabiltzen ditudan bi bidaia-koadernotakoak dira, eta horietako bat berrogeialdian amaitu da. Hau da, hura osatzen duten obra, irudi eta idazki gehienak bizitza normala egin ezin izan dugun azken egun hauetakoak dira. Bi ale horietan gaiari buruzko hausnarketa egin dut, eta horietan zehar gertatzen diren sentimenduak eta emozioak agertzen dira.

Nire bidaia-koadernoak ez ditut salgai jartzen, funtsezkoak iruditzen zaizkidalako lan egiteko orduan. Hori dela eta, pentsatu dut DIN A4 euskarrian inprimatzea, 200 eta 300 g arteko gramaje-paperean, interesa duen pertsonak arazorik gabe eskuratu ahal izan ditzan.

Teknika ugaritan egindako lan horiek esperimentaziora irekitako lan-prozesu bat dira, eta bizi dugun salbuespenezko egoerak ahalbidetzen du, nire egunerokotasunean denbora faltagatik zailagoak iruditzen zaizkidan gaiak edo gauzak egiteko aukera emanez.

Sodade

Lápices y rotuladores en cuaderno de viaje. Reproducción tamaño DIN A4.

Convocatoria Artdemia: Arte Contemporáneo frente al Extendido Temor a Morir (2020).

Precio: 19,50 €

Las obras a presentar pertenecen a dos de los cuadernos de viaje que utilizo, habiendo terminado uno de ellos durante la cuarentena. Es decir, gran parte de las obras, imágenes y escritos que lo conforman pertenecen a estos últimos días en que no hemos podido hacer vida normal. Se trata de dos ejemplares en los que he reflexionado acerca del tema y en las que aparecen representados sentimientos y emociones que se dan a lo largo de los mismos.

Como no pongo a la venta mis cuadernos de viaje porque los considero esenciales a la hora de trabajar. Es por esto que he pensado en imprimirlas en un soporte DIN A4, en un papel de entre 200 y 300gr de gramaje, de manera que la persona que esté interesada pueda adquirirlos sin problema.

Estas obras, realizadas en múltiples técnicas, representan un proceso de trabajo abierto a la experimentación que permite la situación excepcional en la que nos encontramos, permitiéndome indagar en cuestiones o hacer cosas que en mi día a día por falta de tiempo me resultan más complicadas.

BIO

Natalia Albeniz 1989an Gasteizen jaiotako artista bisual eta hezitzailea da. Arte Ederretako lizentziaduna Euskal Herriko Unibertsitatean, Pintura espezialitatean. Ondoren, bi master egin zituen; lehenengoa Artearen Sorkuntzan eta Ikerketan, eta La Distancia que separa al Arte del Público proiektu teorikoa aurkeztu zuen: Txaro Arrazolak tutorizatutako eta egungo gizartean arte garaikidea ulertzeko eta onartzeko aurkitzen diren zailtasunei buruz hitz egiten zuena. Eta bigarrena, berriz, arte-hezkuntzako espezialitatea, irakasleak prestatzeko-

Bere lanek, gehienak, bi dimentsiokoak, estetika errugabea dute, baita haur-estetika ere, eta kontraste hori haien atzealdearekin eta haien gaiekin kontrajartzen da; gai horien artean, mendebaldeko gizartean gizarte-konbentzioek duten pisua aurki dezakegu, mendebaldeko gizartean, gainerakoen erreferente gisa aurkezten baita, erlijio-aginduak eta gaur egun duten pisua, emakumearen rola eta haren gorputzak eremu pribatuan eta publikoan duen tratamendua, Eta hizkuntzaren testuingurutik ateratzea eta etsitzea, baita ere.

Honako deialdi hauetan parte hartu du: Getxoarte (2011, 2013), Gasteizko Artista Egoiliarrentzako 2015eko Proiektu Artistikoak, Montehermoso Zentroak antolatua (2015), Refest, Images & Words on Refugee Routes, Egoitza Ibilgarrien Europako Programa eta Autoedizioaren Munduarekin eta haren Ohiko Diziplinekin lotutako Artistentzako Erakusketak: komikia, ilustrazioa, Bilduma – Gasteiz, Estereotipos de

Emakumeen maltzurkeria (2018), Artiumekin lankidetzan aritu da Sortzea, ez errepikatzea/Producción, no reproducción (2018) erakusketaren barruan, gazte ekintzaileentzako Erasmus deialdian hautatu dute, Annexe B espazioaren barruan tresnak proiektua (o) garatuz, MC2A elkarteak Bordelen kudeatzen duena (2019), eta Red Fanzine argitalpen kolektiboan parte hartu du.

Bere ibilbide profesionalari eta obrari buruzko hitzaldia Gasteizko Zuloa liburudendan, MAZOKA programaren barruan (hiriko ilustrazio-azoka), Euskal Irudigileak Euskadiko Ilustratzaileen Elkarte Profesionalarekin lankidetzan (2019), eta apirilean Ikasgeletatik Espazio jardunaldietan parte hartuko du.

Gaur egun Artiumen lan egiten du, Arte Garaikideko Euskal Zentro-Museoan, gidari eta hezitzaile gisa, eta martxora arte Iparralde eta Judizmendi gizarte-etxeetan marrazketa eta pintura tailerrak ematen ditu, bata helduentzat eta bestea haurrentzat. Hezkuntza-lana eta praktika artistikoa uztartzeak ikuspuntuak zabaltzea ahalbidetzen dio, esperientziaren bidez aberastea esparru profesional eta adin desberdinetako pertsonekin tratatzean, eta jorratzea Artea eraldaketarako tresna potentzial gisa.

nalbeniz@gmail.com

Instagram: @nalbeniz

BIO

Natalia Albeniz es una artista visual y educadora nacida en 1989 en Vitoria – Gasteiz y residente en el mismo lugar. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco con especialidad en Pintura, a continuación cursa dos másteres; el primero en Creación e Investigación en Arte para el que presenta el proyecto teórico La Distancia que Separa al Arte del Público. Dificultades para la Comprensión y Aceptación del Arte Contemporáneo en la Sociedad Actual tutorizado por Txaro Arrazola, y el segundo en Formación de Profesorado con especialidad en Educación Artística, ambos por la misma universidad. Sus trabajos, la mayor parte bidimensionales, cuentan con una estética inocente e incluso infantil que contrasta con el trasfondo de los mismos, así como con sus temáticas, entre las cuales podemos encontrar el peso de las convenciones sociales en la sociedad occidental en tanto que ésta se presenta como referente al resto, los preceptos religiosos y su peso en la época actual, el rol de la mujer y el tratamiento de su cuerpo en las esferas privada y pública, y la descontextualización y resignificación del lenguaje, así como sus proyecciones.

Ha participado en convocatorias como Getxoarte (2011, 2013), Proyectos Artísticos 2015 para Artistas Residentes en Vitoria-Gasteiz organizada por el CC Montehermoso (2015), Refest, Images & Words on Refugee Routes,  Programa Europeo de Residencias Itinerantes y Exposiciones para Artistas Relacionados con el Mundo de la  Autoedición y sus Disciplinas Habituales: Cómic, Ilustración, Collage organizado por Fundación Montemadrid con el proyecto colectivo y multidisciplinar Home (2017 – 2018), Artgia Da organizada por ARTgia Sorgune & Aretoa en Vitoria – Gasteiz con el proyecto Estereotipos de Género. Maldad Femenina (2018), ha realizado una colaboración con Artium dentro de la exposición Sortzea, EZ Errepikatzea /  Producción, NO Reproducción (2018), ha sido seleccionada en la convocatoria Erasmus para Jóvenes Emprendedores, desarrollando el proyecto (O)Útiles dentro del espacio Annexe B, gestionado por la asociación MC2A en Burdeos (2019), ha participado en la publicación colectiva Red Fanzine premiada dentro de la convocatoria Haziak perteneciente al Departamento de Juventud del Ayuntamiento de Vitoria – Gasteiz (2019), en diciembre dio una charla sobre su recorrido profesional y obra en la librería Zuloa de Vitoria – Gasteiz dentro del programa MAZOKA , mercado de ilustración de la ciudad, y en colaboración con La Asociación Profesional de Ilustradores de Euskadi Euskal Irudigileak (2019), y en abril participará en las jornadas jornadas Ikasgeletatik Espazio Publikora. Arte Garaikidearen Inguruan Lanen Bilduma Bat. Egindako Titulazio Amaierako  / Desde las aulas al espacio público. Una Colección de Trabajos de Fin de Titulación Realizados en torno al Arte Contemporáneo que tendrán lugar en Artium, Centro – Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

Actualmente trabaja en Artium, Centro – Museo Vasco de Arte Contemporáneo como guía y educadora, y hasta marzo en los centros cívicos Iparralde y Judizmendi dando talleres de Dibujo y Pintura, uno para adultos y otro infantil.  El hecho de combinar la labor educativa con la práctica artística le permite una ampliación de puntos de vista, el enriquecimiento a través de la experiencia al tratar con personas de diferentes ámbitos profesionales y edades, y abordar el arte como una potencial herramienta de transformación social.

nalbeniz@gmail.com

Instagram: @nalbeniz

Pablo Ochoa de Olza

Munstro bera

Artelana:

21×14,5 cm-ko kartulina, akriliko gorriz eta molotow tintaz margotua, betiko munstroa bere gogoko elikagaia irensten irudikatzen du: etsipena eta estutasuna.

Artelanari buruz:

Ziurgabetasunak eta beldurrak munstroak sorrarazten dituzte. Sentimendurik gorrotagarrienetaz, beldurrik ezkutuenetaz elikatzen dira.

Pandemia aurretik bazegoen hor eta orain, etortzeke dauden sasoi ilunen atzetik, munstroak oraindik gogorrago mehatxatzen du. Zenbat eta beldur handiagoa izan hainbat eta indartsuagoa izango da eta horregatik artelan argitsua da, itxaropena bere pozoina delako.

150,00 €

Munstro bera

Obra:

Cartulina 21 x 14,5 cm pintada con acrílico rojo y tintas molotow, representando al monstruo de siempre devorando su alimento preferido: la desesperación y la angustia.

Sobre la obra:

La incertidumbre y el miedo producen monstruos. Se alimentan de los sentimientos más odiosos, de los miedos más ocultos.

Antes de la pandemia ya estaba ahí y ahora, tras los oscuros tiempos que se avecinan, aún más fuerte acecha el monstruo. Cuanto más lo temas más fuerte será y por eso hay luz en la obra, porque la esperanza es su veneno.

150,00 €

Plastikozko poltsa hondo gorriaren gainean

Artelana:

40×40 neurriko oihala paketatzeko zintaz estalia, akriliko gorriz margotua eta galtzerdi denda bateko plastikozko poltsa vat erantsita 

Artelanari buruz:

Kontsumo neurrigabeak eta lehiakortasunak ekarri gaitu hona. Kontsumo gizarteak, munduko fabrika izatearen truke, mugarik gabe eta merke ekoizteko dio giza eskubideak eta ingurumena gutxiesten dituzten herrialdeetan. Eta honek gaitz izugarriak sortzen ditu.

Gizadia joko arriskutsuan jolasten dabil eta harentzat ikusgaitza den zerbaiten mugan dabil, arriskua hor dagoela erreparatu gabe, suaren ondoan dabilen haur arduragabea bezala.

Artelanak giza ergeltasuna irudikatzen du gure gaitzen arrazoi nagusi bezala, pandemia barne, eta xumetasunetik iragartzen du hau ez baldin bada egundoko hondamendia hurrengoa izan litekeela.

250,00 €

Bolsa de plástico sobre fondo rojo

Obra: 

Lienzo de 40×40 recubierto en cinta de embalar, pintado con acrílico rojo y con bolsa de plástico de una tienda de calcetines adherida.

Sobre la obra:

El consumo desmedido y la competitividad nos ha traído aquí. La sociedad de consumo demanda sin tasa y producir barato en países que desprecian los derechos humanos y el medio ambiente a cambio de ser fábricas mundiales, produce males impredecibles. 

La humanidad juega un juego arriesgado y camina por el filo de algo que no ve, sin percibir que el peligro está ahí, inconsciente como un niño junto a un fogón.

La obra representa la estupidez humana como causa primaria de nuestros males, pandemia incluida, y augura en su sencillez que si esto no es una catástrofe de proporciones bíblicas la siguiente puede serlo.

250,00 €

Pablo Ochoa de Olza (Iruñea, 1968)

Grafiti margolaria 1986 eta 1991 bitartean Espainian eta New Yorken, nazioarteko grafiti «BMG Ariola» sariaren irabazlea 1990ean, 90.  hamarkadan Pablok hormak alde batera uzten ditu eta oihalean, zeramikan eta hitzez hitz margotu daitekeen edozein euskarritan jartzen du arreta Bartzelona, Alemania eta Estatu Batuetan bizi den bitartean. Sei urte hauek Pabloren lana ezinbestean markatzen dute, eta urteotan zaharberritze lanetan dihardu Ernest Stocken lantegian 1994ra arte.

Orduztik ia bere osotasunean industria robotikan trebatua, Pablo O. pintatzeko robot programatzailea da, grafitiaren arloa albo batera utziz, ehunka roboten esku uzten ditu milioika litro margo, eta bitartean berak, modu berezian, kaleak, aretoak, pertsonaiak eta benetako edo asmaturiko agerraldiak marrazten eta margotzen ditu, ikuspegi zeharargitik baheturik.

Modetatik eta azken joeretatik ihesi, arauekiko errespeturik gabe, inolako joeratara alineatu gabe eta guztiz garai kanpoko, artista honek bere sormen helduan gaztaroko indarrarekin jarraitzen du: urteek ez dute bere grina baretu eta 80.hamarkadako komiki bat bailitzan ikusten du bizitza, non errealitateak eta fikzioak ez duten esanahirik, «nori axoka zaio errealitatea»?

Bere argiarekiko eta formekiko ikuskera, ikuspegia, proportzioak eta trazua hain dira bereziak bere existentzia begiratzeko moduan bezalaxe, alde batera okerturik.

pablo@ochoamaquinaria.com

Instagram: @Pablo.Ochoadeolza

Facebook: Pablo Ochoa De Olza

LinkedIN: Pablo Ochoa De Olza

Pablo Ochoa de Olza (Pamplona, 1968).

Pintor de grafitis entre 1986 y 1991 en España y Nueva York, ganador del 1er premio nacional de Graffiti 1990 “BMG Ariola”, en los 90 Pablo pasa de las paredes al papel, al lienzo, la cerámica y literalmente cualquier soporte pintable, mientras reside entre Barcelona, Alemania y Estados Unidos. Seis años que marcan su obra sin remisión y en los que trabaja como restaurador de antiguedades en el taller de Ernst Stock hasta 1994.

Formado prácticamente desde entonces en robótica industrial, Pablo O. es programador de robots de pintura, cerrando el bucle del graffiti con millones de litros de pintura en spray a manos de cientos de robots, mientras él, con un tono original y único dibuja y pinta calles, estancias, personajes y escenas, reales o imaginadas, tamizadas por un prisma translúcido.

Independiente de modas y tendencias, irrespetuoso de las normas, no alineado en ninguna corriente y absolutamente extemporáneo, este artista en su madurez creativa sigue con el punch de la juventud: los años no han calmado la pasión y ve la vida como un comic de los 80 en que ficción y realidad no significan nada, “¿a quien le importa la realidad?”

Su visión de la luz y las formas, la perspectiva, la proporción y el trazo son tan originales como su peculiar forma de mirar de medio lado la existencia.

pablo@ochoamaquinaria.com

Instagram: @Pablo.Ochoadeolza

Facebook: Pablo Ochoa De Olza

LinkedIN: Pablo Ochoa De Olza

David F. Brandon

Giza paisaia

Paisaietan ez dago jendea bistan. Pertsonak izaki intrusoak izango lirateke, eta Gizateria paisaian sartu da dagoeneko, nahiko bortizkeriaz, eta gupidagabeki, Betiko itxura aldatzeko moduan. Gizateria egon da eta joan da, eta ¡rauten duena mendeetan zehar moldekatutako eta manipulatutako mundu baten irudia da. Paisaia gizakiak egindako eraikina da, eta horrelako sorkuntzaren aurrean aurkeztuak. Bakarrik egin behar diogu aurre.

Behatzen duenak, nostalgia mota jakin bati buruz, gainbeherari buruz edo ausentziaren eta desagertzearen gainbehera, edo une horren gainbehera, edo bere burua etorkizuneko une batean, baizik eta gizabanakoak gauzen emaitzak senti ditzakeen gizakien ekintzak, aldaketa isilak baina etengabeak, denbora-tarteak…Tartean sartzen da, pixka bat umiliatuta agian, eta konturatzen da: Banako gisa, errepresentatutako gauzen eskala unibertsalaren aurrean, honako hau egin behar du: Galdera egitea …

«Izan ote nintekeen ni, noizbait, ikusten dudanaren ondorio? «

David F. Brandon, 2020

 

Bi obrak, The Violet Garden IIX eta The Violet Garden IX, foto-muntaiak dira. Paisaien eta bestelako xehetasunen argazkiak ez ezik, Pintura akrilikoak.

Tamaina aldakorra da bezeroaren eskakizunen arabera (papera/aluminioa, etab.), baina Inprimaketa-tamaina ideala 70 x 105 cm izango litzateke aluminioan.

– prezioa: 332,80 €.

El paisaje humano

En los paisajes no hay gente a la vista. Las personas serían seres intrusos y es que la humanidad se ha inmiscuido ya en el paisaje con la violencia suficiente, e implacable, como para cambiar su aspecto para siempre. La humanidad ha estado y se ha ido y lo que permanece es la imagen de un mundo, moldeado y manipulado durante siglos. El paisaje es una construcción hecha por el hombre, y presentados ante semejante creación tenemos que enfrentarla solos.

Quien observa no sólo podrá meditar sobre un cierto tipo de nostalgia, sobre el declive o la decadencia, sobre la ausencia y la desaparición, o sobre este instante, o proyectarse a sí mismo en un momento futuro, sino que se le invita a reflexionar sobre su posición en el esquema de las cosas en las que el individuo puede sentir los resultados de las acciones de los seres humanos, cambios silenciosos pero constantes durante inmensos períodos de tiempo. Se involucra, humillado un poco tal vez, y se da cuenta de que como individuo, frente a la escala universal de las cosas representadas, tiene que plantarse la pregunta, –

«¿Podría haber sido yo alguna vez, soy yo, alguna vez seré, puedo ser una parte de aquello cuyas consecuencias veo?»

Texto © David F. Brandon, 2020

Las dos obras, The Violet Garden IIX, y The Violet Garden IX, son foto-montajes.

Estos incluyen fotografías no solo de paisajes y otros detalles, sino también de mis pinturas acrílicas.

El tamaño es variable según los requisitos del cliente (papel / aluminio, etc.) pero el tamaño de impresión ideal sería 70 x 105 cm en aluminio.

– Precio 332,80 €.

DAVID F. BRANDON

Arte Ederretan lizentziatua Kingstongo Politeknikoan 1976an. 1980an Londresko Royal College of Art-en Arte Ederretako graduondokoa. Gasteizen bizi da 1985etik.

Azkenengo erakusketa kolektiboak: 2010 «Sustaining the Future» argazki Man saria, Royal College of Art, Courtyard Galleries, Londres. 2016-2019 «Zas Kabinetea, 2. zk. – 5. zk.», Kultur Zas, Vitoria-Gasteiz.

Azkenengo bakarkako erakusketak: 2010 «ideia baten espektroa». UPV Unibertsitate pabiloia. Gasteiz. 2016 «BLINK». Amarika aretoa, Gasteiz

Argitaratutako artikulu  berriak: 2018, Carlos Marcoteren lanari buruzko «las Sombras Ausentes de un Paisaje», Bilboko Juan Manuel Lumbreras galeriaren webgunean argitaratua, David F. Brandon. 2016, «Autorretrato introspectivo», David F. Brandonen obrari buruz Javier Hernández Landazabalek idatzia, «BLINK» erakusketaren katalogorako.Arte Ederretan lizentziatua Kingstongo Politeknikoan 1976an. 1980an Londresko Royal College of Art-en Arte Ederretako graduondokoa. Gasteizen bizi da 1985etik.

DAVID F. BRANDON

Licenciado en Bellas Artes en el Politécnico de Kingston en 1976. Postgraduado en Bellas Artes en el Royal College of Art de Londres en 1980. Residente en Vitoria-Gasteiz desde 1985. 

Exposiciones Colectivas Recientes, 2010 “Sustaining the Future” El premio MAN de fotografía,  Royal College of Art, Courtyard Galleries, Londres. 2016-2019 “Gabinete Zas, Nº2 – Nº5”, Zas Kultur, Vitoria-Gasteiz.

Exposiciones Individuales Recientes, 2010 “El Espectro de una Idea”. Pabellón Universitario UPV. Vitoria-Gasteiz. 2016  “ Blink”. Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz

Artículos recientes publicados, 2018,  “Las Sombras Ausentes de un Paisaje” sobre la obra de Carlos Marcote, publicada en la web de la Galería Juan Manuel Lumbreras de Bilbao, David F. Brandon. 2016,   “AUTORRETRATO INTROSPECTIVO”, escrito por Javier Hernández Landazabal sobre la obra de David F. Brandon para el catalogo del exposición “Blink”.

Salim Malla

Homo mensura, 2020
Resina de poliéster esmaltado.
17 cm de diámetro x 0,8 de espesor

156,00 €

Obra seriatu honek (50 unitate.) azken zazpi urteetan luzera neurtzeko unitateen inguruan garatu dudan ikerketa teoriko-praktikoko proiektu bat laburbiltzen du plastikoki. Gasteizko Montehermoso zentroan erakutsi zen proiektu plastiko hori, 2019ko irailean, eta, 2020an, artista-liburu bat argitaratuko da. Homo mensura izeneko pieza hau Protagoras sofista greziarraren esaldia formalizatzera dator: «Gizakia gauza guztien neurria da», pentsamendu oro berez antropometrikoa dela aipatzen duena. Nire aurreko lan batzuetan jadanik erabili dudan baieztapen horrek laburbiltzen du gizakiak ingurunearekin duen harremana, zeinaren antropozentrismoak ingurugirotik urruntzen baitu, eta, gaur egun, pandemia garaian inoiz baino gehiago, zirkulu biziotsu eta benetan arriskutsutzat jotzen da.

Homo mensura, 2020
Resina de poliéster esmaltado.
17 cm de diámetro x 0,8 de espesor

156,00 €

Esta obra seriada (50 ud.) sintetiza plásticamente un proyecto de investigación teórico-práctica que he desarrollado a lo largo de los últimos siete años en torno a las unidades de medida de longitud. Un proyecto que fue mostrado en su vertiente plástica en el centro Montehermoso de Vitoria- Gasteiz en septiembre de 2019, y que durante este año 2020 se completará con la publicación de un libro de artista. Esta pieza titulada Homo mensura viene a formalizar la frase del sofista griego Protágoras: “El hombre es la medida de todas las cosas”, que hace referencia a que todo pensamiento es antropométrico por naturaleza. Esta afirmación que ya he empleado en algunas de mis anteriores obras, resume el comportamiento humano en su relación con el entorno, cuyo antropocentrismo le aleja de su medio ambiente, y hoy más que nunca en tiempo de pandemia se evidencia como un círculo vicioso ciertamente peligroso.

Egiten dudan ikerketako praktika artistikoa nitaz elikatzen da.

Salim Malla (Gasteiz, 1976) Arte Ederretan doktorea da, UCMk lurraldearekin lotutako aldez aurreko prestakuntza zientifiko-teknikoa eman duelako.

Eta ingeniaritza topografikoan diplomatua EHUn. Arte Ikerketa eta Sorkuntza masterreko bere es- tudioak egin zituen arte garaikidearen iragazkiaren bidez.

UCMko Arte Ederrak, non doktoregoa ere osatu zuen gizakiak bere burua definitzeko erabiltzen duen asmo arrazionalean.

Arte Garaikideko Departamentua, inguruko ikertzaileak diren aldetik, baina beren planteamenduetan funtsik ez dutenak.

Prestakuntza (UCM-B.Santander beka). Galdera horiek zalantza eta absurdua erantsiz berrinterpretatzen ditut, eta objektuetan formalizatzen ditut.

Salim Mallaren ibilbide artistikoa bereziki garatu da, nik siditifikoak deitzen ditudan metodologietan oinarrituta.

Eskulturaren arloan, espazioaren eta haren ikusmoldearen esku-hartzea duen edozein ideia eta ekintza bezala ulertuta, arazo horiek sistemen definizioetan daude.

Tualizazioa. Horretarako, mota guztietako materialak eta neurketa-prozedurak erabiltzen ditu, proiekzio kartografikoen formuletan,

Obra objektiboetatik sortzen dituenekin -kristalezko eraikuntzak, geodesiak definitutako irudiak, eta giza saiakera guztietan

Papera eta txanponak, zuraren edo erretxinaren gainean zizelkatuta, silikonaz hustuta edo ideia batekiko sentikorra dena murriztuta.

Eskaiola, grabatua, argazkia, bideoa, bitarteko elektronikoak, baita espazioko ekintza iragankorrak ere. Sortzaile plastiko gisa egiten duen lanaz gain, erabiltzen dudan lan-prozesua metodo- bat aplikatzearen emaitza da.

Ikerketa teorikoa egiten du, eta, horren ondorioz, hitzaldiak, topaketak eta par- logia zehatza egiten ditu kasu bakoitzean, zalantzan jartze batetik abiatuta.

I+G taldeetan tinkatzea eta hainbat bitarteko teoriko jakinetan argitaratzea. Aukeratutako bitartekoak, teknikak eta materialak askotarikoak dira, eta zurez landutako piezak, tramankuluak eta abar aurki daitezke.

Bakarkako erakusketak egin ditu, besteak beste, Virada electronica, fotografia, marrazkia, bideoa edo ekintza iragankorrak.

Por Redondo (Valladolid 2019), Desmesura (Vitoria-Gasteiz, 2019), Ma- roceanum (El Puerto de Santa María, 2019) Husos y costumbres (Va- lladolid, 2017), Punto ciego (Madril, 2015), Item Perspectiva (Valladolid, 2014), Cartografia di un processo (Thiene, Italia 2013), eta Medir el Metro (Madril, 2013). Hainbat azokatan izan da presentzia: Art Sevilla 2017, arco Madrid 2017 eta 2016, Casa Leibniz 2015, Art Marbella 2015, Foro Arte Cáceres 2015, Summa Art Fair Madrid 2014, Bilboko irudia 2014. Bere obra Artium museoaren bilduma publikoaren eta Casa de Indias eta O.T.R enpresa pribatuen artean dago.

Sobre mi trabajo

La práctica artística de investigación que llevo a cabo se nutre de mi formación científico-técnica previa relacionada con el territorio.

Analizo a través del filtro del arte contemporáneo algunas estrategias pretendidamente racionales que el ser humano emplea para definir su entorno, pero que adolecen de inconsistencias en sus planteamientos. Reinterpreto estas cuestiones incorporando la duda y el absurdo, y las formalizo en objetos-idea que generalmente son el resultado de un ex- perimento basado en metodologías que yo llamo sidicientíficas.

Estas problemáticas se encuentran en las definiciones de los sistemas de medida, en las formulas de las proyecciones cartográficas, en las figuras definidas por la geodesia, y en todos aquellos intentos humanos de reducir lo sensible a una idea.

El proceso de trabajo que utilizo es el resultado de aplicar una metodo- logía concreta en cada caso, establecida a partir de un cuestionamiento teórico determinado. Los medios, las técnicas y los materiales elegidos son diversos, pudiendo encontrarse piezas talladas en madera, artilugios electrónicos, fotografía, dibujo, video o acciones efímeras.

BIO

Salim Malla (Vitoria-Gasteiz, 1976) es doctor en Bellas Artes por la UCM y diplomado en ingeniería topográfica por la UPV-EHU. Realizó sus es- tudios de máster en Investigación en Arte y Creación en la facultad de Bellas Artes de la UCM, donde también completó su doctorado en el Departamento de Arte Contemporáneo como personal investigador en formación (beca UCM-B.Santander).

La trayectoria artística de Salim Malla se ha desarrollado especialmente en el campo de la escultura, concebida en su más amplia definición como cualquier idea y acción donde intervenga el espacio y su concep- tualización. Emplea para ello todo tipo de materiales y procedimientos con los que crea desde obras objetuales -construcciones con cristal, papel y monedas, talla sobre madera o resina, vaciados con silicona o escayola, grabado, fotografía, video, medios electrónicos- hasta acciones efímeras en el espacio. Además de su trabajo como creador plástico realiza investigación teórica que deriva en conferencias, encuentros, par- ticipación en grupos de I+D y publicaciones en diversos medios.

Ha realizado exposiciones individuales entre las que destacamos Virada por Redondo (Valladolid 2019), Desmesura (Vitoria-Gasteiz, 2019), Ma- roceanum (El Puerto de Santa María, 2019) Husos y costumbres (Va- lladolid, 2017), Punto ciego (Madrid, 2015), Item Perspectiva (Valladolid, 2014), Cartografia di un processo (Thiene, Italia 2013), y Medir el Metro (Madrid, 2013). Ha tenido presencia en ferias como Art Sevilla 2017, ARCO Madrid 2017 y 2016, Casa Leibniz 2015, Art Marbella 2015, Foro Arte Cáceres 2015, SUMMA Art Fair Madrid 2014, FIG Bilbao 2014. Su obra forma parte de la colección pública del museo ARTIUM y de las privadas Casa de Indias y O.T.R entre otras.

Silvia Izquierdo

Konfinamenduari…Sormena!

ZANTZUAK

Desertu erdian bale eskeletu bat da behin itsasoa han izanzeneko aztarna bakarra,aztarna bakarra.

Mendi altuankarakola bat da,behin itsasoa han izan zeneko aztarna bakarra, aztarna bakarra.Etxe osoan usain antzeko bat da,behinhemen izan zineneko aztarna bakarra,aztarna bakarra.

Anari

Nire birramamak erosi zuen etxean bizi naiz. Gauza asko aldatu dira hona aldatzea erabaki nuenetik. Hala ere, iruditzen zait etxe honetatik igaro den jende guztiak arrastoa utzi duela bertan, eta hori oso presente dagoela gaur egun.

Egoera berria da etxean nahi baino denbora gehiago eman behar izatea. Hori dela eta, lan egiteko orduan, egokia iruditzen zait arreta etxearen barrenean jarri eta kanpokoa ahaztea. Barrukoa balioestea. Kontzientziara ekartzea jendearen arrastroz inguraturik bizi garela. Testigantza guztien berri ematea. Etxekoa, izkutuan dagoena txikia dena, balioan jartzea.

Oso argazki gutxi egiten ziren nire birramonaren garaian eta gehienak argazki posatuak ziren. Antzerkitik gehiago dute benetako bizitza islatzetik baino.

Benetazko arrastoen bila nenbilen plater zahar batean jaten ari nintzela.
Keinuz beteta dagoen eszena imaginatzen dut etxeko plater zaharrak begiratzean. Egon zenaren eta orain ez dagoenaren keinuak, zantzuak. Emozioen uneko argazkiak, bat-batekoak.

 

Obraren izena: Zantzuak Gaia: erretratua.

Materiala: argazkiak azetato gainean inprimatuta

Tamaina: 297 x 420 x 20 mm.

Hiru dimentsioko obra da, azetatoaren gardentasunak aukera ematen baitio ikusleari xehetasunak aurretik zein atzetik ikusteko.

Prezioa: 260,00 €

Vivo en la casa en la que vivía mi bisabuela y desde entonces han cambiado muchas cosas; sin embargo, quedan rastros de la toda la gente que ha pasado por ella y éstos están muy presentes hoy en día.

Es nueva para todas la situación  de tener que estar encerradas en casa obligatoriamente y a la hora de trabajar en estos días, me parece necesario estar en sintonía con el momento. Centrar la atención en el interior y olvidar el exterior. Poner en valor lo doméstico, lo íntimo, lo pequeño. Traer a la conciencia, que vivimos rodeadas de restos de las personas que un día habitaron este espacio. Sacar a la luz sus testimonios.

Creo que es difícil que las fotos muestren sentimientos reales, sobre todo las fotos antiguas. Se hacían muy pocos retratos en la época de mi bisabuela y la mayoría, eran fotografías posadas que tienen más de teatro que de vida cotidiana.

Me encontraba buscando rastros de esa vida real mientras comía en un plato viejo. Imagino una escena llena de gestos al mirar los viejos platos de mi casa. Gestos, indicios de lo que hubo y de lo que ahora no está.  Fotos instantáneas de emociones espontáneas.

 

Nombre de la obra: Zantzuak Tema: retrato.

Material: fotografías impresas sobre acetato

Tamaño: 297 x 420 x 20 mm.

Obra tridimensional. La transparencia del acetato permite al espectador apreciar los detalles desde diferentes ángulos.

Precio: 260,00 €

BIO

Silvia Izquierdo Cabañas dut izena, eta Bilbon jaioa naiz

Nire bizitzan zehar, liluratuta sentitu naiz artistek mundua irudikatzeko duten moduarekin, eta, beraz, ni neu ere hori egiten saiatzera deitua sentitu naiz. Nire artearekiko interesa nerabezaroan eta gaztaroan landu nuen pintura klaseetara joaten estudio batean.

Arteari ezkeintzen nion lekua pixka bat baztertuta geratu zen unibertsitate garaian, medikuntza ikasteak eskatzen zidan konpromesuagatik. Hala ere, inoiz ez diot utzi margotzeari, argazkiak ateratzeari edo erakusketak ikusteari.

Nire interesa eta formakuntza askoz gehiago garatu zen Arte Ederretako gradua hastea erabaki nuenean, eta ordutik artea sentitzeko modua, erabat aldatzen ari da.

Lan intimoak egitea gustatzen zait. Nire bizitza eta batez ere, inguruan ditudanen bizitzak maiz bihurtzen dira materiala nire lanenetan.

silvia.izquierdocab@gmail.com

Instagram: @xiri_xirike

BIO

Me llamo Silvia Izquierdo Cabañas y nací en Bilbao.

A lo largo de mi vida me he sentido fascinada por la forma que tienen las artistas de representar el mundo. Mi interés por el arte lo cultivé en mi adolescencia y juventud asistiendo a clases de pintura en un estudio.

El lugar que ocupaba el arte en mi vida quedó algo relegado al entrar en la universidad a estudiar medicina. Sin embargo, nunca dejé de formarme y de usar la creación como vía de escape.

Mi interés se desarrolló mucho más cuando decidí iniciar el grado en Bellas Artes en la UPV, algo que cambió radicalmente mi forma de entender el arte.

Me gusta hacer trabajos íntimos. Mi vida y, sobre todo, las vidas de los que me rodean se convierten a menudo en material para mis trabajos.

Silvia.izquierdocab@gmail.com

Instagram: @xiri_xirike

Estíbaliz Díaz

Gustatzen zait esaldi honetan pentsatzea: “Imajinatzen duzu guda bat dagoela eta ez doala inor?”

Teknikaren deskribapena, neurriak, izenburua eta prezioa. Pantailan bistaratzeko koloretako argazki digitalak.

Edizio irekia:
Posta formatua. Paper matean inprimatzea. Tamaina 10×15 cm: : 10,00  €/unitatea

Edizio mugatua:

50 irudi sinatu eta zenbakitu.

Fineart paperean inprimatzea (Hahnemühle edo baritatua, %100 zuntz/kotoizkoa pigmentu naturalen tintekin)

Inprimatze-tamaina 15 x 20 cm, marjina zuri txiki batekin: 50,00€/unitatea

Me gustan los almuerzos de domingo aunque sea cualquier otro día de la semana.

Descripción de técnica, dimensiones, título y precio.

Fotografías digitales en color realizadas para visualizar en pantalla.

Formato postal. Impresión en papel mate. Tamaño 10×15 cm: 10,00 €

Edición limitada:

50 ejemplares de imágenes firmadas y numeradas.

Impresión en papel Fineart (Hahnemühle o baritado, de fibra/algodón 100% con tintas de pigmentos naturales)

Tamaño de impresión 15 x 20cm, con un pequeño margen blanco: 50,00 €

*Para otros tamaños o fotografías enmarcadas contactar

BIO

Betidanik interesatu zitzaidan irudiaren eta artearen indarra, argazkigintza zehazki. Nire prestakuntza akademikoa Argazkigintza Artistikoko goi mailako teknikaria eta Diseinu eta Ekoizpen Editorialeko goi mailako teknikaria da. Argazkigintza eta ikus-entzunezkoak ere ikasi nituen EAOn, eta hainbat tailer eta mintegitan izan nintzen. 2008az geroztik, argazkilari gisa lan egiten du, enpresa edo erakundeentzako mandatuak egiten; adin guztietako jendearentzako eskolak eta ikastaroak ematen ditu EAOn, udaletan edo elkarteetan; eta proiektu artistikoagoak koordinatzen eta garatzen ditu. Banakako eta taldeko erakusketa ugari egin ditut, hainbat beka lortu ditut eta lehiaketa batzuk irabazi ditut. Gaur egun, hezkuntzako argazki-enkarguak egiten ditut, eta proiektu pertsonalagoak sortzen jarraitzen dut.

*Gizakiarekin eta haren ingurunearekin zerikusia duten gai sozialak (egunerokoa, jasangarritasuna edo batez besteko masak, besteak beste) eta parte hartzaileko proiektuak interesatzen zaizkit.

Web: estibalizdiaz.com (en construcción)

 

BIO

Siempre me interesó la fuerza de la imagen y el arte, en concreto la fotografía . Mi formación académica es Técnico Superior Fotografía Artística y Técnico Superior en Diseño y Producción Editorial. También estudié Fotografía y Audiovisuales en EAO y asistí a diversos talleres y seminarios. Desde el 2008 trabajo como fotógrafa realizando encargos para empresas o instituciones; impartiendo clases y cursos para públicos de todas las edades en EAO, ayuntamientos o asociaciones; y también coordinando y desarrollando proyectos de carácter más artístico. He realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, conseguido varias becas y ganado algunos concursos. Actualmente compagino encargos fotográficos con la educación y también sigo creando proyectos de carácter más personal.

*Me interesan temas de contenido social relacionados con el ser humano y su entorno (lo cotidiano, la sostenibilidad o los mass media entre otros) y los proyectos participativos.

Web: estibalizdiaz.com (en construcción)

 

Unai Madariaga

Izena: Zure ametsa tristea da.

Teknika: Spray-a harri-kartoi gainean.

Neurria: 1,50 x 1,05 m.

Precio: 390,00 €

Deskribapena: lan hau, zortzi koadroz (oraingoz, baliteke gehiago ere sortzea) osatutako lan nagusiago baten parte da. Lan horren izena “Mundu hobe bat edo mundu txarrago bat, baina mundu ezberdin bat” da. Honek, mundu osoa geldiarazi duen pandemiari egiten dio erreferentzia, jasaten ari garen egoera inspirazio modura erabiliz. Fokua, hala ere, ez dago orainean jarrita, etorkizunean baizik. Lan honek, pandemiaren osteko egoera post-apokaliptikoa erakusten du, arazoaren ikuspuntu negatibo batetik begiratuz. Munduaren koloreak aldatu egin dira, itsasoa eta zerua jada ez dira urdinak, eta airean dantzan ibiltzen diren gasen eta hautsen erruz atmosfera askoz dentsoagoa da. Mundu berri honen kondizioetara egokitu beharretan, gizakiak eboluzionatu behar izan du, bera gorpuzkera eta azala aldatuz.

Gaur egungo gizartea eta sistema kolokan daude, horrek gizarte eta sistema berri bat lortzeko aukera ekarri digu, eta, aukera hori aprobetxatu beharra dago. Pandemiaren ostean lehen zegoen normaltasunera itzultzeko gogoz dago jendea, baina aurrera egiteko aukera ezin da bertan behera utzi, gizarte enpatikoago, errespetutsuago eta lagungarriago bat lortzeko momentua hau baita.

Lan honetan ordea, gauzak askoz okerrago joan dira eta nire buruan imajinatzen dudan gizarte post-apokaliptikoa irudikatu nahi izan dut. Hala ere, nahiz eta mundua guztiz aldatu den eta bizitzeko leku askoz latzagoa bihurtu den, pertsonen arteko harremanetan oraindik fedea dago, horrelako momentu hain zail bat pasatu eta gero, hauen arteko harremanak indartu baino ezin baitira egin.

Beste alde batetik, spray-aren erabilerak sentsazio guzti hauek bultzatu eta indartu egiten ditu, figura apur bat distortsionatuz adibidez, edo pinturaren tanten laguntzaz, mundua urtuz doala adieraziz.

Nombre: sin nombre.

Técnica: spray sobre cartón piedra.

Tamaño: 0,75 x 1,05 m.

Precio: 195,00 €

Descripción: este trabajo forma parte de una obra principal compuesta por ocho cuadros (de momento, es posible que surjan más). El nombre de esa obra es «un mundo mejor o un mundo peor, pero un mundo diferente». Esto hace referencia a la pandemia que ha paralizado todo el mundo, utilizando como inspiración la situación que estamos sufriendo. El foco, sin embargo, no está puesto en el presente, sino en el futuro. Este trabajo muestra el estado post-apocalíptico tras la pandemia, observándolo desde un punto de vista negativo del problema.

Los colores del mundo han cambiado, el mar y el cielo ya no son azules, y por culpa de los gases y los polvos que bailan en el aire la atmósfera es mucho más densa. En la necesidad de adaptarse a las condiciones de este nuevo mundo, el ser humano ha tenido que evolucionar, cambiando él mismo de complexión y piel.

La sociedad y el sistema de hoy en día se tambalean, lo que nos ha traído la oportunidad de conseguir una nueva sociedad y un nuevo sistema, y hay que aprovechar esa oportunidad. La gente está deseosa de volver a la normalidad que había antes tras la pandemia, pero no se puede dejar pasar la oportunidad de salir adelante porque este es el momento de conseguir una sociedad más empática, respetuosa y colaboradora.

En este trabajo, sin embargo, las cosas han ido mucho peor y he querido imaginar en mi cabeza una sociedad post-apocalíptica. Sin embargo, a pesar de que el mundo ha cambiado por completo y se ha convertido en un lugar mucho más duro para la vida, todavía hay fe en las relaciones entre personas que, pasado un momento tan difícil como éste, no pueden más que fortalecerse.

Por otro lado, el uso del spray favorece y refuerza todas estas sensaciones, distorsionando un poco la figura, por ejemplo, o apoyándose en las gotas de la pintura, indicando que el mundo se va derritiendo.

Biografia

Unai Madariaga Zabala.

1996an Bilbon jaioa, txikitatik musika eta artearekiko interes handia izan dut. EHUn Sorkuntza eta Diseinuko gradua ikasten ari naiz, aurtengoa laugarren eta azken urtea izanik.

Orain argazkilaritzan oso zentratua egon arren, pintura, collagea eta bideoa ere lantzea gustuko dut.

Biografía

Unai Madariaga Zabala.

Nacido en Bilbao en 1996, desde pequeño he tenido un gran interés por la música y el arte. Estoy estudiando el Grado en Creación y Diseño de UPV, siendo este año el cuarto y último.

Aunque ahora esté muy centrado en la fotografía, me gusta trabajar también la pintura, el collage y el vídeo.

Mikel González

In Extinction We Trust Cosmic Tentaclesen erakusketa bat

Fikziozko Coronavirus Friends Foundationek zuzendutako zenbait lanen bidez, in Extinction We Trust eslogan grafikoen erakusketa bat da, umoretik aurre egiteko egoera larriari. Askotariko gaiak jorratzen ditu, hala nola gure kaleen eta kazetaritza-hizkuntzaren militarizazioa, balkoi-gestapo horien eraketa, gure kontsumoaren alderdi surrealista.

Gehienbat zuri-beltza erabiliz, eta gerrilla lan bat balitz bezala egituratuta, 70eko hamarkadako estetika iraultzailetik edaten du in Extinction We Trustek, 80ko hamarkadako punketik, eta birkonfiguratu egiten ditu, etengabe eguneratzen ari den orainaldi hutsal baten mesedetan ukatu zaigun etorkizun bati aurre egiteko. Era berean jarduten du azalpenak, kontzeptuen eta mezuen sintesia besarkatuz, ideiaren bat kentzeko balak bezala birkonfiguratzeko eta, batez ere, ahalik eta irribarre gehien ateratzeko. Izan ere, biak elkarrekin lotuta daude ezinbestean.

IN EXTINCTION WE TRUST una exposición de COSMIC TENTACLES

A través de una serie de obras comisionadas por la ficticia Coronavirus Friends Foundation, IN EXTINCTION WE TRUST es una exposición de eslóganes gráficos con los que afrontar desde el humor la grave situación en la que nos encontramos, tratando temas tan diversos como la militarización tanto de nuestra calles como del lenguaje periodístico, la formación de esas Gestapos de balcón, lo surrealista de nuestro consumo apocalíptico o la propia figura de Dios en tiempos convulsos.

Utilizando en su mayoría el blanco y negro, y estructurada como si una obra de guerrilla se tratase, IN EXTINCTION WE TRUST bebe de la estética revolucionaria de los años 70, el punk de los 80 y las reconfigura para afrontar un futuro que nos ha sido negado en beneficio de un presente en continua y vacua actualización. Del mismo modo actúa la exposición, abrazando la síntesis de conceptos y mensajes para reconfigurarlos como balas con las que remover alguna idea y, ante todo, sacar el máximo de sonrisas posibles. Porque ambas cosas están inexorablemente entrelazadas.

Las obras se venden de manera independiente, en formato 30x30cm, excepto el diseño a color, en formato 50x70cm. Impresión digital en papel offset de 350gr.

Las obras pequeñas se venden por 39,00 €, y la grande por 65,00 €.

Cosmic Tentacles Studio

Cosmic Tentacles Studio 2012an sortu zen, Mikel Gonzalez artista grafiko bizkaitarraren eskutik. Artista hori Gasteizen bizi da, eta musikaren munduarekin bat egiten hasi zen, kartelak eta disko-azalak eginez euskal, estatu mailako eta nazioarteko bandetarako.

Genero zinemarekin maitemindutako estiloarekin (giallo italiarretik folk britainiarrera, B estatubatuar serietik pasatuz), 80ko hamarkadako punk eta hardcore eta collage digitalaren aukera amaigabeekin, The Soulbreaker Company (eh), Capsula (arg/eh), The Fleshtones (us), 10.000 Russos (por) bezalako taldeentzako lanak egin ditu.

Orbain Kultur Elkartean eta Herre tabernan ere ikusgai jarri ditu bere lanak, eta egun Mundina artistarekin batera erakusketa bat lantzen ari da, Zuloa Irudian ikusi ahal izango dena.

Mikel González // Cosmic Tentacles

Webzine: http://www.cosmic-tentacles.com/

Design Studio: https://cosmictentacles.jimdofree.com/

Record Label: https://cosmictentacles.bandcamp.com/

Instagram: @cosmic_tentacles

Facebook: @tentaculoscosmicos

COSMIC TENTACLES STUDIO

COSMIC TENTACLES STUDIO nace en 2012 de la mano del artista gráfico Mikel González, vizcaíno afincado en Gasteiz que comienza su trabajo en estrecha unión con el mundo de la música elaborando cartelería y portadas de discos para bandas vascas, estatales e internacionales.

Con un estilo enamorado del cine de género (del giallo italiano al horror folk británico pasando por la serie B estadounidense), el punk y hardcore de los 80 y las infinitas posibilidades del collage digital, ha realizado trabajos para bandas tan diversas como The Soulbreaker Company (EH), Capsula (ARG/EH), The Fleshtones (US), 10.000 Russos (POR), Akauzazte (EH), Yawning Man (US), Electric Mary (AUS), Arabrot (NOR) o Masters Of Reality (US) entre otros.

También ha expuesto sus obras en Orbain Kultur Elkartea y el bar Herre, y actualmente se encuentra trabajando en una exposición conjunta con el artista Mundina que podrá verse en Zuloa Irudia.

Mikel González // Cosmic Tentacles

Webzine: http://www.cosmic-tentacles.com/

Design Studio: https://cosmictentacles.jimdofree.com/

Record Label: https://cosmictentacles.bandcamp.com/

Instagram: @cosmic_tentacles

Facebook: @tentaculoscosmicos

Ainara Oskoz Bergareche

«Verde esperanza»= 300,00€

«En la panadería»= 500,00

«arnasten dugun garaia». 90 x 70 zm. = 390,00€

«Aizpak». 120 x 80 zm .  = 650,00€

ARNASTEN DUGUN GARAIA

“Arnasten dugun garaia”, eguneroko lanarekin jarraitzeko beharraz jaio da egoera (konfinamendua) eta leku (etxea) desberdin batean, egun hauetan iristen zaizkigun irudiengatik bat.

Komunikatzeko garraioak bezala, mobilaren bidez bidaltzen dizkidaten argazkiak lantzen ditut. Gaur egungo egoera irudi bakar batean esan nahi du “Arnasten dugun garaia”, Begirada bat-egoera bat. Begirada bat-bizi bat.

Nere lanean erretratuak zati eta denbora garrantsitsu bat dauka, beti argazki bat bezala lantzen dut (naiz eta naturaletik egin) momentu bateko egoera plasmatu nahi du. Proiektu honetan berdin berdin landu da bainan irudiak mobilaren bitartez iristen ari zaizkit.

Akriliko eta argizariekin kartoi gainean landu dira. Tamainak 90-70 zm eta 135-90 zm bitartean eginak daude. Gaur egun arte 4 eginak ditut.

EL TIEMPO QUE RESPIRAMOS

“El tiempo que respiramos” surge por necesidad de seguir mi labor diaria en un contexto (Confinamiento) y lugar (casa) diferentes al cotidiano y a la imagen que se trasmite durante estos días sobre la causa.

Al igual que en los medios de comunicación “El tiempo que respiramos” plasma un momento presente con una sola imagen. Una mirada-una situación. Una mirada-una vida.

En mi obra el retrato conserva una parte importante de mi tiempo, siempre lo trabajo como la fotografia (aunque lo trabaje del natural), intentando retratar un momento y un instante con una pincelada y este proyecto se está trabajando de la misma manera solo que con las imagenes que llegan a mi movil.

Ha día de hoy he realizado cuatro retratos. Todos están trabajados con acrilicos, ceras y óleos y los tamaños varian entre 90 por 70cm y 135 por 90 cm.

BIOGRAFIA ETA IBILBIDEA

Irunen jaio nintzen, 1976 ko Uztailaren 8 an. Nere aita Antikuarioa izanda heziketa aberatsak izan nituen Artetan, marrazketa, margoa, musika…

Geroago, “Arte y Antiguedades” ikasi nuen Madrilen “Tasazio obretan” espezializatu nintzen.
Artistikoki Irunen, Madrilen eta Bartzelonan Zeramika eta Eskultura Artistikoa. Margoan Javi Alkain, Gracenea eta Mensu-rekin.

Denbora luzez Artelanak berriztatu ditut.

2005 etik esposaketa ugari egin ditut nere Arte Lan-ekin, bai indibidualak bai beste artistekin. Hain bat tailer eta proiektu desberdinetan parte hartu dut eta obra publikoan laguntzaile bezela zenbait eskulturetan.

Soporte konkreturik gabeko Artista plastikoa ikusten dut nere burua. Serietan lan egiten dut, teknikak, proiektuaren araberean erabakitzen ditut.

Nere serie batzuk: “Entre corazas-corazón”, “Bestiario Urbano”, “Tótem”, “Cartas a un desconocido”, “Meditaciones” o “El hilo del tiempo” (ainaraoskoz.blogspot.com).

Artea komunikatzeko eta munduan kokatzeko modu bat bezala ulertzen dut, ikerketa sakon bat bukaera zehatz batekin: “Arte lana”.

Gaur egun Marte elkartean lan egiten dut beste artistekin. Bertan, gure proiektu pertsonalaz gain, hirugarren adinarekin eta eskoletan lan egiten digu arte proiektu artistikoetan.

BIOGRAFÍA Y TRAYECTORIA

Nací en Irún, el 8 de Julio de 1976. Soy hija de anticuarios por lo que mi educación fue siempre muy variada en Artes. Desde niña he recibido clases de pintura, dibujo, música…

Posteriormente estudié “Arte y Antiguedades” en Madrid especializándome en “Tasación de Obras de Arte”. Artisticamente estudié escultura artística y cerámica en Irún, Madrid y Barcelona y pintura con Javi Alkain, Gracenea y Mensu.

Durante años he trabajado como restauradora de Obras de Arte .
Desde 2005 he realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas con mis obras artisticas, he trabajado en varios talleres y en distintos proyectos , como ayudante en varias obras públicas.

Me considero una artista plástica sin soporte concreto. Trabajo en series y dependiendo del proyecto trabajo sobre un soporte u otro.

Algunas de mis series son: “Entre corazas corazón”, “Bestiario Urbano”, “Totem”, “Cartas a un desconocido” , “Meditaciones” o “El hilo del tiempo”.

En la actualidad trabajo en Marte junto a otros artistas. Además de nuestros proyectos personales trabajamos en educación y en la tercera edad con proyectos artísticos.

Claudia Guevara

Izarrik gabe dantzatzeko denbora

Egilea. Claudia Guevara-Fiallos

Akrilikoa paper gainean 56 bider 75 cm 500 €

Denbora bat dago eguzkiaren azpian nahi den guztiarentzat, barre egiteko denbora, negar egiteko denbora, eguzkiaren eta elurraren denbora, izarren azpian dantzatzeko denbora eta izarrik gabe gordetzeko eta dantzatzeko denbora.

Izarrik gabe dantzatzeko denbora obra bat da, non intimitateak bizitzaren funtsezko zati gisa duen garrantzia edozein unetan transmititzea bilatzen dudan, dela jai- eta alaitasun-garaiak, dela krisi-garai horiek.

650,00 €

Izarrik gabe dantzatzeko denbora

Autora. Claudia Guevara-Fiallos

Acrílico sobre papel 56 x 75 cm 500 €

Hay un tiempo para todo lo que se quiere debajo del sol, tiempo de reír, tiempo de llorar, tiempo de sol y tiempo de nieves, tiempo de bailar bajo las estrellas y tiempo para guardarse y bailar sin estrellas.

Tiempo de bailar sin estrellas es una obra en la que busco trasmitir la importancia de la intimidad como parte esencial de la vida en cualquier momento, sean tiempos de fiesta y alegría, o sean éstos tiempos de crisis.

650,00 €

Arimaren Oihua – Llanto del Alma – Cry of Soul

Urtea 2020

Egilea: Claudia Guevara-Fiallos

Muntaketa egurrean 58 por 70 cms.

5.3 k. de peso

650,00 €

 

Arimaren negarra giza minaren adierazpen konplexuari buruzkoa da, arimaren eta bihotzaren hauskortasunari buruzkoa, beti ahula eta apurtzeko sentibera.

Ez bakarrik etsai ikusezin eta isilarekin bizi garenon moduko uneetan, baita aurretik izan ditugun giza injusjentzia nabarmeneko ekintza guztiengatik ere.

Arimaren Oihua – Llanto del Alma – Cry of Soul

Año 2020

Autor: Claudia Guevara-Fiallos

Ensamblage sobre madera 58 por 70 cms.

5.3 k. de peso

650,00 €

 

Llanto del alma es acerca de la compleja expresión del dolor humano, la fragilidad del alma y del corazón siempre vulnerable y sensible a romperse

no solo en momentos como los que vivimos con un enemigo invisible y silencioso sino también por todos los actos de evidente injusJcia humana que nos han precedido.

BIOGRAFIA ETA IBILBIDEA

Claudia Guevara Fiallos dut izena, eta artista plastikoa naiz. Duela 30 urtetik hona, nire bokazio artistikoa garatzen aritu naiz, esperimentatuz eta espresio plastiko propioa bilatuz. Urte hauetan zehar, eta bizi izan naizen leku ezberdinetan, erakusketa bildumagile zein indibidualetan parte hartu dut, pertsona gisa hazten saiatu bainaiz, eta esperientzia horretatik atera ditut iraunkortasuna, diziplina eta gure garaian artista izateak esan nahi duenaren ulermen hobea.

Ofizioz eta bokazioz, neurri handi batean autodidakta. Hala ere, aitortu behar dut asko zor diedala beste artista eta maisu batzuei, zeinen eraginak bideratu baititu nire begirada eta nire ulermena Arteari buruz.

Gogoan dudanetik ikusi eta bizi izan dudan guztiak lagundu du eta laguntzen du nire eguneroko lanbidean.

Urtero sormen-tailerrak ematen ditu emakumeentzako garapen pertsonalerako espazioaren barruan. Lizarrako Zazpi Robles kanpalekua, Nafarroa.

BIOGRAFÍA Y TRAYECTORIA

Me llamo Claudia Guevara Fiallos y soy ar2sta plás2ca. Desde hace 30 años me he dedicado a desarrollar mi vocación artística experimentando y buscando una expresión plás2ca propia. Ha sido a lo largo de estos años y en diferentes lugares en donde he vivido he par2cipado en exposiciones tanto colec2vas como individuales que me han permi2do crecer como persona y de cuya experiencia he extraído la persistencia, la disciplina y una mejor comprensión de lo que significa ser un artista en nuestro tiempo.

Ainara Gebara

LANAREN DESKRIBAPENA:

Zalantzazko konfinamendu bakarti hauetan denbora asko, gehiegi akaso, dago pentsatzeko, hausnartzeko, gogora ekartzeko, eta ezinbestean zu etorri zara neure burura….

Hitzak berak ere, KONFINAMENDU, aspertzeraino entzunda jarraitzen nau….seinaleak ote?

Gaur nostalgia daukat.
Ateratzeko erretzen dut, zu ateratzeko…. Gure egunek alde egin zuten.

Gaur zure agurraren hotza gelditzen da, gure agurraren hotza Neure buruari galdetzen diot… konFIN???

Teknika: Errotuladorea paper birziklatuan marraztua eta margotua

Tamaina: 21x21cm
Izenburua: «GAUR NOSTALGIA DUT»

Prezioa: 52,00 €

 

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA

En estos días inciertos de confinamiento en soledad hay demasiado tiempo para pensar, reflexionar, recordar e inevitablemente me has venido tú…

Hasta la propia palabra escuchada hasta la saciedad, CONFINAMIENTO, me persigue y me lo recuerda, ¿serán señales?

Hoy tengo nostalgia

Fumo para sacarla, para sacarte Nuestros días se esFUMAron

Hoy queda El frío De Tu Adiós

de Nuestro Adiós,

Me pregunto, ¿CONFIN?

Técnica: Rotulador sobre papel reciclado Dimensiones: 21×21 cm
Título: “Hoy tengo Nostalgia”
Precio: 52,00 €

LANAREN DESKRIBAPENA:

Askotan kanpoko zarata barnekoa topa dezan ohituta gaude. Azken hau beti dago bertan. Izan ere, kanpo bakea dagoen egun hauetan, inoiz baino gehiago entzun dezakezu zeure barne zarata, ate joka zure buruari…
Zabal iezaiozu ba atea eta zaindu ezazu….

Teknika: Errotuladorea paper birziklatuan marraztua eta margotua Tamaina: 15x30cm
Izenburua: «ZARATA»
Prezioa: 39,00 €

 

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA

Estamos acostumbradas a que muchas veces el ruido exterior tape nuestro ruido interior, éste siempre está, y estos días de calma exterior, tu ruido más fuerte que nunca está llamando a tu puerta, abre la puerta y cuídalo….

Técnica: Rotulador sobre papel reciclado Dimensiones: 15×30 cm
Título: “Ruido”
Precio: 39,00 €

BIOGRAFIA ETA IBILBIDEA

Ilustrazioaren bidez, bizi eta imajinatzen dudan guztia ikusteko eta sentitzeko dudan modua adieraz dezaket.

Buruan ez dago mugarik, eta egongo balira, bihotza litzateke neure eragilea horiek apurtu ahal izateko.

Betidanik marraztu izan dut, baina duela gutxi izan zen pauso bat haratago joan izan nahi nuela, egiten eta atsegin dudana partekatzeko.

Kalean saltzen hasi nintzen (Zarautz, Edimburgo) eta bertan izan zen hau egin NAHI dudalaz jabetu nintzenean. Horregatik «erakunde» ezberdinetatik mugitzen hasi nintzen.

– 2019ko urria: Elkar dendan erakusketa (Gasteiz)

– 2019ko abendua: «Super Local Market»-en parte-hartzailea (The Garage-Gasteiz) – AGIFESeko lehiaketan finalista

– 2020ko martxoa: «Super Local Market II»-n parte-hartzailea

Nire lanak ikusteko, honako hauek bisita ditzakezu:

– instagram: @ainara_gebara (tximeleta)

www.donca.es/thegaragesupermarket

BIOGRAFÍA Y TRAYECTORIA

A través de la ilustración puedo expresar mi manera de ver y sentir todo aquello que vivo e imagino.

En la cabeza no hay límites y el corazón, es mi motor para romperlos si los hubiera.
Siempre he dibujado, pero desde hace poco tiempo quise dar un paso más y compartir lo que hago y me apasiona.

Empecé a vender en la calle (Zarautz, Edimburgo…) y ahí sentí que QUIERO HACER esto, y empecé a moverme un poco por las “instituciones”.

– Octubre, 2019. Exposición en Elkar (Gasteiz)

– Diciembre, 2019. Participante en Super Local Market en The Garage. – Finalista en el concurso de Ilustración de AGIFES.

– Marzo ,2020. Participante en Super Local Market II, en The Garage.

Puedes buscarme en:

– Instagram: @ainara_gebara (tximeleta)